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In The Future They Ate From The Finest Porcelain

IN THE FUTURE THEY ATE FROM THE FINEST PORCELAIN (2016) ist der letzte Teil von Larissa Sansours Science Fiction Trilogie, die in Zusammenarbeit mit Søren Lind entstanden ist. In einer…

Von  batchUser vor einem Monat 0   50   
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5050
Film title_en
In The Future They Ate From The Finest Porcelain
Film title_de
In The Future They Ate From The Finest Porcelain
Original title
In The Future They Ate From The Finest Porcelain
Long Description_en
IN THE FUTURE THEY ATE FROM THE FINEST PORCELAIN resides in the cross-section between sci-fi, archaeology and politics. Combining live motion and CGI, the film explores the role of myth for history, fact and national identity. A narrative resistance group makes underground deposits of elaborate porcelain – suggested to belong to an entirely fictional civilization. Their aim is to influence history and support future claims to their vanishing lands. In a temporal twist, as suggested by its title, IN THE FUTURE THEY ATE FROM THE FINEST PORCELAIN tells the story of an intervention into the future perception of a territory’s political history. A self-proclaimed narrative resistance group makes underground deposits of elaborate porcelain – suggested to belong to an entirely fictional civilization. Their aim is to influence history and support future claims to their vanishing lands. Once unearthed, the buried tableware will prove the existence of this counterfeit people. By implementing a myth of its own, their work becomes a historical intervention – de facto creating a nation. The film takes the form of a fictional video essay, combining live motion and CGI, and taking clues from archeology, politics, and science fiction. A voice-over based on an interview between a psychiatrist and the leader of the narrative resistance group about her thoughts on myth and fiction as constitutive for fact, history, and documentary reveals the philosophy and ideas behind the group’s actions. (Berlinale Catalogue)
Long Description_de
IN THE FUTURE THEY ATE FROM THE FINEST PORCELAIN (2016) ist der letzte Teil von Larissa Sansours Science Fiction Trilogie, die in Zusammenarbeit mit Søren Lind entstanden ist. In einer Mischung aus Realfilm- und CGI-Elementen werden die Oberthemen Verlust, Zugehörigkeit, Erbe und nationale Identität untersucht. Auch die beiden früheren Filme A SPACE EXODUS (2009) und NATION ESTATE (2012) beleuchten jeweils unterschiedliche Aspekte des politischen Aufruhrs im Nahen Osten. Eine narrativ-Widerstandsgruppe vergräbt kunstvoll veredeltes Porzellan, das einer fiktiven Zivilisation zuzuordnen sein soll. Ihr Ziel ist es, die Geschichte zu beeinflussen und zukünftige Ansprüche auf ihr verschwindendes Land zu unterstützen. IN THE FUTURE THEY ATE FROM THE FINEST PORCELAIN bewegt sich auf der Schnittfläche von Science-Fiction, Archäologie und Politik. IN THE FUTURE THEY ATE FROM THE FINEST PORCELAIN wurde in zahlreichen Einzelausstellungen u.a. in Stockholm, Paris und New York gezeigt und sorgte bei einer Ausstellung im Londoner Barbican Arts Centre für eine Kontroverse. Das Board of Deputies of British Jews, vertreten von der Geschäftsführerin Gillian Merron fordert die Entfernung von Sansours und Linds Werk mit der Begründung, dass es sich um den Versuch der Delegitimierung der historischen jüdischen Verbindung zu Israel handle. Die Unterstellung von Geschichtsfälschung bereite ihr große Sorge und sei ein Zeichen von Antisemitismus. Lind bestreitet diese Vorwürfe. Dem Guardian teilte er mit, dass es sich um eine Auseinandersetzung mit „der Beziehung zwischen Mythos, Fiktion, Fakten und Geschichte “handle und „erzählerischen Komponenten, die bei der Herausbildung der nationalen Identität in einer von politischen Turbulenzen geprägten Region eine Rolle spielen.” (theguardian.com)
Year
2015
Country
Palestine; Denmark; UK; Qatar
Length
29
Primary Language Version
Arabic
Subtitles
English
Featuring
Pooneh Hajimohammadi; Anna Aldridge; Leyla Ertosun; Larissa Sansour; Carol Sansour
Director
Larissa Sansour; Søren Lind
Screenplay
Søren Lind
Cinematography
Thomas Fryd
Editing
Daniel Martinez; William Dybeck Sørensen
Awards
Visual Science Award - Imagine Science Festival in Abu Dhabi; Best Experimental Short - Guanajuato IFF; Best Video Art Work - MADATAC
Festivals
Berlinale: Forum Expanded; BFI London Film Festival; International Film Festival Rotterdam; Dubai International Film Festival; Women's Filmfestival Dortmund - Cologne; Palestine Film Festival Chicago; Norwegian Short Film Festival Grimstad; Guanajuato International Film Festival; Twin City Arab Film Festival; DC Palestinian Film & Arts Festival; Arab Film Festival San Francisco; Cinema Days Ramallah; ARTifari Festival; Toronto Palestine Film Festival; Independent Film and Video Festival Kassel; Festival Tous Courts; „Questioning the Chroma-Key Principle“ Berlin;
Production
Ali Roche; Spike Film and Video; Film London
full_film
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The Wheel

THE WHEEL, die ursprünglich als Tanzperformance konzipierte Aufführung, wurde von Sara Fortuna und Daniela Lucato gemeinsam zu einem Kurzfilm aus Philosophie und Tanz weiterentwickelt.…

Von  batchUser vor einem Monat 0   96   
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4992
Film title_en
The Wheel
Film title_de
The Wheel
Original title
The Wheel
Long Description_en
THE WHEEL, originally conceived as a dance performance, was developed by Sara Fortune and Daniela Lucato into a short film that combines philosophy and dance. Daniela Lucato, dancer, actress and producer, directed and conceived the choreography. The screenplay by Sara Fortuna, a language philosopher exploring the origins of language and body perception, is inspired by Lars von Trier's Dogville. The wheel, as a real object in the center of the stage, creates a purely symbolic conceptual space in the filmic adaptation. The performance goes through a circular process of change, from preexistence, birth and childhood, to entering the adult world. The first chapter of THE WHEEL is about a child's perspective, about tension, unwillingness and sorrowful experiences. This transition from the immaculate world of the child, destined to end, is represented by two dancers. THE WHEEL was performed in April 2017 at the English Theater Berlin. The filming took place at the Malzfabrik Berlin.
Long Description_de
THE WHEEL, die ursprünglich als Tanzperformance konzipierte Aufführung, wurde von Sara Fortuna und Daniela Lucato gemeinsam zu einem Kurzfilm aus Philosophie und Tanz weiterentwickelt. Daniela Lucato, ihres Zeichens Tänzerin, Schauspielerin und Produzentin, führte Regie und entwarf die Choreographie. Das Drehbuch von Sara Fortuna, einer Sprachphilosophin, die Ursprünge von Sprache und Körperwahrnehmung erforscht, ist durch Lars von Triers Dogville inspiriert. Das Rad als reelles Objekt im Zentrum des Bühnenbildes, bildet in der filmischen Umsetzung einen rein symbolischen Begriffsraum. Die Performance durchläuft einen zirkulären Prozess des Wandels, von einer Präexistenz, über Geburt und Kindheit, hin zum Eintritt in die Welt der Erwachsenen. Das erste Kapitel von THE WHEEL erzählt aus der Sicht eines Kindes von Spannung, Unwillen und leidvollen Erfahrungen. Dieser Übergang aus der unbefleckte Welt des Kindes, die dazu bestimmt ist, zu enden, wird von zwei Tänzerinnen dargestellt. THE WHEEL wurde im April 2017 im English Theater Berlin aufgeführt. Die Dreharbeiten fanden in der Malzfabrik Berlin statt.
Year
2017
Country
Germany; Ireland; Italy
Length
9
Primary Language Version
no dialogue
Featuring
Roberta Ricci; Nicola Campanelli;Elia Pantaleoni; Connecting Fingers Company
Director
Daniela Lucato
Screenplay
Sara Fortuna
Cinematography
Jacopo Pantaleoni
Editing
Daniela Lucato
Music
David Travers
Production
Daniela Lucato
Supported by
Malzfabrik; Mesami
Skip_review
yes
full_film
0_ruptukci

Patch

„Perfekt von der Kamera eingefangen und mit exzellenter Musik unterlegt, entsteht vor den Augen des Zuschauers ein Kunstwerk, das sich in ständiger Bewegung und Veränderung befindet,…

Von  batchUser vor 5 Monaten 0   57   
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4978
Film title_en
Patch
Film title_de
Patch
Original title
Patch
Long Description_en
"Perfectly captured by the camera and supported by excellent music, a work of art is created before the eyes of the spectator, which is in constant movement and change, an elegant reasoning that brings about an emergence of images and stories, a small meditation on the essence of cinema. Perfectly staged, animated and edited. A jewel of a short film." (German Film and Media Review) In his experimental animation film PATCH, Gerd Gockell uses abstract color to explore the tension of abstraction versus representation. The film starts with small, black-and-white, hand-painted tiles. The illusion of movement is created by the clever editing and placement of the tiles. Initially very abstract, the increasing number of painted tiles gradually resolves into interacting characters. The animation film concludes with an iconic scene of film history, and illustrates the path from an abstract single image to animated motion from carefully arranged pixels. PATCH won the Jury Award at the International Film Festival d'Animation d'Annecy and was also shown at Interfilm Berlin, Festival del film Locarno, Solothurner Filmtage and DOK Leipzig.
Long Description_de
„Perfekt von der Kamera eingefangen und mit exzellenter Musik unterlegt, entsteht vor den Augen des Zuschauers ein Kunstwerk, das sich in ständiger Bewegung und Veränderung befindet, ein elegantes Räsonieren über das Entstehen von Bildern und Geschichten, eine kleine Meditation über das Wesen des Kinos also, auf den Punkt inszeniert, animiert und geschnitten. Für die Jury ein Kleinod des Kurzfilms.“ (Deutsche Film- und Medienbewertung) Gerd Gockell erforscht in seinem experimentellen Animationsfilm PATCH das Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Erkennbarkeit mit Hilfe abstrakter Farbmalerei. Zu Beginn sind kleine, schwarz-weiße, von Hand bemalte Kacheln zu sehen. Durch geschickte Platzierung der Kacheln und Bildmontage entsteht die Illusion einer Bewegung. Anfangs sehr abstrakt, zeichnen sich durch die zunehmende Zahl an bemalten Kacheln deutlicher werdend, nach und nach, Figuren und deren Interaktionen miteinander ab. Der Animationsfilm schließt mit einer ikonischen Szene der Filmgeschichte, und macht den Weg von abstrakten Einzelbild zur animierten Bewegung aus sorgfältig arrangierten Pixeln deutlich. PATCH erhielt den Jury Award beim Festival international du film d'animation d'Annecy und wurde unter anderem auf dem internationalen Kurzfilmfestival Berlin, Festival del film Locarno, Solothurner Filmtage und DOK Leipzig aufgeführt.
Year
2014
Country
Germany, Switzerland
Length
3
Age Recommendation
FSK 0
Primary Language Version
no dialogue
Featuring
Gerd Gockell
Director
Gerd Gockell
Screenplay
Gerd Gockell
Cinematography
Gerd Gockell
Editing
Gerd Gockell
Sound
Thomas Gassmann
Music
Phil McCammon
Awards
Prädikat Besonders Wertvoll; Animationsfilm Festival in Annecy - Prix du Jury
Festivals
Interfilm Berlin; Festival Del Film Locarno; Dok Leipzig; Black Night Animated Dreams Tallinn; Solothurner Filmtage; ExGround Wiesbaden
Production
Gerd Gockell
Image label
Gerd Gockell, Patch, short film animation, art film, medienkunst
full_film
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Nothing Essential Happens in the Absence of Noise

Alex und Daniel Buess, Bourbonese Qualk, Darkam, Pure - Breakcore Artists, die beim Berliner Noise Label Praxis Records publishen. NOTHING ESSENTIAL HAPPENS IN THE ABSENCE OF NOISE ist das…

Von  batchUser vor 7 Monaten 0   322   
SKU
4911
Film title_en
Nothing Essential Happens in the Absence of Noise
Film title_de
Nothing Essential Happens in the Absence of Noise
Original title
Nothing Essential Happens in the Absence of Noise
Long Description_en
Alex und Daniel Buess, Bourbonese Qualk, Darkam, Pure are thebreakcore artists published by noise label Praxis Records publishen. Silvia Biagioni's NOTHING ESSENTIAL HAPPENS IN THE ABSENCE OF NOISE is an experimental documentary manifesto about the this label. Founded in 1994 in London by Christoph Fringeli, Praxis has been active for more than 20 years mixing political engagement with breakcore music and rave parties. Shot mainly in VHS and mixed with animations and degraded film materials, the film is a essay on the origins of breakcore and on the developments of the illegal party scene of the last years. A trip into noise, break-core and bits of Marxism.
Long Description_de
Alex und Daniel Buess, Bourbonese Qualk, Darkam, Pure - Breakcore Artists, die beim Berliner Noise Label Praxis Records publishen. NOTHING ESSENTIAL HAPPENS IN THE ABSENCE OF NOISE ist das Label-Motto und titelgebend für Silvia Biagionis Doku. Praxis Records ist ein momentan in Berlin beheimatetes Plattenlabel, auf dem seit 1992 ungewöhnliche Musik auf eine ungewöhnliche Art und Weise produziert und vertrieben wird. Ansatz und Arbeitsweise von Praxis unterscheiden sich dabei vom Rest der Musikindustrie signifikant. „Visibility is a trap“ – die Selbstbeschreibung des Labels – ist ein Foucault-Zitat, mit der Datacide gibt es ein mit dem Label assoziiertes Zine, in dem um Gegenkultur, Subversion, freie Festivals und die ganzen anderen wichtigen Dinge des Lebens geht, und überhaupt wird das ganze nicht wegen Anerkennung oder Profit gemacht, sondern „for the buzz of inter-activity and mutual respect“. NOTHING ESSENTIAL HAPPENS IN THE ABSENCE OF NOISE wurde vor allem auf VHS produziert und durch Animation und zerfallendes Filmmaterial ergänzt. Silvia Biagionis Film ist ein Essay über die Wurzeln des Breakcore und die Enstehung der mit Noise assoziierten illegalen Partyszene der letzten Jahre.
Year
2015
Country
UK; Germany
Length
24
Age Recommendation
16
Primary Language Version
English
Secondary Language Version
German
Subtitles
English
Featuring
Chistoph Fringeli
Director
Silvia Biagioni
Screenplay
Silvia Biagioni
Editing
Silvia Biagioni
Festivals
globale; Unerhört Musikfilmfestival Hamburg; Easterndaze x Berlin; SeeYouSound Torino; Lausanne Underground Film & Music Festival; GRRL House Cinema Boston
Image label
Nothing Essential Happens in the Absence of Noise, Silvia Biagioni, experimental film, documentary, Berlin
full_film
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Curdled

Experimenteller Bodyscape-Tanz-Kurzfilm von Diane Busuttil ist eine greifbare Erfahrung – eine wellenförmige Oszillation zwischen visueller Wahrnehmung und dem Verlust von Anhaltspunkten,…

Von  batchUser vor 11 Monaten 0   355   
SKU
1542
Film title_en
Curdled
Film title_de
Curdled
Original title
Curdled
Long Description_en
This short experimental body-scape dance film by Berlin artist Diane Busuttil is a haptic experience – an undulating oscillation between visual discernment and loss of reference, emphasizing the intimacy of skin. The camera is the viewer's eyes, a close-up, a visual narrative of flow and movement, flesh on curdling flesh, concentrating on the nature of skin, its texture and it’s sensual and erotic value.
Long Description_de
Experimenteller Bodyscape-Tanz-Kurzfilm von Diane Busuttil ist eine greifbare Erfahrung – eine wellenförmige Oszillation zwischen visueller Wahrnehmung und dem Verlust von Anhaltspunkten, welche die Intimität der Haut unterstreicht. Die Kamera nimmt den Blickwinkel des Zuschauerauges ein: eine Nahaufnahme und visuelle Erzählung von Bewegung und Fluss, Fleisch auf Fleisch, Konzentration auf die Beschaffenheit der Haut und seinen sinnlichen und erotischen Wert. Ciao Mauro Sicily, Italy September Image + Nation, International LGBT Film Festival Montreal Canada October Threat Level Queer Screenings New York City and Chicago USA, October 17th Mix Brazil Festival of Sexual Diversity Sao Paulo, Brazil November
Year
2011
Country
Germany
Length
1
Age Recommendation
16
Primary Language Version
no dialogue
Featuring
Diane Busuttil; Maria Scaroni
Director
Diane Busuttil
Screenplay
Diane Busuttil
Cinematography
Barbara Lubich
Editing
Barbara Lubich
Sound
Diane Busuttil; Maria Scaroni
Image label
Experimental german short film, curdled, Diane Busuttil; Maria Scaroni
full_film
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Dirt and Desire

Eine attraktive Frau will mehr vom Leben und schmeißt in ihrem Landhaus ein merkwürdiges Kartoffel-Sex-Dinner. Kartoffeln, Frauen und Verführung zusammen haben Sie so wie in Diane…

Von  batchUser vor einem Jahr 0   896   
SKU
1540
Film title_en
Dirt and Desire
Film title_de
Dirt and Desire
Original title
Dirt and Desire
Long Description_en
DIRT AND DESIRE is a short film by Berlin resident Diane Busuttil. Director's Statement: There was a time when I had insomnia and I began meditating regularly, it was during this time that I had the initial story idea. Everything was clear to me; the colours; the actors; the location and the general feel of the film. I had seen some works of Luis Buñuel at the Berlinale 2008 and was inspired by the old style quality of the film. The crew and I watched many silent films together and shaped the final feel and look of the film. Dirt and Desire is a hand-crafted story of a wholesome girl who wants more out of life. She takes a risk and invites a hot babe to her country house for an intimate dinner of home made potatoes. Her desire leads her on a dark journey that ends exactly where it all began, in the dirt.
Long Description_de
Eine attraktive Frau will mehr vom Leben und schmeißt in ihrem Landhaus ein merkwürdiges Kartoffel-Sex-Dinner. Kartoffeln, Frauen und Verführung zusammen haben Sie so wie in Diane Busuttils preisgekröntem Kurzfilm DIRT AND DESIRE noch nie gesehen. „Es gab eine Zeit, als ich Schlafstörungen hatte und damit begann, regelmäßig zu meditieren. Während dieser Zeit hatte ich die ursprüngliche Idee für die Geschichte. Alles erschien klar vor mir: die Farben, die Schauspieler, der Ort und das generelle Feeling des Films.“ (Statement der Regisseurin)
Year
2009
Country
Germany
Length
8
Age Recommendation
16
Primary Language Version
English
Featuring
Diane Busuttil ; Anna De Carlo; Arlei Papa; Sebastian Suba; Tatiana Eva Safir; Ian Liddle; Andy Hitchcock ; Thurit Antonia Kremer; Lars Denicke
Director
Diane Busuttil
Screenplay
Diane Busuttil
Cinematography
Milu Grutta; Arlei Papa
Editing
Milu Grutta; Arlei Papa
Music
Stevhen Iancu – The Dolomites
Awards
KurzFilmFunk - Audience “Best-of” Award , Berlin ,Germany
Festivals
The Sydney Gay and Lesbian Mardi Gras Film Festival; X-posed 5th International Queer Short Film Festival, Berlin; The Melbourne Queer Film Festival; KurzFilmFunk, short film festival, Berlin; Revelation Perth International Film Festival; Frameline 33, The San Francisco International; Fairytales International Queer Diversity Film Festival LGBT Film
Production
Ouat Media Canada
full_film
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Andres Veiel: Balagan

BALAGAN heißt auf hebräisch „produktives Chaos“. Für seinen ersten Kino-Dokumentarfilm stellt einer der bekanntesten Dokfilmer Deutschlands, Andres Veiel, im Israel der…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   242   
SKU
4141
Film title_en
Andres Veiel: Balagan
Film title_de
Andres Veiel: Balagan
Original title
Balagan
Long Description_en
BALAGAN means “productive chaos” in Hebrew. Renowned German documentary director Andres Veiel reflects on the contradictions of Israeli society in the nineties by portraying an off-theater in the town of Akko. The film was awarded the German Film Prize. At a local theater in the Israeli harbor town of Akko, an activist play about the Holocaust is being staged. The actors are descendants of Holocaust survivors and some are orthodox Jews while others are Palestinian. By showing excerpts of the play and mixing in scenes of the actors while off stage, Veiel documents parallel realities in the Israeli society of the 1990's. “Veiel's BALAGAN is a sensitive film about a hot topic. It renounces pedagogical or political recommendations and has a message: that the coexistance of people from different religions and backgrounds can be possible in spite of great obstacles.” (epd Film)
Long Description_de
BALAGAN heißt auf hebräisch „produktives Chaos“. Für seinen ersten Kino-Dokumentarfilm stellt einer der bekanntesten Dokfilmer Deutschlands, Andres Veiel, im Israel der 1990er Jahre anhand eines Aktionstheaters Überlegungen über eine Gesellschaft voller Widersprüche an. Der Film gewann einen Deutschen Filmpreis (Filmband in Silber) für „Bester Film“. In der israelischen Hafenstadt Akko wird im örtlichen Theaterzentrum ein Stück über den Holocaust im Stil des Aktionstheaters aufgeführt. Schauspieler sind Nachkommen von Holocaust-Überlebenden, aber auch Palästinenser. Indem Andres Veiel die Aufführung zeigt, aber auch die persönlichen Hintergründe und Familiengeschichten seiner Protagonisten skizziert, dokumentiert er die Gleichzeitigkeit verschiedener Realitäten im Israel der 1990er Jahre. „Veiels BALAGAN ist ein behutsamer Film über ein brisantes Thema. Gerade das scheinbar Beiläufige dieses Films wie auch der Verzicht auf pädagogische Aufbereitung und wohlfeile politische Empfehlungen machen seine Botschaft aus: Dass ein Zusammenleben von Menschen unterschiedlicher Religion und Herkunft trotz größter Schwierigkeiten möglich sein kann.“ (epd Film)
Year
1994
Country
Germany
France
Length
90
Age Recommendation
FSK 16
Primary Language Version
Multiple Languages
Subtitles
German
Featuring
Madi Smadar Maayan
Khaled Abu Ali
Moni Yosef
David Maayan
Miri Zemach
Naama Mamber
Anat Kirschner
Director
Andres Veiel
Screenplay
Andres Veiel
Cinematography
Hans Rombach
Editing
Bernd Euscher
Sound
Horst Zinsmeister
Awards
German Film Award LOLA: Outstanding Feature (Film Award in Silver); Berlinale: Peace Film Award; German Camera Award: Promotional Award
Festivals
Berlinale
Image label
Andres Veiel, Balagan
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
31/03/2015
URL_key
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veiel-edition-balagan.html
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Jürgen Reble: Passion

Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs „Schmelzdahin“, untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   38   
SKU
3964
Film title_en
Jürgen Reble: Passion
Film title_de
Jürgen Reble: Passion
Original title
Passion
Long Description_en
Self-styled “film alchemist” Jürgen Reble, formerly a member of German experimental cinema collective “Schmelzdahin”, explores the material quality of celluloid film by subjecting found footage and his own footage to natural and chemical processes. The result is a film such as PASSION. Deconstruction on the organic level, the visible damage becomes uniquely beautiful when projected on the screen. “PASSION is a film diary in which Reble accompanies his unborn child through the year, following the seasons until his birth. Reble's unfamiliar chemistry generates slowly pulsating structures and colors. Micro and macroscopic imagery build a near abstract, hypnotic landscape - an intimate perception of creation.” (Light Cone Video) "The basic idea is that it is impossible to fix film. Film is something which is always in a state of flux... The images which are "real" in the beginning gradually disintegrate, and the gelatine laye, where the chemicals are lodged, dissolves. All that's left in the end is the 'raging of the elements'..." (Jürgen Reble)
Long Description_de
Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs „Schmelzdahin“, untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür Found Footage und eigene Aufnahmen natürlichen und chemischen Zersetzungsprozessen aus. Daraus resultieren Filme wie PASSION, in denen die sichtbar gemachten Schäden durch die Projektion eine einzigartige Schönheit entfalten. „In einer Art Filmtagebuch werden Ereignisse des täglichen Lebens gesammelt und in Beziehung zu archaisch-evolutionären Bildern gesetzt. Dabei verwebt sich Mikrokosmisches, speziell das Heranwachsen eines Embryos, mit Makrokosmischem. Die Grenzen verwischen durch chemische Zersetzungsprozesse in der Filmemulsion. Es kommt zu einer alchemistischen Spurensuche über die Erforschung des visuellen Ausdrucks von Film auf der Basis seines primären stofflichen Trägermaterials. Am Ende drängt es zur Geburt. Fetzen von Klang- und Melodiestücken kombiniert mit dem rhytmischen Pulsieren, Dröhnen und Sirren der Naturereignisse setzen dramatische Akzente. Es entsteht ein Spannungsgefüge zwischen Bildwelt, Chemie und Klängen.“ (Jürgen Reble)
Year
1989
Country
Germany
Length
53
Director
Jürgen Reble
Screenplay
Jürgen Reble
Image label
Jürgen Reble: Passion
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
08/07/2015
URL_key
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Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna

Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   150   
SKU
3965
Film title_en
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Film title_de
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Original title
Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
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With SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL and ZEFIRO TORNA, pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker Jonas Mekas turns his camera ton two other New York artistic luminaries: Andy Warhol and Fluxus iniatiator George Macunias. The films are less traditional documentaries than loose, impressionistic everyday portraits. Jonas Mekas is know for his rapid-fire diary films. His SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL chronicles not only the Pop Art pioneer and Factory master, but also the social and cultural excitement that swirled around him, throbbing to a hypnotic Velvet Underground beat. ZEFIRO TORNA shows “bits of Fluxus events and performances, and picnics with friends (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono, etc.), George’s wedding and footage I took of him in Boston hospital three days before he died.” (Jonas Mekas) Includes these films: Scenes From the Life of Andy Warhol, 1990, 35 min Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias, 1992, 36 min
Long Description_de
Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker Kunstzene der 1960er Jahre: Andy Warhol und Fluxus-Initiator George Macunias (John Lennon und Macunias'Fluxus-Kollegin Yoko Ono sind auch zu sehen). Die Filme sind weniger traditionelle Dokumentarfilme und vielmehr informelle, impressionistische filmische Portraits. Jonas Mekas ist für schnelle Tagebuchfilme bekannt. Sein SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL ist nicht nur eine Chronik des Pop-Art-Pioniers und Factory-Meisters, sondern auch der ganzen Szene um ihn herum, von der aus aufregende kulturelle und gesellschaftliche Impulse ausgingen. Den treibenden Beat des Films liefert The Velvet Underground. ZEFIRO TORNA zeigt „Fetzen von Fluxus-Events und -Performances, Picknicks mit Freunden (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono), Bilder von Georges Hochzeit und Aufnahmen, die ich drei Tage vor seinem Tod in einem Bostoner Krankenhaus gemacht habe.“ (Jonas Mekas) Beinhaltet diese Filme Scenes From the Life of Andy Warhol 1990 35 min Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias 1992 36 min
Year
1990/1992
Country
USA
Length
74
Primary Language Version
English
Featuring
Andy Warhol
George Macunias
Almus
John Lennon
Yoko Ono
Director
Jonas Mekas
Screenplay
Jonas Mekas
Music
The Velvet Underground
Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas
Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas
Image label
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
08/07/2015
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Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune

Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   35   
SKU
3966
Film title_en
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Film title_de
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Original title
Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Long Description_en
Jonas Mekas is a pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker. This compilation of seminal short film works brings together Jonas Mekas' many forms of expression from the 1960s to 1980s. His subjects range from the movement and color of the bigtop to the media manipulation during the Vietnam War. At times funny, subversive, provacative, ironic, and fundamentally free, this panorama also shows us the sharp eye and acerbic wit that makes Jonas Mekas more than a filmmaker: a lover of life and people that he embraces with his camera, whose montages sing of eternity. "Mr. Mekas' technique is to point his camera at whatever strikes his fancy and edit it later into a work in which certain visual motifs and moods emerge, with the formal structure kept loose and open-ended.The images fly by in a vertiginous blur until the camera stops to catch its breath and linger momentarily on a particular scene before the race resumes. These fragments have the impatient rhythm of someone trying to swallow the world in one ravenous gulp." (New York Times) Films included: Travel Songs 1967-1981, 25 min Notes on the Circus 1966 12 min Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min
Long Description_de
Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation zeigt die Vielfalt seines filmischen Ausdruckes mit Werken aus den 60er bis 80er Jahren. Seine Sujets reichen von Farben und Bewegung beim Zirkus bis zu Medienmanipulation während des Vietnamkrieges. In allen Filmen sind ein kaustischer Witz und Mekas' scharfes Auge sichtbar. „Mr. Mekas's Technik ist wie folgt: Er richtet seine Kamera auf etwas, das ihn interessiert und montiert die Aufnahmen zu einem Werk, in dem visuelle Motive und Stimmungen zum Vorschein kommen. Dabei bleibt die Form offen. Die Bilder verschwimmen zu einem schwindelerregenden Sog, bis die Kamera sich eine Atempause gönnt und für ein paar Momente bei einer bestimmten Szene verharrt. Danach beginnt der Wettlauf von Neuem. Diese Fragmente haben einen ungeduldigen Rhythmus, als ob jemand wie ausgehungert die ganze Welt auf einmal verschlingen möchte.“ (New York Times) Das Programm einhaltet diese Filme: Travel Songs 1967-1981, 25 min Notes on the Circus 1966 12 min Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min
Year
1966-1981
Country
USA
Length
41
Primary Language Version
English
Director
Jonas Mekas
Screenplay
Jonas Mekas
Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel
Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel
Image label
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
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08/07/2015
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Viking Eggeling: Diagonal Symphony

Der schwedische Künstler und Animationsfilmer Viking Eggeling kam in den 1920er Jahren nach Berlin, damals ein Zentrum der Dada-Bewegung. Hier entstand seine SYMPHONIE DIAGONALE, ein stummer,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   57   
SKU
3962
Film title_en
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
Film title_de
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
Original title
Symphonie Diagonale
Long Description_en
Swedish born artist-animator Viking Eggeling moved to 1920s Berlin, which at the time was a center of Dadaism. There he created SYMPHONIE DIAGONALE, a silent, abstract animated film that nevertheless emulates music through its use of repetition, contrast, rhythm and graphic depictions of sound. Eggeling's work is a precursor to the music clip and VJing. A tilted figure, consisting largely of right angles at the beginning, grows by accretion, with the addition of short straight lines and curves which sprout from the existing design. The figure vanishes and the process begins again with a new pattern, each cycle lasting one or two seconds. The complete figures are drawn in a vaguely Art Deco style and could be said to resemble any number of things, an ear, a harp, panpipes, a grand piano with trombones, and so on, only highly stylized. The tone is playful and hypnotic.
Long Description_de
Der schwedische Künstler und Animationsfilmer Viking Eggeling kam in den 1920er Jahren nach Berlin, damals ein Zentrum der Dada-Bewegung. Hier entstand seine SYMPHONIE DIAGONALE, ein stummer, abstrakter Animationsfilm, das dennoch Musik evoziert durch den Einsatz von Wiederholung, Kontrast, Rhythmus und graphische Entsprechungen von Ton. Eggeling gilt als Wegbereiter des Musikclips und des VJing. 1923 entstand in den Universum Film (UFA)-Trickfilmateliers unter seiner Leitung das Werk Diagonal-Symphonie, ein Stummfilm in Schwarz-Weiß mit einer Länge von 7 ¾ Minuten. Hierbei benutzte er selbstentworfene Bilder als Vorlagen, die er mit schwarzem Papier abdeckte und langsam freilegte, indem er das Papier verschob oder Figuren ins Papier schnitt. Die Figuren sind im Art Déco Stil; die stilisierten Figuren erinnern an ein Ohr oder verschiedene Musikinstrumente. Der Film wurde 1924 fertiggestellt und am 3. Mai 1925 im Rahmen der Matinee, „Der absolute Film“, öffentlich aufgeführt.
Year
1924
Country
Germany
Length
7
Primary Language Version
no dialogue
Director
Viking Eggeling
Festivals
Animateka Festival; Göteborg Film Festival; Diagonale Festival of Austrian Film Graz
Miscellaneous_en
aka Diagonal-Symphonie
Miscellaneous_de
aka Diagonal-Symphonie
Image label
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
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Product_creation_date
08/07/2015
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Jürgen Reble: Das Goldene Tor

Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs "Schmelzdahin", untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   52   
SKU
3963
Film title_en
Jürgen Reble: Das Goldene Tor
Film title_de
Jürgen Reble: Das Goldene Tor
Original title
Das Goldene Tor
Long Description_en
Self-styled “film alchemist” Jürgen Reble, formerly a member of German experimental cinema collective “Schmelzdahin”, explores the material quality of celluloid film by subjecting found footage and his own work to natural and chemical processes. This results in films like DAS GOLDENE TOR in which the visible damage becomes uniquely beautiful when projected on the screen. “The basic idea is that it is impossible to fix film. Film is something, which is always in a state of flux...The images, ‘real’ in the beginning, gradually disintegrate and the gelatine layer, where the chemicals are embedded, dissolves. All that’s left in the end is the ‘raging of the elements’” (Jürgen Reble) “Jürgen Reble’s film works are marked by layers of residue, shifting abstract surfaces, chemical traces, scratches and blotches, as though a virus has infected the image, distorting its tone and colour, imbuing it with unusual textures and a strange aura. In these films destructive processes are the creative aesthetic agent. [...] A form of myopic mythopoeia, DAS GOLDENE TOR confounds readings of interpretive “meaning”, however layered or subjective they could be; neither is it concerned with perceptual phenomena or visual processes. It is a self-contained metaphor, a self-actualising event through the experience of its passage. As it progresses its atmosphere becomes more intense, it is slower, it is hazily less distinct. Like the sympathetic layer of Thomas Koner’s soundtrack, it is 'dark ambient'”. (Steven Ball)
Long Description_de
Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs "Schmelzdahin", untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür Found Footage und eigene Aufnahmen natürlichen und chemischen Zersetzungsprozessen aus. Daraus resultieren Filme wie DAS GOLDENE TOR, in denen die sichtbar gemachten Schäden durch die Projektion eine einzigartige Schönheit entfalten. “In DAS GOLDENE TOR werden Fragmente aus Naturfilmen über Insekten und Reptilien, Bilder aus Raumfahrt und Astronomie und eigene Aufnahmen menschlichen Umtriebes aus der unmittelbaren Umgebung miteinander verwoben. Dabei werden die Erfahrungen jahrelanger Forschung der chemischen Manipulation des Bildsilbers während und nach der Entwicklung auf die Bilder angewendet. Sie erhalten eine malerische Qualität und schaffen eine Atmosphäre, die zwischen Traum und Wirklichkeit liegt. Im Verlauf des Films entfernt sich die Beobachtung zunehmend von der Wirklichkeit weg. Extreme Langzeitbelichtungen verstärken die Flüchtigkeit menschlicher Aktivität. Durch die Uberwindung der folgenden Finsternis entsteht ein inneres Licht." Das goldene Tor" ist ein Begriff aus vorchristlicher Mythologie, der eine Verinnerlichung und Erneuerung des göttlichen Feuers beim Durchgang durch die Wintersonnenwende bezeichnet. Die Musik wurde von Thomas Köner komponiert. Sie bildet eine eigene Schicht, die die Spannungen der Bildgefüge intensiviert, ohne zu untermalen. Ähnlich wie der Film ohne traditionelle Muster von Struktur und Narration verknüpft ist, verläßt auch die Musik die gewohnten Bahnen von Rhythmus und Melodie. So entsteht eine audiovisuelle Scheinwelt, die mehr durch den Bauch als durch das Gehirn wahrnehmbar ist.” (Jürgen Reble)
Year
1992
Country
Germany
Length
54
Director
Jürgen Reble
Screenplay
Jürgen Reble
Sound
Thomas Koner
Music
Thomas Koner
Image label
Jürgen Reble: Das Goldene Tor
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Product_creation_date
08/07/2015
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Michael Snow: Rameau's Nephew

Der legendäre kanadische Experimentalfilmemacher, Musiker und Künstler Michael Snow untersucht Semantik und der Nummer 24 in einer Reihe von spielerischen, innovativen Filmvignetten, mit…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   155   
SKU
3959
Film title_en
Michael Snow: Rameau's Nephew
Film title_de
Michael Snow: Rameau's Nephew
Original title
Rameau's Nephew
Long Description_en
Legendary Canadian experimental filmmaker-artist-musician Michael Snow explores the semantic and cinematic meaning of the number 24 in a series of playful, innovative film vignettes also featuring contributions from fellow artists like Nam June Paik. “RAMEAU'S NEPHEW makes me crazy, makes the top of my head go flying off. I have a need of its particular regenerative insanity at least once a month." (Amy Taubin, Film Critic) Michael Snow presents a cinematic essay on the multiples of 24. The film runs at 24 frames per second, and there are 24 individual sequences interrupted by the brief use of multi-colored flickers to break up the syntagmatic axis. As all of Michael Snow's works do, RAMEAU'S NEPHEW invites us to experience, question and contemplate representation, process and material. The film illustrates his research both in the visual arts and in sound - an authentic 'talking picture,' built from the true units of the syllable and the frame.
Long Description_de
Der legendäre kanadische Experimentalfilmemacher, Musiker und Künstler Michael Snow untersucht Semantik und der Nummer 24 in einer Reihe von spielerischen, innovativen Filmvignetten, mit Beiträgen von Künstlerkollegen wie Künstler Nam June Paik. „RAMEAU'S NEPHEW macht mich kirre, da fliegt mir die Schädeldecke weg. Ich muss mir diesen regenerativen Wahnsinn mindestens einmal im Monat geben." (Amy Taubin, Filmkritikerin) Michael Snow präsentiert einen Filmessay über die Zahl 24. Der Film läuft mit 24 Bildern pro Sekunde, und der Film besteht aus 24 Sequenzen, die durch Einzelbildern in mehreren Farben von einander getrennt werden, um die syntagmatische Achse zu durchbrechen. So wie allen Werke von Michael Snow lädt RAMEAU'S NEPHEW BY DIDEROT (THANX TO DENNIS YOUNG) BY WILMA SCHOEN dazu ein, Prozess und Materialität der Abbildung zu erfahren und hinterfragen.
Year
1970-1974
Country
Canada
Length
255
Language_code
en:ove
Featuring
Michael Snow
Jonas Mekas
Dennis Young
Nam-June Paik
P. Adams Sitney
Marie Antoinette Roy
Amy Taubin
Director
Michael Snow
Screenplay
Michael Snow
Miscellaneous_en
aka Rameau's Nephew by Diderot (Thanx to Dennis Young) by Wilma Schoen
Miscellaneous_de
aka Rameau's Nephew by Diderot (Thanx to Dennis Young) by Wilma Schoen
Image label
Michael Snow: Rameau's Nephew
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Product_creation_date
08/07/2015
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Stan VanDerBeek: Visibles

VISIBLES versammelt die wichtigsten Kurzfilme des Experimentalfilmpioniers Stan VanDerBeek. VanDerBeeks Kollagen-Stil, gespickt mit popkulturellen Referenzen, beeinflusste nachhaltig die Animationen,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   114   
SKU
3960
Film title_en
Stan VanDerBeek: Visibles
Film title_de
Stan VanDerBeek: Visibles
Original title
Visibles
Long Description_en
VISIBLES is a collection of key short films by pioneering experimental filmmaker Stan VanDerBeek. VanDerBeek's collage-like and pop culture savvy style was inspired by Dadaism and Surrealism. His work was a major inspiration for Monty Python animator and director Terry Gilliam. "Stan VanDerBeek is one of our few genuine film artists - a poet, a clown, a laughing man of the Bomb Age." (Jonas Mekas) VanDerBeek's early collage animation was created in the spirit of the Surrealist and Dadaist work of Max Ernst, but with a wild, rough informality more akin to the expressionism of the Beat Generation. His utopian experiments in expanded cinema included building a dome theater with dozens of projectors and creating computer animated films and holographic experiments with Bell Labs. In the 1970s he designed global fax murals, steam projections, and interactive television programs. The collection includes these films: Science Friction 1959 10min A la mode 1959 7min Breathdeath 1963 15min Poemfield n°2 1971 6min Achoo Mr Kerrooschevv 1960 2min See Saw Seams 1965 9min Panels for the Walls of the World 1967 8min Oh 1968 10min Symmetricks 1971 6min
Long Description_de
VISIBLES versammelt die wichtigsten Kurzfilme des Experimentalfilmpioniers Stan VanDerBeek. VanDerBeeks Kollagen-Stil, gespickt mit popkulturellen Referenzen, beeinflusste nachhaltig die Animationen, die Regisseur Terry Gilliam für Monty Python kreiiert hat. “Stan VanDerBeek is one of our few genuine film artists - a poet, a clown, a laughing man of the Bomb Age." (Jonas Mekas) VanDerBeeks frühe animierten Kollagen sind im Geist des Dadaismus und von Surrealisten wie Max Ernst, gleichzeitig sind sie mit der rauhen, informellen, expressionistischen Poesie der Beat Generation verwandt. VanDerBeek hatte stets eine utopische Vision des Kinos, die er mit Expanded Cinema Experimenten wie eine mit dutzenden von Projektoren ausgestattete Kinokuppel sowie seine Computeranimationen und holografischen Filme, die er mit Unterstützung von Bell Labs realisierte. In den 1970er Jahren arbeitete er an Projektionen mit Dampf und interaktiven TV-Programmen. Die Kollektion umfasst diese Filme: Science Friction 1959 10min A la mode 1959 7min Breathdeath 1963 15min Poemfield n°2 1971 6min Achoo Mr Kerrooschevv 1960 2min See Saw Seams 1965 9min Panels for the Walls of the World 1967 8min Oh 1968 10min Symmetricks 1971 6min
Year
1959-1971
Country
USA
Length
100
Language_code
en:ove
Director
Stan Vanderbeek
Image label
Stan VanDerBeek: Visibles
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Product_creation_date
07/08/2015
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stan-vanderbeek-visibles
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Michael Snow: Presents

Der strukturalistische Filmemacher Michael Snow (*Toronto, 1929) gilt als einer der einflussreichsten Experimentalfilmer der Welt und ist einer der wichtigsten Künstler Kanadas. Sein Werk wurde…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   242   
SKU
3958
Film title_en
Michael Snow: Presents
Film title_de
Michael Snow: Presents
Original title
Presents
Long Description_en
Structuralist filmmaker Michael Snow (Toronto, 1929) is considered one of the world's most influential experimental filmmakers and is the subject of retrospectives in many countries. He is considered one of Canada's most important living artists. PRESENTS is literally a film within a film. A prolific painter, photographer, sculptor, jazz musician and filmmaker, Snow invites us to contemplate between what is represented its process and material. "The apparent vertical scratch in celluloid that opens PRESENTS literally opens into a film within the film. When its figure awakens into a woman in a 'real' unreal set, the slapstick satire of structural film begins. It is not the camera that moves, but the whole set... Snow pushes us into acceptance of present moments of vision, but the single drum beat that coincides with each edit in this elegiac section announces each moment of life's irreversible disappearance." A monster of formalism. (Philip Monk, Art Express)
Long Description_de
Der strukturalistische Filmemacher Michael Snow (*Toronto, 1929) gilt als einer der einflussreichsten Experimentalfilmer der Welt und ist einer der wichtigsten Künstler Kanadas. Sein Werk wurde in vielen Ländern ausgestellt. PRESENTS ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Film im Film. Snow, der als Maler, Fotograf, Bildhauer, Jazzmusiker und Filmemacher aktiv ist, lädt mit PRESENTS den Zuschauer dazu ein, das Verhältnis zwischen dem Dargestellten und den dahinter liegenden Prozessen und Material zu betrachten. „The apparent vertical scratch in celluloid that opens PRESENTS literally opens into a film within the film. When its figure awakens into a woman in a 'real' unreal set, the slapstick satire of structural film begins. It is not the camera that moves, but the whole set... Snow pushes us into acceptance of present moments of vision, but the single drum beat that coincides with each edit in this elegiac section announces each moment of life's irreversible disappearance. A monster of formalism.“ (Philip Monk, Art Express)
Year
1981
Country
Canada
Length
94
Subtitles
English
Director
Michael Snow
Image label
Michael Snow: Presents
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Product_creation_date
08/07/2015
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michael-snow-presents
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Peter Rose: Analogies

PETER ROSE: ANALOGIES ist eine Kollektion von Kurzfilmen des amerikanischen Experimentalfilmregisseurs Peter Rose. "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   162   
SKU
3956
Film title_en
Peter Rose: Analogies
Film title_de
Peter Rose: Analogies
Original title
Peter Rose: Analogies
Long Description_en
PETER ROSE ANALOGIES is a collection of short films by the American experimental film artist, Peter Rose. Films include: INCANTATION (1968-1972, 8') was shown as part of the Whitney Museum's New American Filmmakers Series. The film was shot entirely in the camera. ANALOGIES – STUDIES IN THE MOVEMENT OF TIME (1977, 14') uses a variety of multiple screen formats to create an intriguing series of visual riddles. SECONDARY CURRENTS (1983-1990, 16') is a comic opera, a dark metaphor for the order and entropy of language. SPIRIT MATTER (1991, 6') was constructed without a camera by writing directly on clear celluloid. THE MAN WHO COULD NOT SEE FAR ENOUGH (1981, 33') ranges in subject from a solar eclipse shot off the coast of Africa to a hand-held filmed ascent of the Golden Gate Bridge, and moves, in spirit, from the deeply personal to the mythic. It has won major awards of distinction at numerous festivals and is in collections at Centre Pompidou in Paris and at Image Forum in Tokyo. "I'm an escape artist. I aspire to travel in the fifth dimension, to speak unknown languages, to discover the next stage in the evolution of thought. I construct structural parables that allude to the possibility of there being more to the universe than is permitted by our explanations." (Peter Rose)
Long Description_de
PETER ROSE: ANALOGIES ist eine Kollektion von Kurzfilmen des amerikanischen Experimentalfilmregisseurs Peter Rose. "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften Dimension reisen, will unbekannte Sprachen sprechen und die nächste Stufe in der Entwicklung des Denkens entdecken". (Peter Rose) Filme in diesem Programm: INCANTATIONS (1968-1972) 8' ANALOGIES – STUDIES IN THE MOVEMENT OF TIME (1977) 14' THE MAN WHO COULD NOT SEE FAR ENOUGH (1981) 33' SECONDARY CURRENTS (1983-1990) 16' SPIRIT MATTER (1991) 6' "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften Dimension reisen, will unbekannte Sprachen sprechen und die nächste Stufe in der Entwicklung des Denkens entdecken. Ich schaffe strukturelle Parabeln, die auf die Möglichkeit hinweisen, dass das Universum mehr birgt, als was wir mit unseren Erklärungen begreifen können." (Peter Rose)
Year
1968-1991
Country
USA
Length
80
Language_code
en:ove
Director
Peter Rose
Image label
Peter Rose: Analogies
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Product_creation_date
08/05/2015
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Paul Sharits: Mandala Films

Der bildende Künstler und Avantgarde-Filmemacher Paul Sharits (1943-1993) gilt als einer der Meister des abstrakten "Flicker“-Films. Er entstammt der Strukturfilmbewegung und wird oft…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   70   
SKU
3957
Film title_en
Paul Sharits: Mandala Films
Film title_de
Paul Sharits: Mandala Films
Original title
Paul Sharits: Mandala Films
Long Description_en
Paul Sharits (1943-93) , a visual artist, best known for his work in avant-garde filmmaking, was a maestros of the so-called ‘flicker’ film – abstract films based on rapidly alternating frames of solid color. His work falls into the structural film movement, along with that of other artists such as Tony Conrad, Hollis Frampton, and Michael Snow. The physiological and psychological effects of flicker films can be pleasurable, even exhilarating. Sharits conceived and described his films with reference to ‘mandalas’, the geometric shapes used by followers of many religious traditions as an aid to meditation and induce trance states. The Paul Sharits MANDALA FILMS are based on intense, rapid-fire pulses of color interspersed with arresting still images: a couple making love in Peace Mandala/End War and a man cutting off his own tongue with glitter-covered scissors in T,O,U,C,H,I,N,G. Film includes: Peace Mandala/End War (1966) 5 min N:O:T:H:I:N:G (1968) 36 min T,O,U,C,H,I,N,G (1968) 12 min
Long Description_de
Der bildende Künstler und Avantgarde-Filmemacher Paul Sharits (1943-1993) gilt als einer der Meister des abstrakten "Flicker“-Films. Er entstammt der Strukturfilmbewegung und wird oft in einem Atemzug mit Künstlern wie Tony Conrad, Hollis Frampton und Michael Snow genannt. Filme in diesem Programm: PEACE MANDALA/END WAR (1966) 5 min N:O:T:H:I:N:G (1968) 36 min T,O,U,C,H,I,N,G (1968) 12 min Die physiologischen und psychologischen Auswirkungen der Flicker-Filme können angenehm, sogar berauschend sein. Paul Sharits konzipierte seine Filme wie "Mandalas", deren geometrische Formen in bestimmten religiösen Traditionen zur Meditation eingesetzt werden und ihren Anhängern helfen, in Trance zu verfallen. In PEACE MANDALA liebt sich ein Paar und in T, O, U, C, H, I, N, G. schneidet sich ein Mann die eigene Zunge mit einer glitzernden Schere ab.
Year
1966-1968
Country
USA
Length
50
Primary Language Version
English
Director
Paul Sharits
Image label
Paul Sharits: Mandala Films
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Len Lye: Rhythms

LEN LYE: RHYTHMS ist eine Kollektion der wichtigsten Werke des in Neuseeland geborenen Pioniers des Animations- und Experimentalfilms aus allen Phasen seiner Karriere. Len Lye gilt als einer der…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   39   
SKU
3953
Film title_en
Len Lye: Rhythms
Film title_de
Len Lye: Rhythms
Original title
Len Lye: Rhythms
Long Description_en
RHYTHMS is a collection of the most significant film works of the New Zealand-born animation and experimental film pioneer, LEN LYE. Len's films are held in the British Film Institute, Museum of Modern Art in New York City, and the Pacific Film Archive at University of California, Berkeley. RHYTHMS spans Lye's entire career. Len Lye (1901-1980) was a major figure in experimental filmmaking as well as leading kinetic sculptor and an innovative theorist, painter and writer. He pioneered "direct film", film made without a camera, by painting and scratching images directly onto celluloid, by reworking found footage, by casting shadows of objects onto unexposed film, and by experimenting with a number of early color techniques. The collection includes: - Kaleidoscope, 1935, 35mm, 4' - Colour Flight, 1938, 35mm, 4' - Swinging the Lambeth Walk, 1939, 35mm, 4' - Color Cry, 1953, 16mm, 3' - Rhythm, 1957, 16mm, 1' - Free Radicals, 1958/1979, 16mm, 4' - Particles in Space, 1967-1971/1979, 16mm, 4' - Tal Farlow, 1960/1980, 16mm, 2' These films are available in up-resed HD video, originating from an SD telecinema. The animated cinema of Len Lye consists of particularly difficult elements to encode digitally. Re:Voir and realeyz are aiming to find the best video solutions; for the time being, this is the best existing copy of Len Lye's films.
Long Description_de
LEN LYE: RHYTHMS ist eine Kollektion der wichtigsten Werke des in Neuseeland geborenen Pioniers des Animations- und Experimentalfilms aus allen Phasen seiner Karriere. Len Lye gilt als einer der wichtigsten Regisseure des Experimentalfilms. Len Lye (1901-1980) war ein einflussreicher Experimentalfilmemacher, Schöpfer von kinetischen Skulpturen und innovativer Theoretiker, Maler und Autor. Er war ein Pionier des "direkten Films", die er ohne Kamera erstellt hat, indem er auf den Filmstreifen malte und kratzte. Er arbeitete auch mit Found Footage Material und erprobte neue Farbverfahren. Die Kollektion umfasst folgende Titel: - Kaleidoscope, 1935, 35mm, 4' - Colour Flight, 1938, 35mm, 4' - Swinging the Lambeth Walk, 1939, 35mm, 4' - Color Cry, 1953, 16mm, 3' - Rhythm, 1957, 16mm, 1' - Free Radicals, 1958/1979, 16mm, 4' - Particles in Space, 1967-1971/1979, 16mm, 4' - Tal Farlow, 1960/1980, 16mm, 2' Diese Filme sind in HD-Versionen verfügbar, hochskaliert von SD-Filmabtastungen. Die animierten Filme von Len Lye stellten besondere Herausforderungen für die digitale Encodierung dar. Re:Voir und realeyz bieten die bestmöglichen Fassungen an.
Year
1935-1980
Country
UK
USA
New Zealand
Length
50
Age Recommendation
FSK 6
Subtitles
English
Director
Len Lye
Image label
Len Lye: Rhythms
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Product_creation_date
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len-lye-rhythms
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Hans Richter: Early Works

HANS RICHTER: EARLY WORKS ist eine Kollektion von abstrakten Animationen und experimentellen Realfilmen des deutschen Pioniers der filmischen Avantgarde, Hans Richter. Die Filme stammen aus der 20er…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   41   
SKU
3954
Film title_en
Hans Richter: Early Works
Film title_de
Hans Richter: Early Works
Original title
Hans Richter: Early Works
Long Description_en
HANS RICHTER: EARLY WORKS assembles the earliest films – abstract animation and experimental live action – by the German pioneer of avantgarde cinema. Though made in the 1920s, the films remain relevant today: whether agitprop documentaries or visual music – both genres have their roots in Richter's work. Includes interview material with Richter talking about his work. Hans Richter's position in the art world was unique. As one of the earliest exponents of Dada, he was also one of the first to recognize the new possibilities cinematography offered the artist. He participated in the first avant-garde film movement alongside Léger, Duchamp, Man Ray, Picabia, Cocteau and Dali, and later in New York his teachings would influence many of the "New American Cinema" filmmakers. "By film I mean visual rhythm... to see movement, organized movement, wakes us up, wakes up resistance, wakes up the reflexes, and perhaps wakes up our sense of enjoyment as well. This kind of film gives memory nothing to hang on. At the mercy of "feeling", reduced to going with the rhythm according to the successive rise and fall of the breath and the heartbeat, we are given a sense of what feeling and perceiving really is: a process – MOVEMENT." (Hans Richter, 1924) Films in this program: Rhythmus 21 1921 4min Rhythmus 23 1923 4min Filmstudie 1926 5min Ghosts Before Breakfast (Vormittagsspuk) 1927-28 7min Race Symphony 1928-29 7min Two Pence Magic (Zweigroschenzauber) 1928-29 2min Inflation 1927 3min Everything Turns Everything Revolves 1929 3min
Long Description_de
HANS RICHTER: EARLY WORKS ist eine Kollektion von abstrakten Animationen und experimentellen Realfilmen des deutschen Pioniers der filmischen Avantgarde, Hans Richter. Die Filme stammen aus der 20er Jahren, sind bis heute relevant: Ob Agitprop-Doku oder visuelle Musik, beides hat Wurzeln in Richters Werk. Hans Richter war einer der ersten, der die neuen Möglichkeiten der Kinematografie für seine künstlerische Arbeit erkannte und einsetzte. Er gehörte zusammen mit Léger, Duchamp, Man Ray, Picabia, Cocteau und Dali der Avantgarde-Bewegung an und lehrte später in New York. Sein Werk hatte maßgeblichen Einfluss auf die Filmemacher des “New American Cinema”. “Unter Film verstehe ich optischen Rhythmus … Bewegung sehen, organisierte Bewegung, die weckt uns auf, weckt Widerstand, weckt die Reflexe und weckt vielleicht auch unseren Sinn für Freude.” (Hans Richter) Filme in diesem Programm: RHYTHMUS 21 (1921) stumm 4’ RHYTHMUS 23 (1923) stumm 4’ FILMSTUDIE (1926) 5’ GHOSTS BEFORE BREAKFAST VORMITTAGSSPUK (1927-28) 7’ RACE SYMPHONY (1928-29) 7’ TWO PENCE MAGIC ZWEIGROSCHENZAUBER (1928-29) 2’ INFLATION (1927-28) 3’ EVERYTHING TURNS EVERYTHING REVOLVES * ALLES DREHT SICH, ALLES BEWEGT SICH (1929)
Year
1921-1929
Country
Germany
Length
58
Language_code
en
Director
Hans Richter
Music
Paul Hindemith (Vormittagsspuk)
Image label
Hans Richter: Early Works, Paul Hindemith
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Product_creation_date
08/05/2015
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Hans Richter: Give Chance a Chance

GIVE CHANCE A CHANCE ist ein Porträt des Regisseurs und Künstlers Hans Richter. In Interviewpassagen und Filmausschnitten zeigt die Doku Richters wegweisende Arbeiten in abstrakter…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   83   
SKU
3955
Film title_en
Hans Richter: Give Chance a Chance
Film title_de
Hans Richter: Give Chance a Chance
Original title
Donner une chance à la chance
Long Description_en
GIVE CHANCE A CHANCE is a scripted documentary and interview with artist-sculptor-filmmaker-surrealist Hans Richter, showing his place in history and his pioneering work in abstract animation, visual music, Surrealist, Dada, agitprop and underground cinema. Richter is cited as an inspiration of “New American Cinema”. In the film Hans Richter talks about his career, which started at the beginning of the 20th century: early experiments with the movie camera, association with the world of the Surrealists, conflict with the National Socialists in Germany, the origins of Dada, and the evolution of his own style in painting, drawing and collage. Many films clips and examples of his graphic work illustrate his themes: opposition of the Nazis, who saw that chaos in art was inimical to their own idea of a new world order; how Dada has affected Pop Art and "the new realism" in literature, music, painting, art and theater; the Bauhaus group and other contemporary artists from many fields - Jean Arp, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Darius Milhaud, Leger, Sergei Eisenstein, Man Ray. Film excerpts include the famous GHOSTS BEFORE BREAKFAST (bowler hats flying in early trick photography); INFLATION (a collage-film response to the devastating German inflation of 1921); RHYTHMUS 21 (abstract designs to music, long before Disney's "Fantasia";, "Dreams That Money Can Buy"; "Dadascope" and "8 by 8" (a chess film made with Jean Cocteau).
Long Description_de
GIVE CHANCE A CHANCE ist ein Porträt des Regisseurs und Künstlers Hans Richter. In Interviewpassagen und Filmausschnitten zeigt die Doku Richters wegweisende Arbeiten in abstrakter Animation, visueller Musik, surrealistischen sowie Dadaistischem Film, Agitprop und Underground. Richter gilt bis heute als einer der Wegbereiter des “New American Cinema”. Mit Interviews mit Richter selbst. Richter erzählt in dem Film ausführlich über seine Karriere, die Anfang des 20. Jahrhunderts begann: frühe kinematografische Experimente, die Ursprünge des Dadaismus, Kollaborationen mit den Surrealisten, Konflikte mit den Nationalsozialisten und die Entwicklung seiner Anwendung von künstlerischen Ausdrucksformen wie Malerei, Zeichnung und Collage. Viele Beispiele vMany on Richters filmischen und grafischen Arbeiten illustrieren die wichtigsten roten Fäden in seinem Werk: Opposition gegen die Nazis, der Einfluss v Dada has affected Pop Art and "the new realism" in literature, music,on Dadaismus auf Pop Art auf den „neuen Realismus“ in Kunst und Theater; die Begegnungen mit der Bauhaus Gruppe und anderen Künstler vieler Disziplinen wie Jean Arp, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Darius Milhaud, Leger, Sergei Eisenstein, Man Ray. Mit Filmausschnitten aus: VORMITTAGSSPUK (fliegende Melonenhüte durch Filmtrick), INFLATION (1921), RHYTHMUS 21 (abstract designs to music, long before Disney's "Fantasia"), "Dreams That Money Can Buy", "Dadascope" und "8 by 8" (ein Schachfilm, den Richter mit Jean Cocteau gemacht hat).
Year
1973
Country
USA
France
Length
28
Language_code
en:ove
Director
John Musilli
Screenplay
Stephan Chodorov
Cinematography
Michael Livesey
Editing
Robert Forte
Miscellaneous_en
aka Give Chance a Chance - Un portrait de Hans Richter
Miscellaneous_de
aka Give Chance a Chance - Un portrait de Hans Richter
Image label
Hans Richter: Give Chance a Chance, John Musilli
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Product_creation_date
08/05/2015
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Tony Conrad: DreaMinimalist

Marie Losier, selbst renommierte Experimentalfilmemacherin, setzt ihre Reihe von Porträts von Avantgarde-Persönlichkeiten wie die Kuchar Brüder und Genesis Breyer P-Orridge fort mit…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   127   
SKU
3950
Film title_en
Tony Conrad: DreaMinimalist
Film title_de
Tony Conrad: DreaMinimalist
Original title
Tony Conrad, DreaMinimalist
Long Description_en
An acclaimed experimental filmmaker in her own right, Marie Losier continues her portrait series of avantgarde figures such as the Kuchar Brothers, Richard Foreman, Guy Maddin and Genesis Breyer P-Orridge & Lady Jaye Breyer with TONY CONRAD, DREAMINIMALIST. The pathbreaking minimalist artist-filmmaker-musician reminisces playfully about the 1960s New York underground scene, specifically his encounters with Jack Smith. “In her very first film, [Marie Losier] slipped completely into the role of Joan of Arc, becoming one with her. Today she develops a razor sharp overlapping of the language of those portrayed with her own, which consists of uncompromising empathy and joy in the research. Marie Losier has managed to make the history of the underground alive again for her audience. Drawing on Brion Gysin’s Dream Machine, DREAMINIMALIST portrays an artist that always stages the boundaries of the medium – and they appear most perceptibly in low budget dreams.” (Stefanie Schulte Strathaus)
Long Description_de
Marie Losier, selbst renommierte Experimentalfilmemacherin, setzt ihre Reihe von Porträts von Avantgarde-Persönlichkeiten wie die Kuchar Brüder und Genesis Breyer P-Orridge fort mit TONY CONRAD, DREAMINIMALIST. Der bahnbrechende Minimalist Musiker-Künstler-Filmemacher erinnert sich spielerisch an den New Yorker Underground 60er Jahre, insbesondere seine Begegnungen mit Jack Smith. „In ihrem allerersten Film ist [Marie Losier] vollständig in die Rolle der Jeanne d'Arc geschlüpft, so dass Losier mit der Figur eins wurde. Heute dagegen überlappt ihre Sprache scharfsinnig mit der der Porträtierten; die kompromisslose Empathie und Freude an der Recherche werden dabei spürbar. Marie Losier ist es gelungen, die Geschichte des Undergrounds für ihr Publikum wieder lebendig zu machen. Beeinflusst von Brion Gysins Dream Machine zeigt DREAMINIMALIST einen Künstler, der immer die Grenzen des Mediums inszeniert – und diese sind in Low Budget Träumen am sichtbarsten.” (Stefanie Schulte Strathaus)
Year
2008
Country
USA
France
Length
25
Language_code
en:ove
Featuring
Tony Conrad
Director
Marie Losier
Screenplay
Marie Losier
Cinematography
Marie Losier
Editing
Marie Losier
Music
Tony Conrad
Festivals
Berlinale; CPH:DOX Copenhagen; Buenos Aires Independent Film Festival
Image label
Tony Conrad: DreaMinimalist, Marie Losier
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Product_creation_date
05/08/2015
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Tony Conrad: The Flicker

In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   186   
SKU
3949
Film title_en
Tony Conrad: The Flicker
Film title_de
Tony Conrad: The Flicker
Original title
The Flicker
Long Description_en
In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score that evokes the sound of a projector was composed and performed by Conrad on a self-built electronic musical instrument. “The ultimate to date in the nonobjective film is Tony Conrad's THE FLICKER. It has only black and white frames... and the resulting strobe effect can cause the illusion of colour, of a spreading of light, and of lacy patterns. Seeing THE FLICKER will cause one person in every fifteen thousand to have an epileptic seizure.” (Sheldon Reynon, An Introduction To The American Underground Film) “What?! THE FLICKER on video?!??! Tony says he likes it better...!“ (Re-Voir Blog)
Long Description_de
In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score that evokes the sound of a projector was composed and performed by Conrad on a self-built electronic musical instrument. “The ultimate to date in the nonobjective film is Tony Conrad's THE FLICKER. It has only black and white frames... and the resulting strobe effect can cause the illusion of colour, of a spreading of light, and of lacy patterns. Seeing THE FLICKER will cause one person in every fifteen thousand to have an epileptic seizure.” (Sheldon Reynon, An Introduction To The American Underground Film) “What?! THE FLICKER on video?!??! Tony says he likes it better...!“ (Re-Voir Blog)
Year
1965
Country
USA
Length
30
Primary Language Version
English
Director
Tony Conrad
Cinematography
Tony Conrad
Editing
Tony Conrad
Music
Tony Conrad
Festivals
Whitney Biennial; Harvard Film Archive; Tate Modern; Seattle Art Museum
Image label
Tony Conrad: The Flicker
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Product_creation_date
05/08/2015
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Night Fishing

NIGHT FISHING ist ein halbstündiger Kurzfilm von „Oldboy“-Regisseur Park Chan-wook und der erste Kinofilm, der ausschließlich mit dem iPhone gedreht wurde! Wieder einmal…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   247   
SKU
3935
Film title_en
Night Fishing
Film title_de
Night Fishing
Original title
Paranmanjang
Long Description_en
The first ever theatrical release shot entirely on the iPhone4, NIGHT FISHING is a horror-fantasy short by Korean cinema giant Park Chan-wook and his brother, media artist Park chan-kyong (under the name PARKing CHANce). Featuring K-Pop star Lee Jung-hyun in the female lead, NIGHT FISHING netted the Berlinale Golden Bear for Best Short. “We were interested in making an interesting mixture of modern and traditional images.” (PARKing CHANce) Deep in the woods, cutting through the fog, a man walks carrying a fishing bag. He arrives at the edge of a river. The man leisurely goes about setting up his fishing rods and starts fishing. Hours later, night has fallen on the quiet riverside. The man hasn’t caught much fish and just sits, waiting. Just then, something big is caught on the fishing rod. It’s not something he can put on his dinner plate, but a mysterious young woman in white funeral dress crying in a little girl’s voice, call him “daddy”... (Berlinale)
Long Description_de
NIGHT FISHING ist ein halbstündiger Kurzfilm von „Oldboy“-Regisseur Park Chan-wook und der erste Kinofilm, der ausschließlich mit dem iPhone gedreht wurde! Wieder einmal erweist sich der Südkoreaner als herausragender Erzähler – hier nimmt er den Zuschauer mit auf einen mysteriösen, verstörenden und spirituellen Trip. Hochverdient wurde diese Arbeit auf der Berlinale 2011 mit einem Goldenen Bären für den besten Kurzfilm ausgezeichnet. “We were interested in making an interesting mixture of modern and traditional images.” (PARKing CHANce) Ein Fischer läuft durch einen vernebelten Wald. Er kommt zu einem Fluss und beginnt in aller Ruhe seine Angeln aufzubauen. Viel später, es ist bereits dunkle Nacht: Der Mann hat nicht viel gefangen, da beginnt etwas Großes, Schweres an seiner Angelschnur zu ziehen, und es ist kein Fisch. Park Chan-wook zählt seit einigen Jahren zu den beliebtesten und erfolgreichsten Regisseuren Südkoreas. Durch zahlreiche internationale Filmpreise geadelt, ist PARK vor allem für seine gefühlvolle Erzählweise und seine intensiven und sensationellen Bilder bekannt. Seine Meilensteine sind seine Rache-Trilogie um „Oldboy“ und „I'm a Cyborg but that's OK“. Hinter dem Regie-Alias PARKing CHANce verbergen sich PARK Chan-wook und sein Bruder PARK Chan-kyong. NIGHT FISHING ist die erste Zusammenarbeit mit seinem Bruder, einem Medienkünstler, und der erste Film, der komplett auf dem iPhone gedreht wurde.
Year
2011
Country
South Korea
Length
33
Age Recommendation
FSK 12
Primary Language Version
Korean
Subtitles
German
Featuring
Lee Jung-hyun
Oh Kwang-rok
Lee Yong-nyeo
Director
Park Chan-wook
Park Chan-kyong
Screenplay
Park Chan-wook
Park Chan-kyong
Editing
Park Chan-wook
Park Chan-kyong
Music
Jang Young-kyoo
Awards
Berlinale: Golden Bear Best Short Film
Festivals
Berlinale
Miscellaneous_en
aka Nachtangeln
Miscellaneous_de
aka Nachtangeln
Image label
Night Fishing, Park Chan-wook, Park Chan-kyong
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Product_creation_date
18/09/2015
URL_key
night-fishing
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full_film
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Computer Chess

Mit seinem Sundance-Gewinner COMPUTER CHESS hat Mumblecore-Pionier Andrew Bujalski ein neues Genre erschaffen: die Experimentalfilm-Komödie. Die schwarz-weißen, niedrigauflösenden…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   384   
SKU
3922
Film title_en
Computer Chess
Film title_de
Computer Chess
Original title
Computer Chess
Long Description_en
With his Sundance winner COMPUTER CHESS, Mumblecore doyen Andrew Bujalski has created a new genre - the experimental film comedy. Shooting in lofi black and white video, Bujalski re-creates the world of early 1980s computer game nerddom. “Like early Cronenberg, but funnier and sweeter.” (This Is London) Set over the course of a weekend tournament for chess software programmers thirty-some years ago, COMPUTER CHESS transports viewers to a nostalgic moment when the contest between technology and the human spirit seemed a little more up for grabs. The eccentric geniuses possessed of the vision to teach a metal box to defeat man, literally, at his own game, laid the groundwork for artificial intelligence as we know it and will come to know it in the future. The film's protagonists social skills are inversely proportional to their technical savvy, as the hilarious interpersonal fumbling with an esoteric encounter group staying at the same hotel as the gamers shows.
Long Description_de
Mit seinem Sundance-Gewinner COMPUTER CHESS hat Mumblecore-Pionier Andrew Bujalski ein neues Genre erschaffen: die Experimentalfilm-Komödie. Die schwarz-weißen, niedrigauflösenden Videoaufnahmen fangen perfekt die Gamer-Kultur der frühen 80er Jahre ein. „Nerds außer Rand und Band… ziemlich „nerdy“ und ganz schön komisch.” (Wired) In einem Provinzhotel treffen Schach-Computer-Spezialisten und eine esoterische Selbstverwirklichungsgruppe aufeinander. Während die einen an ihren hochkomplexen und widerspenstigen Maschinen tüfteln, erforschen die anderen die menschliche Seele. Ein Wettstreit zwischen barer Technik und Gefühlen entfacht, begleitet von einer mysteriösen Katzenplage.
Year
2013
Country
USA
Length
91
Age Recommendation
FSK 0
Language_code
en:de
Featuring
Patrick Riester
Wiley Wiggins
Myles Paige
Robin Schwartz
Gerald Peary
Director
Andrew Bujalski
Screenplay
Andrew Bujalski
Cinematography
Matthias Grunsky
Editing
Andrew Bujalski
Awards
Sundance: Alfred P. Sloan Feature Film Prize
Festivals
Berlinale; Sundance; SXSW South by Southwest, Sitges Barcelona, BFI London Film Festival
Image label
Computer Chess, Andrew Bujalski
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Product_creation_date
31/07/2015
URL_key
computer-chess
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The Anna Cabrini Chronicles

Inspiriert von Ereignissen in seinem eigenen Umfeld hat Tawd Dorenfeld sein innovatives Spielfilmdebüt THE ANNA CABRINI CHRONICLES konzipiert. Die Mischung verschiedener Genres und Standpunkte…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   30   
SKU
3890
Film title_en
The Anna Cabrini Chronicles
Film title_de
The Anna Cabrini Chronicles
Original title
The Anna Cabrini Chronicles
Long Description_en
Inspired by personal events, Tawd Dorenfeld's inventive feature debut THE ANNA CABRINI CHRONICLES mixes genres and points of view to explore the impact of suicidal thoughts and deeds on the afflicted and those around them. “Tawd Dorenfeld has done a fine job." (Roger Corman) "If ANNA CABRINI had been made in Hitchcock's days, he would have been inspired!" (REVIEWER magazine) This is the story of Anna Cabrini, a young woman who therapizes her own suicidal tendencies by chronicling the lives of fellow lost souls. Their stories are expressed in an innovative mix of over 5,000 hand drawn animations, documentary and staged scenes. This new cut incorporates lost footage, remastered animations, more dialogue, and a gentle remastering of the sound mix.
Long Description_de
Inspiriert von Ereignissen in seinem eigenen Umfeld hat Tawd Dorenfeld sein innovatives Spielfilmdebüt THE ANNA CABRINI CHRONICLES konzipiert. Die Mischung verschiedener Genres und Standpunkte untersucht die Auswirkung von suizidalen Gedanken und Taten auf denjenigen selbst und seine Familie und Freunde. “Tawd Dorenfeld has done a fine job." (Roger Corman) „Falls ANNA zu Hitchcocks Zeiten herausgekommen wäre, hätte der Film den Meister inspiriert!" (REVIEWER magazine) Der Film erzählt die Geschichte von Anna Cabrini, einer jungen Frau, die ihre eigenen Selbstmordgedanken therapiert, indem sie die Leben anderer verlorenen Seelen aufzeichnet. Ihre Geschichten werden durch eine Mischung aus 5.000 handgezeichneten Animationen, dokumentarischen und Spielszenen vermittelt. Diese neue Schnittfassung zeigt verloren geglaubte Aufnahmen sowie ein Remastering der Animationen und der Tonmischung.
Year
2005
Country
USA
Length
113
Age Recommendation
FSK 16
Language_code
en
Featuring
Andy S. Allen
Maria Bringuez
Michael Childers
Leigh Hope Phillips
Samantha Deane
Sean Hart
Director
Tawd B. Dorenfeld
Screenplay
Tawd B. Dorenfeld
Cinematography
Hank Baumert Jr.
Christopher Blakely
Tawd B. Dorenfeld
Doug Glover
Woody Wise
Editing
Tawd B. Dorenfeld
Music
Trey Spruance
Awards
Silverlake Film Festival: Best Experimental Narrative Feature
Image label
The Anna Cabrini Chronicles, Tawd B. Dorenfeld
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Product_creation_date
02/10/2015
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Rites of Passage

RITES OF PASSAGE ist ein roher, unzensierter Film, inspiriert von den oft schwierigen Lebensumständen von sechs Jugendlichen, die selbst dieses eindringliche Drama mitgestaltet haben. Mit Mut…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   33   
SKU
3880
Film title_en
Rites of Passage
Film title_de
Rites of Passage
Original title
Rites of Passage
Long Description_en
RITES OF PASSAGE is a raw, uncensored film inspired by the life experiences of six young people, themselves involved in the making of this powerful drama. With frankness and courage, the protagonists reveal the innermost thoughts behind their often tough exteriors, responding to challenges such as poverty. The film is an innovative collage shot on cameras ranging from 16mm, Super 8, Digital SLRs, Handycams, Infrared B&W and iPhones. The film's production followed a Dogma 95-style code of aesthetic experimentation and community consciousness. RITES OF PASSAGES was made according to 10 principles: 1. The making of the film should help people living with hardship to build new futures. 2. All key actors must be amateurs and live in the community where the film is shot. 3. There can be no traditional script and there must be more than one story line. 4. The story lines must be developed with the actors, drawing on their life experiences. 5. If an actor fails to turn up, the shoot continues, creating a new direction for the film. 6. The film must be shot in real locations in the community. 7. Key actors and the production team should all operate the filming equipment. 8. Every scene should be shot with different types of cameras and styles. 9. All the credits must be in alphabetical order, with no one credited as writer or creator. 10. The first screening must be held in the community where the film was made.
Long Description_de
RITES OF PASSAGE ist ein roher, unzensierter Film, inspiriert von den oft schwierigen Lebensumständen von sechs Jugendlichen, die selbst dieses eindringliche Drama mitgestaltet haben. Mit Mut und schonungsloser Offenheit sprechen die Protagonisten über die innersten Gefühle hinter ihren oft rauhen Fassaden. Der Film ist eine innovative Collage aus verschiedenen Aufnahmeformaten: 16mm, Super 8, Digital SLR, Handycam, Infrared B&W und iPhone. Die Produktion erfolgte nach einem Dogma 95-ähnlichen Kodex, der ästhetisches Experiment und Gemeinschaftsbewusstsein RITES OF PASSAGES wurde nach diesen 10 Prinzipien gedreht: 1. Der Filmherstellungsprozess soll Menschen in schwierigen Lebensumständen eine neue Perspektive eröffnen. 2. Alle Hauptdarsteller müssen Laien sein und in dem Ort leben, in dem der Film gedreht wurde. 3. Es gibt kein herkömmliches Drehbuch, und es muss mehr als einen Handlungsstrang geben. 4. Die Handlung muss gemeinsam mit den Darstellern entwickelt werden, basierend auf ihren Lebenserfahrungen. 5. Wenn ein Darsteller nicht erscheint, wird trotzdem weitergedreht, so dass der Film in eine neue Richtung geht. 6. Der Film soll an realen Schauplätzen in der Community gedreht werden. 7. Hauptdarsteller und Produktionsteammitglieder sollen alle reihum die Kamera bedienen. 8. Jede Szene soll mit unterschiedlichen Arten von Kameras in unterschiedlichen Stilen gedreht werden. 9. Die Namen werden in den Credits alphabetisch aufgeführt, niemand soll als Autor oder Regisseur genannt werden. 10. Die Uraufführung muss dort stattfinden, wo der Film gedreht wurde.
Year
2013
Country
Australia
Length
80
Language_code
en:en
Featuring
Chaise Barbaric
Skie Carlson
Tiran Dingle
Director
Phillip Crawford
Mary Callaghan
Gemma Parsons
Editing
Phillip Crawford
Music
Phil Okerstrom
Awards
Accolade Competition: Award of Excellence Special Mention; Warsaw International Film Festival: Special Mention Free Spirit Award; Cyprus International Film Festival: Best Editing; Colorado Film Festival: Best First Time Direction; International Film Awards Berlin: Honorable Mention
Festivals
Warsaw International Film Festival; Sao Paolo International Film Festival
Image label
Rites of Passage, Phillip Crawford, Mary Callaghan, Gemma Parsons
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Product_creation_date
09/07/2015
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51 Paintings

Gedreht in drei Ländern über sechs Jahre, 51 PAINTINGS ist ein einzigartiges Filmerlebnis, das Figuren aus deutschen Gemälden des Mittelalters zum Leben erweckt. “Experimental…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   40   
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3837
Film title_en
51 Paintings
Film title_de
51 Paintings
Original title
51 Paintings
Long Description_en
Spanning 6 years and 3 countries, 51 PAINTINGS brings to life an original and extraordinary cinematic experience based on characters in German medieval paintings. “Experimental expression” (FilmInk Magazine) 51 PAINTINGS is the first of 5 experimental art films shot between 2006-2013 in Germany, England and Australia. After visiting the German medieval church of St Michael's in Schwäbisch Hall, Australian director Shaun Wilson recreated 51 characters found in the displayed religious paintings into other places of historical note with actors, friends and other film makers playing out an idea of creating a 'memory' of each painting through video. There are no words spoken, only moving paintings and is meant to be experienced, not understood. This experimental, non-narrative film plays out the notions of slowness as a means of cinematic device by exploring the poetic links between memory, art and time.
Long Description_de
Gedreht in drei Ländern über sechs Jahre, 51 PAINTINGS ist ein einzigartiges Filmerlebnis, das Figuren aus deutschen Gemälden des Mittelalters zum Leben erweckt. “Experimental expression” (FilmInk Magazine) 51 PAINTINGS ist das erste von fünf experimentellen Werken an der Schnittstelle zwischen Film und Kunst. Der Film wurde 2006-2013 in Deutschland, England und Australien gedreht. Ein Besuch der mitteralterlichen Michaelskirche in Schwäbisch Hall inspirierte den australischen Regisseur Shaun Wilson zu diesem Projekt. Er inszenierte 51 Figuren der dort ausgestellten religiösen Gemälde in anderen historisch bedeutenden Orten. Schauspieler, andere Filmemacher und Freunde spielten die Figuren und schufen „Erinnerungsbilder“ der Gemälde durch Video. Es wird kein Wort gesprochen, stattdessen sollen die bewegten Malereien mehr sinnlich erfahren als intellektuell begriffen werden. Dieser nicht-narrative Film setzt Langsamkeit als kinematographisches Mittel ein, um die poetischen Verbindungen zwischen Erinnerung, Kunst und Zeit zu untersuchen.
Year
2013
Country
Australia
Length
71
Language_code
en
Featuring
Scott Knight
Shaun Wilson
Phil Edwards
Andrew Harrison
Martin Koeppl
Ian London
Michelle McNamara
Jenna Ng
Jacqueline Nguyen
Kristine Ostern
Gemma Sylvester
Tung Tuong
Tammy Honey
Carolin Zisch
Zozie Brown
Beth Clarke
Kim Collmer
Amber Connor
Jacqueline Connor
Lily Connor
Domenico De Rosa
Director
Shaun Wilson
Screenplay
Shaun Wilson
Cinematography
Shaun Wilson
Andrew Harrison
Editing
Tammy Honey
Music
Tom Fahey
Zozie Brown
AREMESTAR
Festivals
Director's Lounge Berlin; International Image Festival
Image label
51 Paintings, Shaun Wilson
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4014
Product_creation_date
02/07/2015
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51-paintings
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full_film
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AUN - The Beginning and the End of All Things

AUN – DER ANFANG UND DAS ENDE ALLER DINGE von Edgar Honetschläger ist ein essayistischer Science-Fiction Film aus Österreich von nahezu halluzinatorischer Ausstrahlung. Der Soundtrack…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   149   
SKU
3789
Film title_en
AUN - The Beginning and the End of All Things
Film title_de
AUN - The Beginning and the End of All Things
Original title
AUN - The Beginning and the End of All Things
Long Description_en
AUN – THE BEGINNING AND THE END OF ALL THINGS by Edgar Honetschläger is a hallucinatory hybrid sci fi-essay film set in Japan and Brazil. It tells the story of mankind’s desire to create the future and fear and loathing of the apocalypse. Featuring a score by Riyuchi Sakamoto and Austrian electronic musician Christian Fennesz. Japanese scientist Sekai tragically dies while looking for alternative energy sources. Twenty years later, Brazilian mathematician Euclides continues Sekai's research. The lack of an essential component won't allow a breakthrough. Only AUN, Sekai´s son, seems to hold the key, to protect mankind from self-destruction. AUN´s dream-like images, created by three cinematographers and several CGI designers, complemented by the Fennesz-Sakamoto score, lead into fantastic worlds. According to Honetschläger, this is not an art film, but rather an artwork in the form of a film. AUN – THE BEGINNING AND THE END OF ALL THINGS is a visualization of elements of the philosophy of Claude Lévi-Strauss and Japanese Shinto, rejecting the artificial division between man and nature.
Long Description_de
AUN – DER ANFANG UND DAS ENDE ALLER DINGE von Edgar Honetschläger ist ein essayistischer Science-Fiction Film aus Österreich von nahezu halluzinatorischer Ausstrahlung. Der Soundtrack stammt von Riyuchi Sakamoto („Babel“, „Der letzte Kaiser“) und dem österreichischen Avantgarde-Gitarristen Christian Fennesz. Die Frau des japanischen Erfinders Dr. Sekai stirbt bei der Geburt des gemeinsamen Sohnes AUN. Als kleiner Junge findet AUN am Strand eine eigenartige Meeresschnecke. Im Zuge seiner Studien führt Sekai mit Substanzen dieser Schnecke Experimente am eigenen Körper durch, die ihn letztendlich sein Leben kosten. Zwanzig Jahre später setzt der brasilianische Wissenschaftler Euclides Sekais Experimente fort. Da ihm das entscheidende Puzzlestück für eine lebbare Zukunft fehlt, schickt er seine Frau Nympha auf die Suche nach AUN. Dieser dient mittlerweile als Priester in einem Shinto-Schrein und lockt sie in eine Traumwelt, die niemand jemals freiwillig verlassen würde.
Year
2011
Country
Austria
Japan
Length
93
Primary Language Version
Japanese
Subtitles
Chinese
English
German
Japanese
Featuring
Hiyori Yuki
Rosanne Mulholland
Tenji Kamogawa
Komoto Kyoichi
Kaoru Noguchi
Yukika Kudo
Kazuto Taguchi
Yoshimito Daisuke
Makiko Kawai
Naoko Tomozoe
Mutsumida Hayashi
Eriko Tomioka
Nobuhiro Ishihara
Misa Akechi
Keiko Ejima
Kunihiko Hasegawa
Kondo Yoko
Rika Asakaze
Saito Yosuke
Natsu Maruyama
Eiji Ohki
Sou Mizuki
Chan Hou Chun
William Ferreira
Director
Edgar Honetschläger
Screenplay
Edgar Honetschläger
Reinhard Jud
Cinematography
Hisaki Sanbongi
Hiroyuki Mizuno
Editing
Tomoko Hiruta
Seiji Harimoto
Harald Aue
Sound
Aonuma Nobuyuki
Music
Christian Fennesz
Festivals
International Film Festival Rotterdam; New Horizons Film Festival Wroclaw
Image label
AUN - The Beginning and the End of All Things
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Product_creation_date
02/04/2015
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Valie Export – Invisible Adversaries

UNSICHTBARE GEGNER, der erste Spielfilm der documenta- und Biennale-Künstlerin VALIE EXPORT, integriert Fotografie, Performance und Video in die Geschichte einer Frau, die sich zunehmend von der…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   377   
SKU
3717
Film title_en
Valie Export – Invisible Adversaries
Film title_de
Unsichtbare Gegner
Original title
Unsichtbare Gegner
Long Description_en
Sci-fi drama INVISIBLE ADVERSARIES, the feature debut of documenta and Venice Biennale participing artist VALIE EXPORT, combines photography, performance and video to tell the story of a woman who feels increasingly menaced by personality-altering external forces. An influential work by one of Europe's leading feminist filmmakers, INVISIBLE ADVERSARIES eschews conventional unities of body, space and time and is a haunting excursion into the psychic disintegration of a woman's identity. It loosely covers one year in the life of Anna, a young Viennese photographer increasingly convinced that the Hyksos, a hostile alien force, are invading people's bodies and responsible for the decay and increasing violence around her. VALIE EXPORT skillfully uses montage and integrates video, performance and installation art with elements of Cubism, Surrealism, Dada and avant-garde cinema. UNSICHTBARE GEGNER won the Special Jury Award at the Venice Film Festival and is considered a classic of the feminist artist film. “As if Godard were reincarnated as a woman and decided to make a feminist version of 'The Invasion of the Body Snatchers'.” (Amy Taubin Soho Weekly News) “A winning combination of visual wit and frank, sometimes slapstick, sexuality.” (Jim Hoberman, Village Voice)
Long Description_de
UNSICHTBARE GEGNER, der erste Spielfilm der documenta- und Biennale-Künstlerin VALIE EXPORT, integriert Fotografie, Performance und Video in die Geschichte einer Frau, die sich zunehmend von der Invasion persönlichkeitsverändernder Mächte bedroht fühlt. „UNSICHTBARE GEGNER ist ein psychischer Science Fiction Film (...) Anna, von Beruf Fotografin und Video-Reporterin, erwacht eines Morgens und hört im Radio die Warnung, dass unsichtbare fremde Mächte im Begriff sind, die Erde in Besitz zu nehmen, indem sie die Form von Menschen annehmen und dann deren Bewusstsein verändern. (...) Mehr und mehr haben sich in mir der Gedanke und der Wunsch gefestigt, die sozialen Strukturen (Starkstrom) und Normen (Verstümmelungen) des Lebens, diese unsichtbaren Gegner, den Zwang des Sinns, in eine Metanoia von kinematographischen Bildern zu formen ...“ (VALIE EXPORT) UNSICHTBARE GEGNER gewann bei den Filmfestspielen in Venedig den Spezialpreis der Jury und gilt heute als Klassiker des feministischen Künstlerfilms, der das Wechselspiel mit verschiedenen Medien und die Kritik an einer ominösen Kontrollgesellschaft, wie in vielen Werken der Postmoderne in den 80er Jahre, vorwegnahm. "As if Godard were reincarnated as a woman and decided to make a feminist version of 'The Invasion of the Body Snatchers'. " (Amy Taubin, Soho Weekly News)
Year
1976
Country
Austria
Length
104
Age Recommendation
FSK 16
Language_code
de:ove,en
Featuring
Susanne Widl
Peter Weibel
Josef Plavec
Monika Helfer-Friedrich
Helke Sander
Dominik Dusek
Herbert Schmid
Eduard Neversal
Director
Valie Export
Peter Weibel
Screenplay
Peter Weibel
Valie Export
Cinematography
Wolfgang Simon
Editing
Herbert Baumgartner
Valie Export
Juno Sylva Englander
Sound
Klaus Hundspichler
Hans Hartl
Rainer Kalchauser
Mel Kutbay
Awards
Venice: Special Jury Award; Österreichischer Staatspreis für Film (nominated, award vetoed by the then Minister of Culture)
Festivals
Berlinale; Venice IFF
Image label
Valie Export, Unsichtbare Gegner, Invisible Adversaries
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Product_creation_date
16/03/2015
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full_film
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Valie Export – 3 Experimental Short Films

VALIE EXPORT ist eine der herausragenden Künstlerinnen Österreichs und eine der einflussreichsten Frauen der internationalen Avantgarde. Dieses Programm präsentiert drei experimentelle…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   182   
SKU
3718
Film title_en
Valie Export – 3 Experimental Short Films
Film title_de
Valie Export – 3 Experimental Short Films
Original title
Valie Export– 3 Experimental Short Films
Long Description_en
Austrian feminist avantgarde filmmaker and artist VALIE EXPORT is one of the most influential and provocative figures on the international art scene. This program presents three experimental works from 1970 to 1984 that deal with female body images, sexuality and gender. “MAN & WOMAN & ANIMAL (1970) shows a woman finding pleasure in herself, the whole film an assertion and affirmation of female sexuality and its independence from male values and pleasures. Thinking about my “quite erotic” tag of that film I realize as a viewer I am experiencing a sexuality like that of childhood – one motivated by curiosity, a prosaic pleasure in looking, but free from fantasy. It is quite unlike the experience of ordinary pornography which is invested with the erotic almost exclusively through its symbolization of power.” (Joanna Kiernan) ...REMOTE...REMOTE (1973) shows VALIE EXPORT grooming herself in a way that harmlessly goes beyond the familiar sight of a woman “harmlessly” doing herself up. Instead, EXPORT explores the boundaries to self-mutilation behind the facade of normalcy. To this day, the film evokes defensive reactions among (female) viewers. SYNTAGMA (1984) breaks away from any notion of unity -body, space or time – into a fragmented world of doubling and difference that is caught in representation. The “body” and its metaphors – mattresses, book-texts, printed photographic paper, tv monitors etc. - are al shown in the film as “speaking”; however, “body speech” does not issue from a place of cohesion, but as a selected movement, like circuitry within a system. EXPORT seems critical of the opposition of the metaphysics of the body and the body of the 21st century which is functionally equivalent of a machine that produces meaning.” (Valerie Manentil)
Long Description_de
VALIE EXPORT ist eine der herausragenden Künstlerinnen Österreichs und eine der einflussreichsten Frauen der internationalen Avantgarde. Dieses Programm präsentiert drei experimentelle Filme von 1970 bis 1984 weibliche Körperbilder, Sexualität und Gender. “MANN & FRAU & ANIMAL (1970): Statt der Heiligen Dreifaltigkeit: Vater Sohn Heiliger Geist, statt der profanen Dreifaltigkeit: Mutter Familie Staat, statt der sozialen Dreifaltigkeit: Vater Mutter Kind, behandelt der Film die wirkliche Trilogie in drei Abschnitten. Was den Mann und die Frau vereint (sicherlich nicht ausschließlich, was aber verheimlicht wird), das ist die Geschichte der Natur. Was mir bei diesem Film wichtig war, ist das Nebeneinander von Orgasmus - Menstruation - Sperma. Daß man als Frau einerseits Sperma aufnimmt, aufnehmen muss und andererseits menstruiert, eben um fruchtbar zu sein. Ich wollte es loslösen voneinander. (VALIE EXPORT) ...REMOTE...REMOTE (1973): Sprache des Schmerzes. Was Kinderaugen sehen und leiden, was der Zuschauer, die Zuschauerin sieht an Leiden, dieser Weg vom Sehen zum Sprechen ist die Brücke für die Sprache des Schmerzes" (= die Aktion) (VALIE EXPORT) SYNTAGMA (1984): VALIE EXPORT bearbeitet in ihrem Film in knapp siebzehn Minuten (konträre) Frauenbilder. Schwarz bestrümpfte Beine in Pumps überlagern sich mit nackten Frauenfüßen, Abbildungen ergänzen sich mit Darstellungen, Spiegelungen werden zur Klärung von Befindlichkeiten herangezogen. Die Privatheit isolierten Seins findet sich in der Übertragung des Fernsehapparates bloßgestellt und der kontrollierende Blick der Öffentlichkeit steht gegen die Intimität der Selbstbeobachtung. „SYNTAGMA ist wie ein starrer Blick, den jemand mit sich selber wechselt, als ob er / sie zwei Menschen wäre.” (VALIE EXPORT)
Year
1970-1984
Country
Austria
Length
35
Age Recommendation
FSK 18
Language_code
de:ove
Featuring
Valie Export
Irmilin Hofer
Director
Valie Export
Screenplay
Valie Export
Cinematography
Peter Weibel
Didi
Fritz Köberl
Sound
Hermann Hendrich
Music
Hans Hartel ("Syntagma")
Festivals
(selection) Rotterdam - Int. Filmfestival; Wroclaw - WRO-International Media Art Biennale; Oberhausen - Int. Kurzfilmtage; Tampere Film Festival; Jihlava Documentary Film Festival
Image label
Valie Export – 3 Experimental Short Films
Related_film_SKUs
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3717
Product_creation_date
16/03/2015
URL_key
valie-export-3-experimental-short-films
URL_path
valie-export-3-experimental-short-films.html
full_film
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