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Alexandra Brodskis Abschlussfilm von der internationalen Filmschule Köln erzählt in Form eines Fakedokumentarfilms von Jaspers Suche nach Wahrhaftigkeit, die von da an zum Scheitern…
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5193 Film title_en
We Are Me Film title_de
Wir sind ich Original title
Wir sind ich Long Description_en
In this "faction" style drama/fake documentary, Alexandra Brodski from the Cologne International Film School tells the story of Jasper (24), who makes a documentary about the identical twins Jana and Nina (29). While trying to penetrate the depths of their symbiotic relationship, he realizes that twins may not be inseparable after all...
When Nina falls in love with Jasper, Jana fears losing the perfidious game that has started between the filmmaker and his subjects.
"Alexandra Brodski dared to do something unusual stylistically with WE ARE ME by telling fictional stories in the form of the documentary in the "faction" style. (choices.de) Long Description_de
Alexandra Brodskis Abschlussfilm von der internationalen Filmschule Köln erzählt in Form eines Fakedokumentarfilms von Jaspers Suche nach Wahrhaftigkeit, die von da an zum Scheitern verurteilt ist, als er vom Beobachter zum Beteiligten wird. Als Nina sich in Jasper verliebt und Jana plötzlich fürchten muss sie zu verlieren, beginnt ein perfides Spiel zwischen dem Filmemacher und seinen Protagonistinnen.
Die Schwestern, die sich bisher alles geteilt haben, spüren im Laufe der Dreharbeiten, dass eine Entscheidung für sich selbst auch eine Entscheidung gegen die andere bedeuten kann. Viel zu spät bemerkt Jasper, dass er sie alle in den Abgrund gerissen hat…
„Stilistisch wagte Alexandra Brodski mit WIR SIND ICH Ungewöhnliches, indem sie im „Faction“-Stil Fiktionales in Form des Dokumentarischen erzählte.“ (choices.de) Year
2012 Country
Germany Length
19 Primary Language Version
German Subtitles
English Featuring
Sarah Masshori; Nilou Masshori; Wolfram Schorlemmer; Thomas Goritzki; Regina Winter; Nils Bergmann; Robert Nolte; Mirella Oushan; Milen Oushan Director
Alexandra Brodski Screenplay
Alexandra Brodski Cinematography
Michael von Loeper Editing
Jan Pusch Sound
Jan Pusch Music
Daniel Richard O'Sullivan; Allan Windham Davis Production
Alexandra Brodski; IFS Internationale Filmschule Köln full_film
0_edd8rd9i
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Aaron Brookner erforscht in seinem preisgekrönten Dokumentarfilm UNCLE HOWARD das Leben seines Onkels und Kultregisseurs Howard Brookner, der für seine Filme „Burroughs: the…
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5182 Film title_en
Uncle Howard Film title_de
Uncle Howard Original title
Uncle Howard Long Description_en
In his award-winning documentary UNCLE HOWARD filmmaker Aaron Brookner explores the life of his uncle and cult director Howard Brookner. Howard Brookner was part of his era’s Manhattan art scenes and was drawn into the orbit of Burroughs and other like-minded artists gibing us archival glimpses here of Patti Smith, Allen Ginsburg, Andy Warhol, Laurie Anderson, John Cage, Madanna and many more.
Howard Brookner, known for the films "Burroughs: the Movie", "Robert Wilson and the Civil Wars" and "Bloodhounds of Broadway", was an aspiring star of the independent film scene who died of AIDS in 1989 at the age of 34. In William S. Burroughs apartment, called the "Bunker", 300 film cans were stored. Aaron Brookner combed through this treasure trove of footage and compiled for his documentary an unprecedented image of his uncle. Aaron Brookner also interviews colleagues Jim Jarmusch, Tom DiCillo, Sara Driver, Hisami Kuroiwa, Brad Gooch and Robert Wilson.
"An excellent documentary." (NY Times) Long Description_de
Aaron Brookner erforscht in seinem preisgekrönten Dokumentarfilm UNCLE HOWARD das Leben seines Onkels und Kultregisseurs Howard Brookner, der für seine Filme „Burroughs: the Movie“, „Robert Wilson and the Civil Wars“ und „Bloodhounds of Broadway“ bekannt war. Dafür interviewte er dessen Weggefährten, wie Jim Jarmusch, Tom DiCillo, Sara Driver, Hisami Kuroiwa, Brad Gooch und Robert Wilson.
Howard Brookner war ein aufstrebender Star der Independent-Filmszene, der 1989 im Alter von 34 Jahren an AIDS starb. In William S. Burroughs „Bunker“ genannten Wohnung lagern 300 Filmdosen, die Aaron Brookner für seine Doku gesichtet hat und zu einem nie dagewesenen Bild seines Onkels zusammensetzte.
„Eine Hommage, die durch ihre ruhige, nachdenkliche Art umso mehr berührt.“ (hollywoodreporter.com) Year
2016 Country
USA; United Kingdom Length
96 Primary Language Version
English Subtitles
English Featuring
Howard Brookner; Aaron Brookner; Jim Jarmusch; Madonna; William S. Burroughs; Robert Wilson; Sara Driver; Brad Gooch; Tom DiCilo; Darryl Pinckney Director
Aaron Brookner Screenplay
Aaron Brookner Cinematography
Gregg de Domenico; André Döbert Editing
Masahiro Hirakubo Sound
Vanesa Lorena Tate Music
Jozef van Wissem Awards
Berlinale - Nominated for Best Documentary Film; British Independent Film Awards - Best Documentary; Cleveland International Film Festival - Nominated for Best Documentary; San Sebastián International Film Festival - Nominated for Zabaltegi-Tabakalera Award; Sundance Film Festival - Nominated for Grand Jury Prize Festivals
Berlinale; Sundance; New York Film Festival; San Francisco Film Festival; San Sebastian; Frameline; Cleveland International Film Festival; Buenos Aires International Festival of Independent Cinema; Minneapolis-St. Paul International Film Festival; Seattle International Film Festival; Biografilm Festival; Provincetown International Film Festival; Jerusalem Film Festival; Donostia-San Sebastián International Film Festival; Warsaw Film Festival; LesGaiCineMad; Göteborg Film Festival; Barcelona Film Festival Production
Alex Garcia; Paula Vaccaro; Sara Driver; Jim Jarmusch; Pinball London Image label
Howard brookner, NY filmmaker golden age, william Burroughs, gay portrait full_film
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Im Kollektivfilm DAZU DEN SATAN ZWINGEN, von Studierenden der Hochschule für bildende Künste Hamburg, klagt Dietrich Kuhlbrodt, Ex-Staatsanwalt, Filmkritiker und Mitglied des…
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5154 Film title_en
Compelling Satan Film title_de
Dazu den Satan zwingen Original title
Dazu den Satan zwingen Long Description_en
The collaborative film COMPELLING SATAN, by students at the Hochschule für bildende Künste Hamburg (University of Fine Arts), is an activist portrait of the former public prosecutor, film critic and actor Dietrich Kuhlbrodt, who sues the NDR broadcasting station.
In documentary and fictional scenes, it follows his trial against a system demanding compulsory conformity and unimaginativeness. Sociopolitical, aesthetical and personal perspectives are clearly defined, developed narratively and confronted with one another. Numerous film professionals have their say. They radically oppose the practical constraints and routines of German cinema and television production, which would like to force all forms of experimental moving image culture into a niche existence. A film that parallels an incendiary leaflet! Long Description_de
Im Kollektivfilm DAZU DEN SATAN ZWINGEN, von Studierenden der Hochschule für bildende Künste Hamburg, klagt Dietrich Kuhlbrodt, Ex-Staatsanwalt, Filmkritiker und Mitglied des Künstlerkollektivs ‚HGich.T‘, gegen den NDR. In dokumentarischen wie fiktionalen Szenarien wird sein Prozess gegen ein System des Formatierungszwangs und der Phantasielosigkeit begleitet.
Das Drehbuch und der Film sind im Rahmen eines mehrsemestrigen Werkstattprojektes des Filmbereichs der HfbK entstanden. Im Laufe des Films lernen wir nicht nur die facettenreiche Biografie Kuhlbrodts kennen, sondern auch die vielseitigen Strategien und großen Mühen, die Gegner wie Befürworter einer innovativen Bewegtbildkultur auf sich nehmen, um das System und sich selbst zu erhalten, oder es zu verändern. Year
2017 Country
Germany Length
105 Primary Language Version
German Featuring
Dietrich Kuhlbrodt; Sarah Drath; Paul Thalacker; Robert Bramkamp; Ingrid Jäger; Tabita Johannes; Ken-David Baehr Director
Arina Alexandrowa; Maksim Artemev; Robert Bramkamp; Ruben Christiansen; Sarah Drath; Elena Friedrich; Pachet Fulmen; David Huss; Melina Kamou; Hana Kim; Thomas Köhling; Serafima Orlova; Ben Paetzold; Paul Thalacker; Lukas Vögler; Maria Vogt Cinematography
Oliver Bassemir; Ruben Christiansen; Leon Daniel; Sarah Drath; Elena Friedrich; Marvin Hesse; David Huss; Melina Kamou; Hana Kim; Agnese Kušnere; Ben Paetzold; Rasmus Rienecker; Stefan Stoev; Paul Thalacker; Heiko Volkmer Editing
Oliver Bassemir; Robert Bramkamp; Marlene Denningmann; Sarah Drath; Elena Friedrich; David Huss; Hana Kim; Arne Körner; Rasmus Rienecker; Paul Thalacker; Sandra Trostel; Maria Vogt Sound
Maksim Artemev; Sarah Drath; David Huss Music
David Huss; Heinrich Kupfner Festivals
Akademie der Künste in Berlin; Filmfest Hamburg; Lichter Filmfest Frankfurt International Production
Hochschule für bildende Künste Hamburg (HfbK); Robert Bramkamp; David Reiber Otálora; Jasmine Fan; Alexander Supronov full_film
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REYKJAVIK ist eine lakonische Komödie und ein Abgesang auf den Film-Nerd in jedem von uns. Islands vielleicht letzter filmbegeisterter Intellektueller Hringur besitzt eine Videothek für…
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5130 Film title_en
Reykjavik Film title_de
Reykjavik Original title
Reykjavik Long Description_en
Pithy comedy REYKJAVIK is a nod to the film nerd in all of us. Film intellectual Hringur is the owner of a video store for art film and is about to encounter a crisis in his relationship with Elsa. The spark is gone. She wants a "normal" man to wants to start a family, while Hringur's main interest is quoting dialogue from film classics.
Director Ásgrímur Sverrisson is an Icelandic film legend. He teaches film history at the Film Academy in Reykjavik, is the founder of the Icelandic Film and Television Prize and the film magazine Land & synir. For the leading roles, Sverrisson scored the most famous actors in Iceland, Nanna Kristín Magnúsdóttir as Elsa and Atli Rafn Sigurðsson as Hringur.
"REYKJAVIK, is breathtakingly staged in the city of the same name. Spectators of all ages readily identify with the kind of relationship problems we know all too well." (scandinavianfilmfestival.com) Long Description_de
REYKJAVIK ist eine lakonische Komödie und ein Abgesang auf den Film-Nerd in jedem von uns. Islands vielleicht letzter filmbegeisterter Intellektueller Hringur besitzt eine Videothek für Spezialfilme und führt eine unglückliche Beziehung mit Elsa. Die Luft ist raus. Sie will einen “normalen” Mann haben, mit dem sie ein Kind erziehen kann, er dagegen möchte nur aus Filmklassikern zitieren.
Regisseur Ásgrímur Sverrisson ist eine isländische Filmlegende. Er unterrichtet Filmgeschichte an der Filmhochschule in Reykjavik, ist der Gründer des isländischen Film- und Fernsehpreises sowie des Filmmagazins Land & synir. Für die Hauptrollen konnte Sverrisson zwei der bekanntesten isländischen Schauspieler, Nanna Kristín Magnúsdóttir als Elsa und Atli Rafn Sigurðsson als Hringur gewinnen.
„REYKJAVIK wurde in der gleichnamigen Stadt atemberaubend in Szene gesetzt. Zuschauer aller Altersgruppen können sich in den allgemein bekannten Beziehungsproblemen wiedererkennen.“ (scandinavianfilmfestival.com) Year
2016 Country
Iceland Length
92 Primary Language Version
Icelandic Subtitles
German Featuring
Atli Rafn Sigurdarson; Nanna Kristín Magnúsdóttir; Gudmundur Ingi Thorvaldsson; Gríma Kristjánsdóttir; Margrét Friðriksdóttir; Hjortur Johann Jonsson; Björn Thors; Vala Kristin Eiriksdottir; Stefán Hallur Stefánsson Director
Ásgrímur Sverrisson Screenplay
Ásgrímur Sverrisson Cinematography
Néstor Calvo Editing
Ragnar Vald Ragnarsson Sound
Agnar Fridbertsson Music
Sunna Gunnlaugs Awards
Mannheim-Heidelberg International Filmfestival - Nominated for Grand Newcomer Award Festivals
Internationales Filmfestival Mannheim-Heidelberg; Nordiale Wien; Scandinavian Film Festival Brisbane Production
Daníel Gylfason; Bobblehead Productions; Icelandic Filmcompany; The Neutrinos Productions full_film
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Der Dokumentarfilm BOLLYWOOD: THE GREATEST LOVE STORY EVER TOLD von Rakeysh Omprakash Mehra (Rang De Basanti) und Jeff Zimbalist (The Two Escobars) ist eine bunte und mitreißende Collage der…
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5124 Film title_en
Bollywood - The Greatest Love Story Ever Told Film title_de
Bollywood - Die größte Liebesgeschichte aller Zeiten Original title
Bollywood - The Greatest Love Story Ever Told Long Description_en
A documentary, BOLLYWOOD: THE GREATEST LOVE STORY EVER TOLD by Rakeysh Omprakash Mehra (Rang De Basanti) and Jeff Zimbalist (The Two Escobars) is a colorful and engaging collage of the most famous films from the Indian subcontinent, with comments from superstars Amitabh Bachchan, Aishwarya Rai, choreographer Saroj Khan and heartthrob Dev Anand.
BOLLYWOOD: THE GREATEST LOVE STORY EVER is a true labour of love. "Directors Mehra (Rang de Basanti) and Zimbalist (The Two Escobars) alongside producers Shekhar Kapur and Ronnie Screwvala have assembled a musical tribute which integrates Bollywood with the life of India since Independence; it’s an impressionistic look at the country’s love affair with its industry which is beautifully scored and cut but best appreciated as an artistic essay." (screendaily.com) Long Description_de
Der Dokumentarfilm BOLLYWOOD: THE GREATEST LOVE STORY EVER TOLD von Rakeysh Omprakash Mehra (Rang De Basanti) und Jeff Zimbalist (The Two Escobars) ist eine bunte und mitreißende Collage der größten Filmwerke vom indischen Subkontinent. Kommentiert von den Superstars Amitabh Bachchan, Aishwarya Rai, Choreograph Saroj Khan und dem einstigen Frauenschwarm Dev Anand.
Können 2 Milliarden Menschen irren? Doch was ist das Besondere an den oft mehrstündigen, hochemotionalen Filmen und seinen vergötterten Stars? Die Antwort findet sich in dieser temporeichen Hommage: 80 Minuten voller Tanz, Gesang, Insiderwissen und jeder Menge Gefühl.
„BOLLYWOOD: THE GREATEST LOVE STORY EVER TOLD ist ein monumentales Stück Schnitt- und Tonarbeit, in dem viel Liebe steckt. Die Regisseure Mehra und Zimbalist haben zusammen mit den Produzenten Shekhar Kapur und Ronnie Screwvala eine musikalische Hommage zusammengestellt, die Bollywood mit dem Leben Indiens seit der Unabhängigkeit verbindet; es ist ein impressionistischer Blick auf die Liebesaffäre des Landes mit seiner Industrie, die wunderschön gezeichnet und geschnitten ist.“ (screendaily.com) Year
2011 Country
India Length
81 Age Recommendation
FSK 12 Primary Language Version
English Subtitles
German Featuring
Javed Akhtar; Dev Anand; Amitabh Bachchan; Madhuri Dixit; Gulzar; Katrina Kaif; Anil Kapoor; Shammi Kapoor; Shekhar Kapur; Saroj Khan; Rakeysh Omprakash Mehra; Aishwarya Rai Bachchan Director
Rakeysh Omprakash Mehra; Jeff Zimbalist Cinematography
Tapan Basu; Ashok Mehta Editing
Nishant Radhakrishnan; Jeff Zimbalist Sound
Sarit Chatterjee; Anish John; Nikhil Mulay; K.J. Singh Festivals
Cannes Official Selection; Helsinki International Film Festival; Grand Lyon Film Festival; Tokyo International Film Festival; Hamburg Film Festival Production
Madhav Roy Kapur; Shekhar Kapur; Neha Kaul; Ronnie Screwvala; Trishya Screwvala Image label
bollywood history of Indian bollywood film full_film
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Lorenza Mazzettis außergewöhnliche Lebensgeschichte ist die Geschichte des zwanzigsten Jahrhunderts. Die Adoptivtochter der Familie Einstein entschied sich in den 1950er Jahren, nach…
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5100 Film title_en
Because I Am a Genius! Lorenza Mazzetti Film title_de
Because I Am a Genius! Lorenza Mazzetti Original title
Perché sono un genio! Lorenza Mazzetti Long Description_en
Lorenza Mazzetti's extraordinary life story touches many points in twentieth century history. The adopted daughter of the Einstein family emigrated to London in the 1950s and applied to the Slade School of Fine Art with the reason "Because I'm a genius!" Mazzetti is also one of the most important representatives of the Free Cinema movement.
The documentary BECAUSE I AM A GENIUS, which premiered at the Venice Biennale, also features Mazzetti's companions Bernardo Bertolucci, Malcolm McDowell and David Grieco. BECAUSE I AM A GENIUS tells the story of an eventful life with scenes from her film "K", filmed with a stolen camera, and "Together". Long Description_de
Lorenza Mazzettis außergewöhnliche Lebensgeschichte ist die Geschichte des zwanzigsten Jahrhunderts. Die Adoptivtochter der Familie Einstein entschied sich in den 1950er Jahren, nach London zu emigrieren und sich an der Slade School of Fine Art mit der Begründung "Weil ich ein Genie bin!" zu bewerben. Sie zählt zu den wichtigen Vertretern der Free Cinema-Bewegung.
In Steve della Casas und Francesco Frisaris Dokumentarfilm BECAUSE I AM A GENIUS, der bei der Biennale Venedig Premiere feierte, kommen auch ihre Weggefährten Bernardo Bertolucci, Malcolm McDowell und David Grieco zu Wort. An den Schauplätzen ihres Werdegangs und unterlegt mit Szenen aus ihren Filmen "K", der mit einer gestohlenen Kamera gedreht wurde, und "Together" erzählt BECAUSE I AM A GENIUS die Geschichte eines bewegten Lebens. Year
2016 Country
Italy Length
62 Primary Language Version
Italian Secondary Language Version
English Subtitles
English Featuring
Bernardo Bertolucci; David Griesco; Lorenza Mazzetti; Paola Mazzetti; Malcolm McDowell; Dante Morganti Director
Steve della Casa; Francesco Frisari Screenplay
Francesco Frisari; Emanuela del Monaco Cinematography
Martina Cocco Editing
Alice Roffinengo Sound
Paolo Testa; Federico Tummolo Music
Mattia Carratello; Stefano Ratchev Awards
Geneva Film Festival 2016 – Critics’ Award, Daunbailò Award, Special Mention of the Jury Festivals
Venice International Film Festival; Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente Production
Carolina Levi; Francesca Padula; Giulia Campagna; Tangram Film Image label
Becuase I am a genius, Lorenza Mazzetti, artist full_film
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Vor den heißen Lichtern eines Porno-Sets und hinter den verschlossenen Türen eines Burlesque-Tanzstudios lassen vier junge Männer die Kindheit hinter sich und verlieren am Ende mehr…
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5083 Film title_en
Daddy's Boy Film title_de
Daddy's Boy Original title
Daddy's Boy Long Description_en
In front of the hot lights of a porn set and behind the locked doors of a burlesque studio, four young men leave their childhood behind and end up losing more than just their clothes and inhibitions. Daniel Armando black-and-white neo-noir drama DADDY' S BOY explores the complexity of male identity and sexuality through four characters.
The four men are at the crossroads between youth and adulthood. What moved them to let themselves be turned into lust objects and to seek their fortune in the porn industry? What role does the relationship with their fathers play in their development? And what are they willing to do to survive in the bustling city.
"Daniel Armando's gay-for-pay drama DADDY’S BOY is an ode to the French New Wave: Titling your film DADDY’S BOY takes some balls. Thankfully, director Daniel Armando is interested in thinking through that type of macho masculinity. That he approaches this issue within a black-and-white film that pays homage to Jean-Luc Godard’s Breathless and features scenes in gay porn studios and male burlesque photo shoots makes his latest feature film all the more intriguing. Described as a “Latino French New Wave” film, Armando’s camera follows “four young men leaving boyhood behind and shedding more than just their clothes and inhibitions,” a vague synopsis that nevertheless tells you all you need to know to experience it." (remezcla.com) Long Description_de
Vor den heißen Lichtern eines Porno-Sets und hinter den verschlossenen Türen eines Burlesque-Tanzstudios lassen vier junge Männer die Kindheit hinter sich und verlieren am Ende mehr als nur ihre Kleidung und Hemmungen. Daniel Armandos schwarz-weißes neo-noir-Drama DADDY'S BOY erkundet durch seine vier Charaktere die Komplexität der männlichen Identität und Sexualität.
Die vier Männer stehen am Scheideweg zwischen Jugend und Erwachsensein. Was hat sie dazu bewegt, sich zu Lustobjekten machen zu lassen und ihr Glück in der Pornoindustrie zu suchen? Welche Rolle spielt das Verhältnis zu ihren Vätern bei ihrem Werdegang? Und was sind sie bereit zu tun, um in der pulsierenden Großstadt zu (über)leben?
Die Entscheidung, "den Film Daddy's Boy zu nennen, erfordert Mut. Glücklicherweise ist Regisseur Daniel Armando daran interessiert, diese Art von Macho-Männlichkeit in seinem „Latino French New Wave“-Film zu hinterfragen. Dass er sich diesem Thema in einem Schwarzweißfilm annähert, der Jean-Luc Godards Außer Atem huldigt, macht seinen neuesten Spielfilm umso faszinierender." (remezcla.com) Year
2016 Country
USA Length
78 Age Recommendation
16 Primary Language Version
English Subtitles
English Featuring
Alex Miro; James Koroni; Joe Lopez; Jonathan Iglesias; Andres De Vengoechea; Tico Flores; Antoni Porowski; Alex J. Moreno Director
Daniel Armando Screenplay
Daniel Armando Cinematography
Ryan Andrew Balas Editing
Ryan Andrew Balas Sound
Sean Balas Awards
Leo Awards - Nominated for Best Supporting Performance by a Male in a Motion Picture Festivals
Cinequest Film Festival – Official Selection;New Orleans Film Festival – Official Selection;
Chicago Reeling Film Festival – Official Selection; ;Outfest Los Angeles Film Festival – Official Selection;
Frameline 40: the San Francisco International LGBT Film Festival – Official Selection; NewFest LGBT Film Festival – Official Selection; Miami Gay & Lesbian Film Festival – Official Selection; North Carolina LGBT Film Festival – Official Selection; Production
Daniel Armando; Dane Harrington Joseph; Adrienne Lovette; Novo Novus Productions full_film
0_xmspvbjm
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Der Dokumentarfilm BELLARIA – SO LANGE WIR LEBEN! von Douglas Wolfsperger nimmt die Zuschauer_innen mit auf eine Reise ins Kino der Vergangenheit. BELLARIA – SO LANGE WIR LEBEN! wurde mit…
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4971 Film title_en
Bellaria – As Long As We Live! Film title_de
Bellaria – So lange wir leben! Original title
Bellaria – So lange wir leben! Long Description_en
The Bellaria is a small Viennese art house cinema where time seems to stand still. Here, old time movies are on the bill, not blockbusters. The audience are old timers too and the meet here every afternoon at four in the afternoon. BELLARIA – AS LONG AS WE LIVE! won numerous awards and played at festivals around the world.
There's the lady who is actually quite happy to be a widow and who saves from her food budget to buy her movie ticket. There's the gentleman who, alongside his mother, worships Zarah Leander above all others. And then there's the cinema projectionist who sits among his film reels and philosophizes about sex and the absence of it. They are all united by their love for the movies from their youth, which in retrospect seems so rosy. Long Description_de
Der Dokumentarfilm BELLARIA – SO LANGE WIR LEBEN! von Douglas Wolfsperger nimmt die Zuschauer_innen mit auf eine Reise ins Kino der Vergangenheit. BELLARIA – SO LANGE WIR LEBEN! wurde mit dem Bayrischen Filmpreis und dem Ernst-Lubitsch-Preis prämiert.
„Die Dokumentation ist eine filmische Entdeckungsreise zu diesem Ort mit morbidem Charme und spürt den bunten Lebensgeschichten seiner mitunter skurrilen Stammbesucher nach. So enthüllt sich Stück für Stück die wahre Sehnsucht jener Menschen: Das Rad der Zeit für ein paar Momente anzuhalten, die Erinnerung an eine verlorengegangene Jugend zu bewahren und Gevatter Tod so noch ein letztes Schnippchen zu schlagen - mit viel Herz und natürlich Wiener Schmäh!“ (dok.at)
Ein kleines Wiener Programmkino, in dem die Welt stehengeblieben zu sein scheint. Im Bellaria in der Museumsstraße werden keine Blockbuster gezeigt, sondern Filme „von früher“. Und „von früher“ ist auch das Publikum, das sich jeden Nachmittag um 16 Uhr dort trifft, um dem Alltag zu entfliehen. Da ist die Dame, die sich die Kinokarte buchstäblich vom Munde abspart und ganz froh ist, endlich verwitwet zu sein. Da ist der Herr, der neben seiner Mutter nur Zarah Leander verehrt, während der Kinovorführer zwischen seinen Filmrollen sitzt und über Sex und die Abwesenheit desselben philosophiert. Sie alle eint die Liebe zu den Filmen aus ihrer Jugend, die im Nachhinein so rosig erscheint. Year
2001 Country
Deutschland, Österreich Length
100 Age Recommendation
FSK 0 Primary Language Version
German Featuring
Karl Schönbock; Baroness Lips Lipstrill; Heinrich Mosch; Ernst Weizmann; Vera Benda Director
Douglas Wolfsperger Screenplay
Douglas Wolfsperger Cinematography
Helmut Wimmer Editing
Götz Schuberth; Clara Fabry Sound
Joe Knauer Music
Hans Jürgen Buchner; Haindling Awards
Bayerischer Filmpreis; Ernst-Lubitsch-Preis; Best Documentary Chicago International Film Festival; WorldMediaFestival Hamburg - Intermedia-Globe GOLD; International Grand Prix For Documentary Monte Carlo Festivals
Diagonale Festival of Austrian Film Graz; Chicago International Filmfestival; IDFA: International Documentary Film Festival Amsterdam; Karlovy Vary International Filmfestival; Max Ophüls Preis; Berlinale; Internationales Filmfest Braunschweig Production
Douglas Wolfsperger Filmproduktion; epo film Wien full_film
0_6r9floxm
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"Selten war deutsches Kino in den vergangenen Jahren so innovativ, emotional, bunt und gleichzeitig bedrückend wie in Christian Moris Müllers neuem Film LICHTGESTALTEN, der auf dem…
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4907 Film title_en
Icons of Light Film title_de
Lichtgestalten Original title
Lichtgestalten Long Description_en
"Rarely has German cinema of the past few years been as innovative, emotional, colorful and brutal as Christian Morismüller's new film, ICONS OF LIGHT, which premiered at the Filmfestival Max-Ophüls-Preis." (Max Fischer / We are Movies)
Katharina (Theresa Scholze) and Steffen (Max Riemelt) seem like the quintessential successful Berlin couple – they have well-paying jobs, a loving relationship and a spectacular apartment. One night, fed up with the predictability of their lives, they decide on a radical change: They’re going to extinguish all traces of their existence and start over.
They set up a camera to film the process, hoping others will follow their lead. They begin to destroy their belongings, empty their bank accounts and erase the digital remnants of their lives. Even from their best friends, the couple Robert and Paul, they intend to hide their plan to disappear forever. As everything around them breaks into pieces, their film takes a turn of its own – and their secretive revolution becomes a fight for their love. Long Description_de
"Selten war deutsches Kino in den vergangenen Jahren so innovativ, emotional, bunt und gleichzeitig bedrückend wie in Christian Moris Müllers neuem Film LICHTGESTALTEN, der auf dem Filmfestival Max Ophüls Preis seine Premiere feiern durfte." (Max Fischer/ Wir sind Movies)
Katharina (Theresa Scholze) und Steffen (Max Riemelt) sind ein aufstrebendes Berliner Paar. Sie haben gute Jobs, eine liebevolle Beziehung und eine Dachgeschosswohnung auf zwei Etagen. Doch die beiden sehnen sich danach, der wohligen Vorhersehbarkeit ihres Lebens zu entkommen. Eines Nachts entschließen sie sich zu einem radikalen Schritt: Sie werden jegliche Zeichen ihrer Existenz vernichten, um irgendwo anders neu anzufangen.
Die beiden richten eine Kamera ein, um ihre Tat zu filmen, in der Hoffnung, dass auch andere ihnen folgen. Sie beginnen ihr Eigentum zu zerstören, lösen die Bankkonten auf und löschen ihre digitalen Spuren. Auch dem besten Freundespaar Robert und Paul wollen sie verschweigen, dass sie für immer verschwinden werden. Während alles in Stücke splittert, nimmt ihr Vorhaben fast unmerklich eine Wendung: Die heimliche Revolution wird zum Kampf um ihre Liebe.
"LICHTGESTALTEN ist großes Kino, einer der Hoffnungsträger des jungen deutschen Films" (BUCH & FILM, Michael Hensch) Year
2015 Country
Germany Length
81 Age Recommendation
FSK 0 Primary Language Version
German Featuring
Theresa Scholze; Max Riemelt; Sebastian Schwarz; Max Woelky Director
Christian Moris Müller Screenplay
Christian Moris Müller Cinematography
Mario Krause Editing
David J. Rauschning Sound
Benjamin Kalisch; Lukas Lücke Music
Phillip Feneberg; Felix Raffel; Chandra Fleig Festivals
Achtung Berlin New Berlin Film Award - (2015, Eröffnungsfilm); Max Ophuels Preis Production
Christian Moris Müller Image label
Lichtgestalten, Icons of Light, Christian Moris Müller, Berlin Film Skip_review
yes full_film
0_c30g3x1i
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Los Angeles, das sagenumwobene „La-La Land“ war schon immer ein Magnet für hoffnungsfrohe Seelen, die von großen Karrieren im Showbiz träumen. So auch für den…
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4776 Film title_en
Going Down in LA-LA Land Film title_de
Going Down in LA-LA Land Original title
Going Down in LA-LA Land Long Description_en
Los Angeles, the fabled “La La Land”, has always been a magnet for young hopefuls dreaming of great showbiz careers. But there's more to L.A. than big Hollywood flicks, as a starry-eyed newbie from the East Coast discovers when he finds himself involved in the porn scene. "Polished but entertaining look at biz realities from a gay perspective… well crafted and diverting throughout." (Variety)
Young, handsome, and ambitious Adam arrives from New York with plans of making it big in L.A. He moves in with his zany best friend Candy who, between auditions, spends her time at the gym, shopping, or looking for a wealthy man. Adam gets off to a rocky start, complete with parking tickets and an insufferable job answering phones. A new job in production looks promising, but soon Adam finds himself dealing with down-and-out directors, washed up starlets, and meth addicts, as he starts to loose himself in a seamy underworld of gay porn and prostitution. Based on Andy Zeffer's semi-autobiographical novel ""Going Down in La-La"", Andreas Casper's film is a deft tragi-comic look at the shining and seamy sides of the Hollywood dream factory. Long Description_de
Los Angeles, das sagenumwobene „La-La Land“ war schon immer ein Magnet für hoffnungsfrohe Seelen, die von großen Karrieren im Showbiz träumen. So auch für den bildhübschen Adam, der als Schauspieler Hollywood aufmischen möchte. Tatsächlich bekommt er seine Chance, vor der Kamera zu reüssieren, allerdings erstmal bei Pornoproduktionen.
"Polished but entertaining look at biz realities,… well crafted throughout." (Variety)
Basierend auf dem halbbiografischen Roman "GOING DOWN IN LA-LA LAND" von Andy Zeffer, gelingt Regisseur Andreas Casper in einem Mix aus Witz und Ernst, Romantik und Tragik ein fesselnder und ungeschminkt schwuler Blick auf das Sündenbabylon der Westküste. Year
2011 Country
USA Length
104 Age Recommendation
FSK 16 Primary Language Version
English Subtitles
German Featuring
Matthew Ludwinski; Allison Lane; Michael Medico; Casper Andreas; John Shile Director
Casper Andreas Screenplay
Casper Andreas; Andy Zeffer Cinematography
Timothy Naylor Editing
Alexander Hammer Sound
Greg Rippin Music
Michael W. Barry Festivals
Miami Gay & Lesbian Film Festival; Frameline San Francisco; Outfest Film Festival; Tokyo International Lesbian & Gay Film Festival; MIX Copenhagen; Toulouse Des Images Aux Mots Gay Film Festival full_film
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Ein Filmemacher inszeniert das Porträt einer Sexworkerin – und verfängt sich immer wieder neu in den Fallstricken der eigenen und gesellschaftlichen Vorurteile, während Angie…
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4862 Film title_en
Black & White & Sex Film title_de
Black & White & Sex Original title
Black & White & Sex Long Description_en
Through the eyes of Angie, a prostitute, comes a film that will make you stop and really think about sex. Shot in B&W in a film studio, with eight women playing Angie, the Australian drama BLACK & WHITE & SEX is a "confronting, intriguing, sensual" - and surprising - journey into her world.
Mother, lover, whore? Candid and seductive, Angie is determined to set the record straight about sex. As she reveals herself, layer-by-layer, she also exposes the man who is interviewing her... Having been paid to be in his documentary about sex, Angie is ready to front the cameras and give him what he wants. Thatʼs what she does. But sheʼs a professional, a ʻproʼ, and she tells it as she sees it and sheʼsseen it all before... the weird and the wonderful, the intimate, the juicy, the funny and the fleshy." Long Description_de
Ein Filmemacher inszeniert das Porträt einer Sexworkerin – und verfängt sich immer wieder neu in den Fallstricken der eigenen und gesellschaftlichen Vorurteile, während Angie immer wieder eine Neue wird.
Eine Protagonistin, dargestellt von acht Schauspielerinnen. BLACK & WHITE & SEX ist ein Porträtfilm und ein Mosaikspiel. Sich neu erfindet. Während jede der acht denkbar unterschiedlichen Schauspielerinnen ihre ganz eigenen Facetten in die Rolle ein bringt. Während Angie, in jedem dieser Abschnitte, eine andere ist. BLACK & WHITE & SEX ist ein so faszinierendes wie intelligentes formales Experiment, das in berückend schönen Schwarzweißbildern seiner widersprüchlichen Protagonistin so nahe wie möglich kommt – ohne ihr jedoch ihr Geheimnis zu entreißen. Year
2012 Country
Australia Length
91 Age Recommendation
16 Primary Language Version
English Subtitles
English Featuring
Katherine Hicks; Anya Beyersdorf; Valerie Bader Director
John Winter Screenplay
John Winter Cinematography
Nicola Daley Editing
Adrian Rostirolla Music
Caitlin Yeo Awards
'Best Experimental' award at the 2012 ATOM Awards Festivals
International Film Festival Rotterdam; Taipei Film Festival; Sydney Film Festival Production
Melissa Beauford Image label
Black & White & Sex;John Winter full_film
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Der Dokumentarfilm AMERICAN CAMERAMAN erzählt mit bisher unveröffentlichten Nachrichtenaufnahmen die Geschichte des Kameramannes Bill Birch und damit die Entwicklung von…
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4861 Film title_en
American Cameraman Film title_de
American Cameraman Original title
American Cameraman Long Description_en
The documentary AMERICAN CAMERAMAN traces the career of legendary news photographer, Bill Birch. Using rarely seen news footage, Birch recounts the entire evolution of moving image news from the end of the silent era through the dawn of video.
Since the early 20th Century, history has been written in moving images by the lens of a camera: from the crash of the Hindenburg to Jack Ruby shooting Lee Harvey Oswald “live” on network television to the fall of the twin towers. Behind each camera, there was a cameraman. Their firsthand images of tumultuous events of modern history are forever burned into our collective consciousness, while the cameramen are for the most part unknown. Bill Birch is one of those cameramen. AMERICAN CAMERAMAN recounts the role of the moving image in shaping history and memory. Long Description_de
Der Dokumentarfilm AMERICAN CAMERAMAN erzählt mit bisher unveröffentlichten Nachrichtenaufnahmen die Geschichte des Kameramannes Bill Birch und damit die Entwicklung von Bewegtbildnachrichten von der Stummfilmära bis zur Einführung von Video.
Seit Anfang des 20. Jahrhunderts wird Geschichte mit bewegten Bildern geschrieben, von der Explosion der „Hindenburg“ und Jack Rubys Ermordung von Lee Harvey Oswald live vor laufender Kamera bis zum Einsturz der Twin Towers. Hinter jeder Kamera steht ein Kameramann, der oft unbekannt bleibt. So wie Bill Birch. Im Zweiten Weltkrieg gehörte er zum Team von Frank Capra, der die Dokureihe „Why We Fight“ gedreht hat; weitere Kameramänner waren der Puppenanimationspionier Ray Harryhausen, Regisseur John Huston, Schauspieler John Forsythe und Kinderbuchautor Theodore Geisel (Dr. Seuss). Nach dem Krieg hat Birch für Movietone, NBC und ABC wichtige Ereignisse festgehalten - Fidel Castros triumphalen Einzug in Havanna, die Ermordung von JFK in Dallas – und alle US-Präsidenten von Truman bis Nixon begleitet. In den 70ern war Birch ein Early Adapter der Videotechnologie. AMERICAN CAMERAMAN untersucht auch die Rolle des Bewegtbildes bei der Bildung des kollektiven Gedächtnisses. Year
2007 Country
USA Length
80 Age Recommendation
0 Primary Language Version
English Subtitles
English Featuring
Bill Birch Director
Steven Ivcich Screenplay
Steven Ivcich Cinematography
Bill Birch Music
Rob Tomaro Production
Steven Ivcich; Bill Birch Image label
American Cameraman, Steven Ivcich, ill Birch, documenary full_film
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Harris Glenn Milstead, besser bekannt unter dem Drag-Namen DIVINE, war eine Ausnahme-Performerin: unerschrocken und einmalig. Zunächst erlangte Divine als Muse des Regisseurs John Waters…
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4804 Film title_en
I am Divine Film title_de
I am Divine Original title
I am Divine Long Description_en
I AM DIVINE is a definitive biographical portrait of Harris Glenn Milstead, a.k.a. cult superstar Divine, and honors him in just the way he always craved — as a serious artist and immortal star. "I Am Divine soars as a testament to following a dream, with marvellous achievements springing from the most unlikely of circumstances." (Sydney Film Festival)
As outrageous and fun as its subject, I AM DIVINE combines movie clips, rare home movies and photos, television appearances and live performance footage with brand new interviews with John Waters, Ricki Lake, Mink Stole, Tab Hunter, Holly Woodlawn, Michael Musto, Bruce Vilanch, mother Frances Milstead (who provided her final interview just months before she passed away), and many more of Divine's family, friends, colleagues, and devotees.
Divine's entire story is told: from his early days as a misfit youth in Baltimore to his rise as a cult superstar. Just as the characters he portrayed in numerous films, Divine was the ultimate outsider. He transformed himself from being the bullied schoolyard fat kid to the larger-than-life personality and underdog royalty. Divine stood up for millions of gay men and women, female impersonators, punk rockers, the ample figured, and countless other socially ostracized people. With a completely committed in-your-face style, he blurred the line between performer and personality and revolutionized pop culture. Long Description_de
Harris Glenn Milstead, besser bekannt unter dem Drag-Namen DIVINE, war eine Ausnahme-Performerin: unerschrocken und einmalig. Zunächst erlangte Divine als Muse des Regisseurs John Waters Weltruhm.
EMMY-Preistäger Jeffrey Schwarz gelingt mit Hilfe von Interviews, vielen Ausschnitten aus Filmen und Live-Auftritten eine berührende Würdigung eines flamboyanten Selbstdarstellers, dessen Tabubrüche ein größeres Ziel verfolgten: Mit Humor gegen die Engstirnigkeit der amerikanischen Gesellschaft zu kämpfen. Schwarz interviewte Kollegen und Weggenossen wie John Waters, Ricki Lake, Mink Stole, Tab Hunter, Holly Woodlawn, Michael Musto, Bruce Vilanch und Divines Mutter Frances Milstead (ihr letztes Interview, bevor sie verstarb).
Waters und Divine lancierten seit Ende der 60er in ihren gemeinsamen Filmen, darunter „Female Trouble“, „Pink Flamingos“, „Polyester“ und „Hairspray“ (als Bühnenmusical erfolgreich adaptiert), ästhetische Angriffe auf die verstockte bürgerliche Gesellschaft der USA. Alles, was die Gesellschaft als unansehnlich, eklig und marginal herabwürdigte, deklarierte Divine zur Schönheit und Herrschaft. Waters und Divine verkörperten einen transgressiven, queeren Punk-Trash-Spirit, der viele Nachahmer zum eigenen Ausdruck empowerte und dessen Einfluss auf die Popkultur bis heute nicht zu unterschätzen ist. Year
2014 Country
USA Length
86 Age Recommendation
FSK 12 Primary Language Version
English Subtitles
German Featuring
Divine; John Waters; Tab Hunter; Ricki Lake; Michael Musto; Mark Payne; Mink Stole; Jack Smith Director
Jeffrey Schwarz Editing
Phillip J. Bartell Music
Michael Cudahy Festivals
SXSW - south by Southwest Film Festival; Maryland Film Festival - Baltimore, MD; Sydney Film Festival; Frameline Film Festival; Tokyo International Lesbian & Gay Film Festival; Athens Film Festival; MIX Copenhagen; Belgrade Queer Film Festival; Paris Gay and Lesbian Film Festival; Sheffield Doc/Fest, BFI London Film Festival Lesbian and Gay Festival Production
Automat Pictures. Image label
I am divine, Jeffery Schwarz full_film
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Die bitterböse Satire THE PORNOGRAPHERS zeigt die Kehrseite des japanischen Wirtschaftswunders nach dem Zweiten Weltkrieg. In dieser Zeit gewannen Pornografen und Kleinganoven in Osaka…
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4677 Film title_en
The Pornographers Film title_de
The Pornographers Original title
Erogotoshi-tachi yori: Jinruigaku Long Description_en
The dark comic satire, THE PORNOGRAPHERS depicts the underbelly of the Japanese post-war economic miracle, in this case pornographers and small-time gangsters in Osaka. It has been called Imamura's best-known film outside Japan.
"The visual brilliance of Shohei Imamura's kinky and satirical black-and-white 'Scope feature THE PORNOGRAPHERS (1966) suggests the inventiveness of the French New Wave. Often framing through windows and fish tanks, punctuating his action with abrupt freeze-frames and fantasy interludes,Imamura attacks the whole question of contemporary eroticism with mordant intelligence." (Johnathan Rosenbaum/Chicago Reader)
A 1966 Japanese film directed by Shohei Imamura and based on a novel by Akiyuki Nosaka, it's original Japanese title is "Erogotoshitachi" yori Jinruigaku nyūmon, which means 'An Introduction to Anthropology Through the Pornographers'. Long Description_de
Die bitterböse Satire THE PORNOGRAPHERS zeigt die Kehrseite des japanischen Wirtschaftswunders nach dem Zweiten Weltkrieg. In dieser Zeit gewannen Pornografen und Kleinganoven in Osaka Oberwasser. THE PORNOGRAPHERS wurde zum bekannsten Film des Regisseurs Shohei Imamura außerhalb Japans.
"Die Bildgewalt von Shohei Imamuras stilvoll-perversem und satirischem Schwarz-Weiß-Scope Epos erinnert an die Innovationen der Nouvelle Vague. Oft filmt er das Geschehen durch Fenster und Aquarien und setzt seiner Handlung Akzente durch Freeze Frames und fantastischen Sequenzen. Dadurch hinterfragt Imamura scharfsinning die damals (1966) zeitgenössische Auffassung von Erotik." (Johnathan Rosenbaum/Chicago Reader)
THE PORNOGRAPHERS ist die Verfilmung eines Romans von Akiyuki Nosaka. Der japanische Originaltitel "Erogotoshitachi yori Jinruigaku nyūmon" bedeutet 'Eine Einführung in die Anthropologie durch Pornografen'. Year
1966 Country
Japan Length
128 Age Recommendation
FSK 16 Primary Language Version
Japanese Subtitles
German Featuring
Shoichi Ozawa; Sumiko Sakamoto; Masaomi Kondo; Keiko Sagawa Director
Shohei Imamura Screenplay
Shôhei Imamura;Akiyuki Nosaka; Koji Numata Cinematography
Shinsaku Himeda Editing
Mutsuo Tanji Music
Toshiro Kusunoki; Toshirô Mayuzumi Festivals
Japanese Film Festival Singapore; Pesaro Film Festival Production
© Nikkatsu full_film
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Der renommierte britische Regisseur Michael Apted (The Up Series, Master of Sex, The World is Not Enough) blickt mit BENDING THE LIGHT hinter die Kulissen von Kunst und Handwerk der Fotografen und…
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4641 Film title_en
Bending the Light Film title_de
Bending the Light Original title
Bending the Light Long Description_en
From acclaimed director Michael Apted (The Up Series, Master of Sex, The World is Not Enough) comes a revealing look at the art of filmmaking and photography.
Sponsored by Canon, BENDING THE LIGHT explores the relationship between the artisans who create camera lenses and the masters of light who use these lenses.
"Among the interviewees are still photographers representing a range of work, as well as two-time Academy Award-nominated cinematographer Stephen Goldblatt. Apted conducted the interviews, asking photographers questions such as “What is your relationship with your camera?” and lens craftsmen questions that included “Are you proud of your lenses?”(Hollywood Reporter) Long Description_de
Der renommierte britische Regisseur Michael Apted (The Up Series, Master of Sex, The World is Not Enough) blickt mit BENDING THE LIGHT hinter die Kulissen von Kunst und Handwerk der Fotografen und Kameraleute.
BENDING THE LIGHT schaut den Technikern, die Kameraobjektive entwickeln und herstellen, sowie den "Meistern des Lichts", die mit diesen Kameras unvergessliche Bilder schaffen, bei der Arbeit über die Schulter. "Zu den Interviewten zählen Standbildfotografen, die eine stilistische Vielfalt präsentieren, sowie der zweifach Oscar-nominierte Kameramann Stephen Goldblatt. Apted selbst hat die Fragen gestellt, z.B. 'Welche Beziehung haben Sie zu Ihrer Kamera?' bzw. die Techniker hat er gefragt: 'Sind Sie stolz auf Ihre Objektive?'" (Hollywood Reporter) Year
2014 Country
US Length
60 Age Recommendation
0 Primary Language Version
English Director
Michael Apted Festivals
Palm Springs Photography Festival Image label
Michael Apted. bending the light, documentary, cinematography full_film
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CORSAIR TALES, Gewinner des Spezialpreises der Jury in Turin, ist eine Doku von Stefano Petti über einen Pasolini-Doppelgänger, der gecastet wird, um sein Idol in einem Biopic zu…
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4683 Film title_en
Corsair Tales Film title_de
Corsair Tales Original title
Fatti Corsari Long Description_en
CORSAIR TALES, winner of the Special Jury Award in Turin, is a documentary directed by Stefano Petti about a Pasolini look-a-like who lands a role to portray his idol in a biopic.
CORSAIR TALES tells of "the actor's profession" in an encounter between cinema, drama, literature and life experience, through the adventures of Alberto Testone, the double of Pier Paolo Pasolini, in his quest for his dream amid the Fidene suburb (Rome), theatre stages and movie sets.
"You just look like Pasolini, you know!" That is what he used to hear every morning when walking down the street from his flat outside Rome. Alberto Testone is a 50-something dental technician from Fidene, a working-class suburb of Rome. He is obsessed with the dream of becoming an actor. As a look-a-like of the acclaimed writer and director Pier Paolo Pasolini, he is asked to interpret him in a theater production and in a film. In accepting the role, Alberto decides to follow the traces of Pasolini’s past, inadvertently stepping onto a path of self-discovery, finding himself in the locations and roles that Pasolini recounted, filmed and loved. Long Description_de
CORSAIR TALES, Gewinner des Spezialpreises der Jury in Turin, ist eine Doku von Stefano Petti über einen Pasolini-Doppelgänger, der gecastet wird, um sein Idol in einem Biopic zu spielen.
"Sie sehen genauso aus wie Pasolini, wissen Sie!" Das hört Alberto Testone jeden Morgen, wenn er die Strassen in der Vorstadt Roms betritt. Testone, 50, ist ein Zahntechniker und besessen von dem Traum, Schauspieler zu werden. Als Lookalike des gefeierten Autors und Regisseurs Pier Paolo Pasolini wird ihm tatsächlich eines Tages die Rolle angeboten, Pasolini in einer Theaterproduktion und in einem Film zu spielen. Um die Rolle besser zu füllen, entscheidet sich Alberto, den Spuren von Pasolinis Vergangenheit zu folgen und gerät dadurch beinahe versehentlich auf den Weg der Selbstfindung. Year
2012 Country
Italy Length
79 Age Recommendation
0 Primary Language Version
Italian Subtitles
English Language_code
Stefano Petti; Alberto Testone Featuring
Francesco Aniello; Jacopo Bruno; Joseph Gagliardi;Alberto Testone Director
Stefano Petti; Alberto Testone Music
Elettronoir; Grun; Tommaso Lambertucci; Andrea Pesce; Pino Romanelli Awards
Special Jury Awards - Festival di Torino 2012; A.v.a.n.t.i Award - Festival di Torino 2012 Festivals
Festival di Torino 2012 Production
Stefano Petti; Alberto Testone Image label
Fatti Corsari, Pasolini, Stefano Petti; Alberto Testone full_film
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Nachwuchsregisseurin Isabell Šuba hat es geschafft. Einer ihrer Kurzfilme läuft auf dem Filmfest in Cannes. Empört über keinen einzigen Wettbewerbsbeitrag von einer Frau, gibt…
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4620 Film title_en
Men Show Movies & Women Their Breasts Film title_de
Männer zeigen Filme und Frauen ihre Brüste Original title
Männer zeigen Filme und Frauen ihre Brüste Long Description_en
Isabell Šuba has made it – or so she thinks! One of her short films is screening at the world’s largest film festival. But instead of red carpet and caviar, her chauvinistic producer and an overbooked hotel await her in Cannes.
In a partnership of convenience, the two are trying to find investors for a new project, unfortunately to no avail. Isabell looks reality straight in the eye: David’s neanderthal-like behavior is no exception. Even in Cannes, there is no exception to the rule: men show their movies, women show their breasts!
This movie is an experiment with reality. In 2012 the “real” director Isabell Šuba transformed her invitation to the 65th Festival de Cannes into her latest filmproject. During the whole course of the festival she gave her identity to actress Anne Haug and accredited herself as film student Anne Woelky. “Men show movies and women their breasts” was shot in five days without any funding. It is supposed to point the way for equality of opportunities for men and women in the movie industry, for female role models which need to be established alongside men. But how is that supposed to work out when German funding goes almost always to male filmmakers? It’s time for change,, for new women à la Isabell Šuba: talented. self-confident, fierce. Long Description_de
Nachwuchsregisseurin Isabell Šuba hat es geschafft. Einer ihrer Kurzfilme läuft auf dem Filmfest in Cannes. Empört über keinen einzigen Wettbewerbsbeitrag von einer Frau, gibt sie ihre Identität für die Reise nach Cannes an Schauspielerin Anne Haug ab und wagt ein filmisches Experiment.
In einer Zweckgemeinschaft mit einem Produzenten, der seine Verpeiltheit mit Chauvigebarden geschickt kompensiert, stolziert das Duo weniger auf dem Roten Teppich als dass es in jedes Fettnäpfchen tritt…
Dieser Film war ein Experiment mit der Wirklichkeit: Die real existierende Regisseurin Isabell Šuba machte 2012 aus ihrer Einladung nach Cannes ein neues Filmprojekt. Für „Männer zeigen Filme und Frauen ihre Brüste“ gab sie ihre Identität im gesamten Festivalzeitraum an Schauspielerin Anne Haug ab und akkreditierte sich selbst als Filmstudentin Anne Woelky. Dieser Film entstand in fünf Drehtagen, ohne Gagen und sollte ein Zeichen setzen: für die Chancengleichheit von Männern und Frauen in der Filmindustrie und dafür, dass wir weibliche Vorbilder brauchen, die sich endlich neben den Herren der Branche etablieren. Aber wie soll das gehen, wenn in Deutschland die hohen Förderbeträge fast ausschließlich von männlichen Filmemachern eingestrichen werden? Zeit für Veränderung. Zeit für neue Frauenfiguren à la Isabell Šuba: talentiert, selbstbewusst, kämpferisch. Year
2014 Country
Germany Length
80 Age Recommendation
FSK 0 Language_code
de;en Featuring
Anne Haug; Matthias Weidenhöfer; Eva Bay Director
Isabell Šuba Screenplay
Isabell Šuba; Lisa Glock Cinematography
Johannes Louis Editing
Clemens Walter Sound
Tina Laschke Awards
Max Ophüls Preis: Best Socially Relevant Film Festivals
achtung berlin; Internationale Hofer Filmtage; Max Ophüls Preis Saarbrücken; Zurich Film Festival; Berlinale Product_creation_date
13/05/2016 URL_key
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Mit ihrem Dokumentarfilm DER STUMMFILMPIANIST setzt Regisseurin Ilona Ziok dem über 100jährigen Stummfilmvertoner Willy Sommerfeld ein filmisches Denkmal. Anhand von Filmsequenzen…
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4598 Film title_en
The Sound of Silents Film title_de
Der Stummfilmpianist Original title
Der Stummfilmpianist Long Description_en
The documentary THE SOUND OF SILENTS by Ilona Ziok is journey through the life and music of Berlin musician Willy Sommerfeld, who at 100 years old during the film's production was the oldest silent film pianist alive, and into the world of movies as it was when cinema was born. "The film ist so beautiful and intelligent! The highlight of what we have seen during the Berlin Film Festival! (Dan and Toby Talbot, The New Yorker)
He's treated like a rock star by audiences young and old, adored by film lovers and housewives alike, venerated by scholars and punks: Willy Sommerfeld, born in 1904, is a silent movie pianist—the last of his kind, a living legend with a musical memory reaching back more than a century. He first performed in the Roaring Twenties. Today, at age 100, he is still going strong – still accompanying film live on piano and spontaneously composing the “soundtrack” to movies. THE SOUND OF SILENTS not only revisits a century of cinema history through Sommerfeld's eyes (and ears), it is a loving tribute to the aesthetic and narrative power of silent film. Long Description_de
Mit ihrem Dokumentarfilm DER STUMMFILMPIANIST setzt Regisseurin Ilona Ziok dem über 100jährigen Stummfilmvertoner Willy Sommerfeld ein filmisches Denkmal. Anhand von Filmsequenzen verschiedener mal mehr, mal weniger bekannter Stummfilme und den eigenen Worten des charismatische Sommerfelds selbst wird Leben und Werk Sommerfelds sowie Kinogeschichte aus der Geburtszeit des Mediums nachgezeichnet. „Sehr informativ. Sehr menschlich.“ (Dietrich Kuhlbrodt)
Willy Sommerfeld (Jahrgang 1904) weicht Ehefrau Doris seit fast 50 Jahren nicht von der Seite. Für die Kamera erzählen beide aus seinem bewegten Leben als Musiker, und Sohn Sebastian kommentiert das Leben mit diesem „Fossil“ - mit wechselndem Humor.
Sequenzen bekannter, skurriler und fast vergessener Stummfilme wie „Metropolis“, „Der letzte Mann“, „Die Austernprinzessin“ u.v.a. illustrieren Sommerfelds Lebensweg, den er im Film selbst live am Piano untermalt Year
2005 Country
Germany
Czech Republic Length
80 Age Recommendation
FSK 6 Language_code
de:en Featuring
Prof. Willy Sommerfeld
Doris Sommerfeld
Sebastian Sommerfeld
Walter Raffeiner
Prof. Dieter Brauer
Ulrich Gregor
Prof. Dr. Karl Prümm
Rudolf Brünger
Juppi Director
Ilona Ziok Screenplay
Ilona Ziok Cinematography
Sergey Jurisditskiy
Wojciech Szepel
Aike Fricke
Erik Krambeck
Peter Domsch Editing
Dietmar Kraus
Ludmilla Korb-Mann Sound
Peter Domsch Awards
FBW-Prädikat: besonders wertvoll Festivals
Berlinale; Tallinn; Prix Visionica Wroclaw Production
CV Films
Matti Film
Vera Vista Film Supported by
Filmförderung Hamburg-Schleswig-Holstein
Nordmedia
Kulturfonds Berlin
Media Eurimages Miscellaneous_en
aka Willy Sommerfeld - Der Stummfilmpianist. Educational rights available. Miscellaneous_de
aka Willy Sommerfeld - Der Stummfilmpianist. Bildungsrechte verfügbar. Related_film_SKUs
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07/03/2016 URL_key
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KURT GERRONS KARUSSELL von Ilona Ziok porträtiert den Berliner Film- und Bühnenstar, der als Jude von den Nazis verfolgt wurde. Im KZ Theresienstadt leitet er das Kabarett…
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4599 Film title_en
Kurt Gerron's Carousel Film title_de
Kurt Gerrons Karussell Original title
Kurt Gerrons Karussell Long Description_en
An award-winning, authentic film about the Holocaust. “It’s a well done, very moving documentary.” (Roman Polanski)
The film title KURT GERRON'S CAROUSEL refers to the cabaret theater that Kurt Gerron started in 1943 while an inmate of the Theresienstadt concentration camp. A star of Berlin theater and cabaret life, and one of the most successful film directers at the UFA, Gerron, who was Jewish, emigrated to Paris in 1933 and then to Amsterdam, where he was interned in 1942, deported to Theresienstadt and finally murdered in Auschwitz in 1944.
This film traces his life through the testimony of contemporaries, excerpts and song performancesof Kurt Gerron's work. He became known in the 1920s thanks to his song "I am the night specter". In 1928 Gerron played Tiger Brown in the premiere of "The Threepenny Opera” with the ballad of "Mack the Knife". When he came to Theresienstadt in 1943, he started a cabaret, where many concentration camp inmates might once again have a good laugh before they were transported to Auschwitz the next day. Here Gerron was convinced - with the promise to get free from the NS-persuaded - to direct the propaganda film "The Führer donates a City to the Jews”, in order to deceive the foreign countries about the true nature of Theresienstadt. Shortly thereafter Gerron ended up in the gas chambers of Auschwitz. Long Description_de
KURT GERRONS KARUSSELL von Ilona Ziok porträtiert den Berliner Film- und Bühnenstar, der als Jude von den Nazis verfolgt wurde. Im KZ Theresienstadt leitet er das Kabarett “Karussell” und führt Regie bei einem Propagandafilm über die Lagerstadt, in der Hoffnung, diese Tat könne sein eigenes Leben und die anderer retten. “Der Regisseurin ist es gelungen, die Sterilität einer Gedenkveranstaltung durch eine lebendige Performance abzulösen, die auch den Zuschauer ins Spiel bringt.” (Dietrich Kuhlbrodt, EPD Film)
Der Film handelt von Kurt Gerron, der 1928 über Nacht zum Star wird als er die Ballade vom Macke Messer in Brechts “Dreigroschenoper” singt. Als Magier in dem Film “Der blaue Engel”, an der Seite von Marlene Dietrich, aber auch als überaus erfolgreicher Filmregisseur der beliebten UFA-Komödien setzt er seine viel versprechende Laufbahn fort. Doch 1933 ist die Karriere zu Ende: Gerron wird als Jude verfolgt, muss vor den Nazis nach Paris fliehen, später nach Amsterdam, wo er im Lager Westerbork interniert wird und nach Theresienstadt kommt. Hier, in dem KZ für jüdische Künstler und VIPs, gründet er ein Kabarett, das er “Karussell” nennt. Die Nazis bieten ihm dort gar die Chance, einen Film zu drehen über das »großartige Leben der Juden in einem KZ« . Hat er eine Wahl? Denn die Gage ist das Versprechen, dass alle am Film Beteiligten nicht vergast werden… Year
1999 Country
Germany
Netherlands
Czech Republic Length
65 Age Recommendation
FSK 0 Primary Language Version
German Subtitles
English Featuring
Ute Lemper
Max Raabe
Ursula Ofner
Ben Becker
Bente Kahan
May Racse
Schall & Hauch Director
Ilona Ziok Screenplay
Ilona Ziok Cinematography
Jacek Blawut
Heiko Merten
Aike Fricke Christina Graff
Erik Mischijew
Silke Regele Editing
Jacek Blawut
Silke Rejde Sound
Heiko Merten Awards
FBW-Prädikat: besonders wertvoll; German Oscar Candiate for Best Documentary; Munich Film Festival: Special Award; Banff Television Festival: Best Arts Documentary, International Critics' Prize; Telluride: Awarded Documentary Festivals
Berlinale; Telluride; Filmfest München; Sydney; Sao Paulo; Los Angeles; BFI London Film Festival Huesca Production
TV-Ventures
Nederlands Filmmuseum
Vera Vista / Studio No. 1 Praha
Sender Freies Berlin (SFB) Supported by
MFG Baden-Württemberg
MAP tv
Filmbuero NW
Eurimages Miscellaneous_en
Educational rights available. Miscellaneous_de
Bildungsrechte verfügbar. Image label
Kurt Gerrons karussell, ute lemper, Ilona Ziok Related_film_SKUs
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07/03/2016 URL_key
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In ihrem Dokumentarfilm ASMAHAN gibt die palästinensische Regisseurin Azza El-Hassan einen anderen Blick auf die politischen Umwälzungen des arabischen Frühlings, bei denen…
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4570 Film title_en
Asmahan Film title_de
Asmahan Original title
Asmahan Long Description_en
Palestinian director Azza El-Hassan uses the story of legendary Syrian entertainer ASMAHAN to offer a fresh take on Middle Eastern history, women's struggle for equality and the Arab Spring. As times harden in the Arab world, people have begun to recall the greatest diva of all time: Asmahan, the Syrian princess who emigrated to Egypt in the twenties and became an entertainer. Today, traces of the Cairo that Asmahan once loved are difficult to find in the blanket of apathy that weighs on the city. It was in Cairo that Asmahan sang her famous song “Euphoric Nights in Vienna”(1944), in which she manufactured an Arab fantasy for the European city. Today, many Arabs go to Vienna in search of the dream whispered to them by the greatest diva. But things are not quite that simple. Asmahan is not the angel everyone imagines her to be. Behind her angelic face are dark secrets, and it is time we stopped being manipulated. Long Description_de
In ihrem Dokumentarfilm ASMAHAN gibt die palästinensische Regisseurin Azza El-Hassan einen anderen Blick auf die politischen Umwälzungen des arabischen Frühlings, bei denen Gleichberechtigung vielfach auf der Stecke geblieben ist.
Asmahan – syrische Drusenprinzessin, Filmdiva, Musikikone und Femme Fatale der arabischen Welt der 1940er Jahre. Sie singt „Rauschende Nächte in Wien“, ein Lied, das Wien als Ort der Jugend und Schönheit feiert und eine Legende kreiert, die bis heute Sehnsüchte und Hoffnungen von Reisenden und Immigranten aus der arabischen Welt mitbestimmt. Politisches Taktieren, Mythos und die Suche nach Identität zwischen den Kulturen von Ost und West, zwischen Traum und Wirklichkeit bilden den Topos des Films. Der ikonische Status der emanzipierten Sängerin prägt noch heute unzählige arabische Frauen. Asmahans ungezwungener, hemmungsloser Charakter konkurriert mit der gegenwärtigen gesellschaftlichen Repression der modernen Frau in vielen Teilen der arabischen Welt. So werden vor dem Hintergrund ihres Lebens und tragischen Todes persönliche Lebensgeschichten verwoben. Der Film zeigt starke Frauen, die in ihrer schwierigen Situation einen Weg gefunden haben sich zu behaupten. Musik spielt hierbei eine wichtige Rolle als Ausdrucksmittel. Doch das ist nicht das Einzige, was die Frauen mit Asmahan verbindet. Year
2014 Country
Austria
Qatar Length
71 Language_code
ar:en,de Director
Azza El-Hassan Cinematography
Joerg Burger Editing
Marek Kralovsky Sound
Hjalti Bager-Jonathansson Awards
Beirut Film Festival: 2nd Prize Best Documentary Festivals
Carthage Filmfestival, Tunis; Arab Film Festival Amman; FIFFS – Festival International du Film de Salé, Morocco; Yamagata Film Festival; Beirut Film Festival Miscellaneous_en
aka Asmahan - Rauschende Nächte in Wien; The Unbearable Presence of Asmahan Miscellaneous_de
aka Asmahan - Rauschende Nächte in Wien; The Unbearable Presence of Asmahan Image label
Asmahan Related_film_SKUs
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22/01/2016 URL_key
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Von Thomas Brasch (1945-2001), dem Dichter, Autor und Filmemacher und seinem intensiven, rastlosen Leben zwischen der DDR und der BRD, dem Theater, der Politik und dem Kino handelt dieser…
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4218 Film title_en
Brasch – Words Of Want, Words Of Fear Film title_de
Brasch - Das Wünschen und das Fürchten Original title
Brasch - Das Wünschen und das Fürchten Long Description_en
BRASCH, is Christoph Rüter's documentary about Thomas Brasch, poet, writer and filmmaker. Born in London to a Jewish immigrant family, BRASCH grew up in East Germany, and became a controversial figure and clashed with East German authorities.
BRASCH was a passionate, charismatic and aggressive artist, conflict was his life. His play, like "Lovely Rita", shaped the literature of both East and West Germany. The documentary offers a unique insight into the fascinating life of an obsessed writer. Long Description_de
Von Thomas Brasch (1945-2001), dem Dichter, Autor und Filmemacher und seinem intensiven, rastlosen Leben zwischen der DDR und der BRD, dem Theater, der Politik und dem Kino handelt dieser Dokumentarfilm seines Weggefährten Christoph Rüter.
BRASCH war ein leidenschaftlicher, charismatischer und aggressiver Mensch und Künstler. Der Konflikt war sein Leben, der Schmerz sein Auge. Seine Theaterstücke, darunter „Lovely Rita“, prägten die Literatur der DDR und der BRD. Der Wegbegleiter von Heiner Müller und Partner von Katharina Thalbach prägte die deutsch-deutsche Theaterszene. Diese Doku bietet einen einmaligen Einblick in das faszinierende Schriftstellerleben eines Besessenen, der sich nie mit dem Zustand der Welt zufrieden gab. Year
2011 Country
Germany Length
93 Age Recommendation
FSK 12 Primary Language Version
German Subtitles
English Featuring
Thomas Brasch
Katharina Thalbach Director
Christoph Rüter Screenplay
Christoph Rüter Cinematography
Thomas Brasch
René Kirschey
Patrick Popow
Christoph Rüter Editing
Heidrun Schweitzer Sound
Steffen Schencker Ferry Siering Festivals
Berlinale/Panorama; Augsburg Filmtage; Internationalen Dokumentarfilmfestival München Production
Christoph Rüter Filmproduktion
Berlin; ZDF
Mainz Image label
Christoph Rüter, Brasch Das Wünschen und das Fürchten Related_film_SKUs
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Die Kurzfilme in BACK TO POLITICS von Schlingensief (FREAKSTARS 3000), David Sieveking (DAVID WANTS TO FLY) u.a. stehen unter Jean-Luc Godards Motto „Keine politischen Filme machen - Filme…
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4073 Film title_en
Back to Politics Film title_de
Back to Politics Original title
Back to Politics Long Description_en
The short films in BACK TO POLITICS by Schlingensief (FREAKSTARS 3000), David Sieveking (DAVID WANTS TO FLY) et al. embody Jean-Luc Godard's motto to ”not make political films, but make films politically.” The program was curated by Maike Mia Höhne (director of A SIMPLE LOVE and head of the “Berlinale Shorts” section)
“The short docs and fiction films are fun to watch.” (Zitty)
The compilation features these films:
Für Elise (Christoph Schlingensief); Der freie Mensch (Silvie Boisseau & Frank Westermeyer); Die amerikanische Botschaft oder Warum wir uns bewegen (David Sieveking); Ashley / Amber (Rebecca R. Rojer); Wasserschlacht (Kasia Klinkiewicz & Andrew Friedmann); Wie ich ein freier Reisebegleiter wurde (Jan Peters); Trotzdem Danke (Mischa Leinkauf & Matthias Wermke); Eure Kinder werden so wie wir (Andree Korpys & Markus Löffler); Aterfödelsen (Hugo Lilja); Was übrig bleibt (Fabian Daub & Andreas Gräfenstein)
"The films make you want to immediately go out on the streets and fight the powers that be.” (Die Zeit) Long Description_de
Die Kurzfilme in BACK TO POLITICS von Schlingensief (FREAKSTARS 3000), David Sieveking (DAVID WANTS TO FLY) u.a. stehen unter Jean-Luc Godards Motto „Keine politischen Filme machen - Filme politisch machen“. Das Programm wurde kuratiert von Maike Mia Höhne (Regisseurin von EINE EINFACHE LIEBE und Leiterin der Berlinale Sektion „Berlinale Shorts“)
„Diese kleinen Dokus und Spielfilme machen richtig Spaß.“ (Zitty)
Die Kompilation enthält die folgenden Kurzfilme:
Für Elise (von Christoph Schlingensief); Der freie Mensch (von Silvie Boisseau & Frank Westermeyer); Die amerikanische Botschaft oder Warum wir uns bewegen (von David Sieveking); Ashley / Amber (von Rebecca R. Rojer); Wasserschlacht (von Kasia Klinkiewicz & Andrew Friedmann); Wie ich ein freier Reisebegleiter wurde (von Jan Peters); Trotzdem Danke (von Mischa Leinkauf & Matthias Wermke); Eure Kinder werden so wie wir (von Andree Korpys & Markus Löffler); Aterfödelsen (von Hugo Lilja); Was übrig bleibt (von Fabian Daub & Andreas Gräfenstein)
"Es ist der Sound der Macht, gegen die man nach der Sichtung sofort auf die Straße gehen möchte." (Die Zeit) Year
1982-2011 Country
Germany
USA
Sweden Length
148 Age Recommendation
FSK 16 Primary Language Version
German Featuring
Christoph Schlingensief
Frank Westermeyer
Diane Coriano
Matthias Breitenbach
Jan Peters
Matthias Wermke
Andree Korpys
Markus Löffler
Jonatan Rodriguez
Emelie Jonsson
Lukasz Sadlon
Dorothea Arnold
Oliver Urbanski Director
Christoph Schlingensief
Silvie Boisseau & Frank Westermeyer
David Sieveking
Kasia Klinkiewicz & Andrew Friedmann
Jan Peters
Mischa Leinkauf & Matthias Wermke
Andree Korpys & Markus Löffler
Hugo Lilja
Fabian Daub & Andreas Gräfenstein Festivals
Berlinale; Hamburg International Short Film Festival; Kurzfilmtage Oberhausen; interfilm - Berlin International Short Film Festival; Clermont-Ferrand International Short Film Festival; Camerimage; Fantasy Filmfest Image label
Back to Politics - Christoph Schlingensief, Silvie Boisseau & Frank Westermeyer, David Sieveking, Kasia Klinkiewicz & Andrew Friedmann, Jan Peters, Mischa Leinkauf & Matthias Wermke, Andree Korpys & Markus Löffler, Hugo Lilja, Fabian Daub & Andreas Gräfen Related_film_SKUs
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Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker…
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3965 Film title_en
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna Film title_de
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna Original title
Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna Long Description_en
With SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL and ZEFIRO TORNA, pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker Jonas Mekas turns his camera ton two other New York artistic luminaries: Andy Warhol and Fluxus iniatiator George Macunias. The films are less traditional documentaries than loose, impressionistic everyday portraits.
Jonas Mekas is know for his rapid-fire diary films. His SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL chronicles not only the Pop Art pioneer and Factory master, but also the social and cultural excitement that swirled around him, throbbing to a hypnotic Velvet Underground beat. ZEFIRO TORNA shows “bits of Fluxus events and performances, and picnics with friends (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono, etc.), George’s wedding and footage I took of him in Boston hospital three days before he died.” (Jonas Mekas)
Includes these films:
Scenes From the Life of Andy Warhol, 1990, 35 min
Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias, 1992, 36 min Long Description_de
Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker Kunstzene der 1960er Jahre: Andy Warhol und Fluxus-Initiator George Macunias (John Lennon und Macunias'Fluxus-Kollegin Yoko Ono sind auch zu sehen). Die Filme sind weniger traditionelle Dokumentarfilme und vielmehr informelle, impressionistische filmische Portraits.
Jonas Mekas ist für schnelle Tagebuchfilme bekannt. Sein SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL ist nicht nur eine Chronik des Pop-Art-Pioniers und Factory-Meisters, sondern auch der ganzen Szene um ihn herum, von der aus aufregende kulturelle und gesellschaftliche Impulse ausgingen. Den treibenden Beat des Films liefert The Velvet Underground.
ZEFIRO TORNA zeigt „Fetzen von Fluxus-Events und -Performances, Picknicks mit Freunden (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono), Bilder von Georges Hochzeit und Aufnahmen, die ich drei Tage vor seinem Tod in einem Bostoner Krankenhaus gemacht habe.“ (Jonas Mekas)
Beinhaltet diese Filme
Scenes From the Life of Andy Warhol 1990 35 min
Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias 1992 36 min Year
1990/1992 Country
USA Length
74 Primary Language Version
English Featuring
Andy Warhol
George Macunias
Almus
John Lennon
Yoko Ono Director
Jonas Mekas Screenplay
Jonas Mekas Music
The Velvet Underground Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas Image label
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna Related_film_SKUs
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Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation…
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3966 Film title_en
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune Film title_de
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune Original title
Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune Long Description_en
Jonas Mekas is a pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker. This compilation of seminal short film works brings together Jonas Mekas' many forms of expression from the 1960s to 1980s. His subjects range from the movement and color of the bigtop to the media manipulation during the Vietnam War. At times funny, subversive, provacative, ironic, and fundamentally free, this panorama also shows us the sharp eye and acerbic wit that makes Jonas Mekas more than a filmmaker: a lover of life and people that he embraces with his camera, whose montages sing of eternity.
"Mr. Mekas' technique is to point his camera at whatever strikes his fancy and edit it later into a work in which certain visual motifs and moods emerge, with the formal structure kept loose and open-ended.The images fly by in a vertiginous blur until the camera stops to catch its breath and linger momentarily on a particular scene before the race resumes. These fragments have the impatient rhythm of someone trying to swallow the world in one ravenous gulp." (New York Times)
Films included:
Travel Songs 1967-1981, 25 min
Notes on the Circus 1966 12 min
Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min Long Description_de
Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation zeigt die Vielfalt seines filmischen Ausdruckes mit Werken aus den 60er bis 80er Jahren. Seine Sujets reichen von Farben und Bewegung beim Zirkus bis zu Medienmanipulation während des Vietnamkrieges. In allen Filmen sind ein kaustischer Witz und Mekas' scharfes Auge sichtbar.
„Mr. Mekas's Technik ist wie folgt: Er richtet seine Kamera auf etwas, das ihn interessiert und montiert die Aufnahmen zu einem Werk, in dem visuelle Motive und Stimmungen zum Vorschein kommen. Dabei bleibt die Form offen. Die Bilder verschwimmen zu einem schwindelerregenden Sog, bis die Kamera sich eine Atempause gönnt und für ein paar Momente bei einer bestimmten Szene verharrt. Danach beginnt der Wettlauf von Neuem. Diese Fragmente haben einen ungeduldigen Rhythmus, als ob jemand wie ausgehungert die ganze Welt auf einmal verschlingen möchte.“ (New York Times)
Das Programm einhaltet diese Filme:
Travel Songs 1967-1981, 25 min
Notes on the Circus 1966 12 min
Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min Year
1966-1981 Country
USA Length
41 Primary Language Version
English Director
Jonas Mekas Screenplay
Jonas Mekas Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel Image label
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune Related_film_SKUs
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GIVE CHANCE A CHANCE ist ein Porträt des Regisseurs und Künstlers Hans Richter. In Interviewpassagen und Filmausschnitten zeigt die Doku Richters wegweisende Arbeiten in abstrakter…
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3955 Film title_en
Hans Richter: Give Chance a Chance Film title_de
Hans Richter: Give Chance a Chance Original title
Donner une chance à la chance Long Description_en
GIVE CHANCE A CHANCE is a scripted documentary and interview with artist-sculptor-filmmaker-surrealist Hans Richter, showing his place in history and his pioneering work in abstract animation, visual music, Surrealist, Dada, agitprop and underground cinema. Richter is cited as an inspiration of “New American Cinema”.
In the film Hans Richter talks about his career, which started at the beginning of the 20th century: early experiments with the movie camera, association with the world of the Surrealists, conflict with the National Socialists in Germany, the origins of Dada, and the evolution of his own style in painting, drawing and collage. Many films clips and examples of his graphic work illustrate his themes: opposition of the Nazis, who saw that chaos in art was inimical to their own idea of a new world order; how Dada has affected Pop Art and "the new realism" in literature, music, painting, art and theater; the Bauhaus group and other contemporary artists from many fields - Jean Arp, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Darius Milhaud, Leger, Sergei Eisenstein, Man Ray.
Film excerpts include the famous GHOSTS BEFORE BREAKFAST (bowler hats flying in early trick photography); INFLATION (a collage-film response to the devastating German inflation of 1921); RHYTHMUS 21 (abstract designs to music, long before Disney's "Fantasia";, "Dreams That Money Can Buy"; "Dadascope" and "8 by 8" (a chess film made with Jean Cocteau). Long Description_de
GIVE CHANCE A CHANCE ist ein Porträt des Regisseurs und Künstlers Hans Richter. In Interviewpassagen und Filmausschnitten zeigt die Doku Richters wegweisende Arbeiten in abstrakter Animation, visueller Musik, surrealistischen sowie Dadaistischem Film, Agitprop und Underground. Richter gilt bis heute als einer der Wegbereiter des “New American Cinema”. Mit Interviews mit Richter selbst.
Richter erzählt in dem Film ausführlich über seine Karriere, die Anfang des 20. Jahrhunderts begann: frühe kinematografische Experimente, die Ursprünge des Dadaismus, Kollaborationen mit den Surrealisten, Konflikte mit den Nationalsozialisten und die Entwicklung seiner Anwendung von künstlerischen Ausdrucksformen wie Malerei, Zeichnung und Collage. Viele Beispiele vMany on Richters filmischen und grafischen Arbeiten illustrieren die wichtigsten roten Fäden in seinem Werk: Opposition gegen die Nazis, der Einfluss v Dada has affected Pop Art and "the new realism" in literature, music,on Dadaismus auf Pop Art auf den „neuen Realismus“ in Kunst und Theater; die Begegnungen mit der Bauhaus Gruppe und anderen Künstler vieler Disziplinen wie Jean Arp, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Darius Milhaud, Leger, Sergei Eisenstein, Man Ray.
Mit Filmausschnitten aus: VORMITTAGSSPUK (fliegende Melonenhüte durch Filmtrick), INFLATION (1921), RHYTHMUS 21 (abstract designs to music, long before Disney's "Fantasia"), "Dreams That Money Can Buy", "Dadascope" und "8 by 8" (ein Schachfilm, den Richter mit Jean Cocteau gemacht hat). Year
1973 Country
USA
France Length
28 Language_code
en:ove Director
John Musilli Screenplay
Stephan Chodorov Cinematography
Michael Livesey Editing
Robert Forte Miscellaneous_en
aka Give Chance a Chance - Un portrait de Hans Richter Miscellaneous_de
aka Give Chance a Chance - Un portrait de Hans Richter Image label
Hans Richter: Give Chance a Chance, John Musilli Related_film_SKUs
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Marie Losier, selbst renommierte Experimentalfilmemacherin, setzt ihre Reihe von Porträts von Avantgarde-Persönlichkeiten wie die Kuchar Brüder und Genesis Breyer P-Orridge fort mit…
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3950 Film title_en
Tony Conrad: DreaMinimalist Film title_de
Tony Conrad: DreaMinimalist Original title
Tony Conrad, DreaMinimalist Long Description_en
An acclaimed experimental filmmaker in her own right, Marie Losier continues her portrait series of avantgarde figures such as the Kuchar Brothers, Richard Foreman, Guy Maddin and Genesis Breyer P-Orridge & Lady Jaye Breyer with TONY CONRAD, DREAMINIMALIST. The pathbreaking minimalist artist-filmmaker-musician reminisces playfully about the 1960s New York underground scene, specifically his encounters with Jack Smith.
“In her very first film, [Marie Losier] slipped completely into the role of Joan of Arc, becoming one with her. Today she develops a razor sharp overlapping of the language of those portrayed with her own, which consists of uncompromising empathy and joy in the research. Marie Losier has managed to make the history of the underground alive again for her audience. Drawing on Brion Gysin’s Dream Machine, DREAMINIMALIST portrays an artist that always stages the boundaries of the medium – and they appear most perceptibly in low budget dreams.” (Stefanie Schulte Strathaus) Long Description_de
Marie Losier, selbst renommierte Experimentalfilmemacherin, setzt ihre Reihe von Porträts von Avantgarde-Persönlichkeiten wie die Kuchar Brüder und Genesis Breyer P-Orridge fort mit TONY CONRAD, DREAMINIMALIST. Der bahnbrechende Minimalist Musiker-Künstler-Filmemacher erinnert sich spielerisch an den New Yorker Underground 60er Jahre, insbesondere seine Begegnungen mit Jack Smith.
„In ihrem allerersten Film ist [Marie Losier] vollständig in die Rolle der Jeanne d'Arc geschlüpft, so dass Losier mit der Figur eins wurde. Heute dagegen überlappt ihre Sprache scharfsinnig mit der der Porträtierten; die kompromisslose Empathie und Freude an der Recherche werden dabei spürbar. Marie Losier ist es gelungen, die Geschichte des Undergrounds für ihr Publikum wieder lebendig zu machen. Beeinflusst von Brion Gysins Dream Machine zeigt DREAMINIMALIST einen Künstler, der immer die Grenzen des Mediums inszeniert – und diese sind in Low Budget Träumen am sichtbarsten.” (Stefanie Schulte Strathaus) Year
2008 Country
USA
France Length
25 Language_code
en:ove Featuring
Tony Conrad Director
Marie Losier Screenplay
Marie Losier Cinematography
Marie Losier Editing
Marie Losier Music
Tony Conrad Festivals
Berlinale; CPH:DOX Copenhagen; Buenos Aires Independent Film Festival Image label
Tony Conrad: DreaMinimalist, Marie Losier Related_film_SKUs
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In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score…
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3949 Film title_en
Tony Conrad: The Flicker Film title_de
Tony Conrad: The Flicker Original title
The Flicker Long Description_en
In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score that evokes the sound of a projector was composed and performed by Conrad on a self-built electronic musical instrument.
“The ultimate to date in the nonobjective film is Tony Conrad's THE FLICKER. It has only black and white frames... and the resulting strobe effect can cause the illusion of colour, of a spreading of light, and of lacy patterns. Seeing THE FLICKER will cause one person in every fifteen thousand to have an epileptic seizure.” (Sheldon Reynon, An Introduction To The American Underground Film)
“What?! THE FLICKER on video?!??! Tony says he likes it better...!“ (Re-Voir Blog) Long Description_de
In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score that evokes the sound of a projector was composed and performed by Conrad on a self-built electronic musical instrument.
“The ultimate to date in the nonobjective film is Tony Conrad's THE FLICKER. It has only black and white frames... and the resulting strobe effect can cause the illusion of colour, of a spreading of light, and of lacy patterns. Seeing THE FLICKER will cause one person in every fifteen thousand to have an epileptic seizure.” (Sheldon Reynon, An Introduction To The American Underground Film)
“What?! THE FLICKER on video?!??! Tony says he likes it better...!“ (Re-Voir Blog) Year
1965 Country
USA Length
30 Primary Language Version
English Director
Tony Conrad Cinematography
Tony Conrad Editing
Tony Conrad Music
Tony Conrad Festivals
Whitney Biennial; Harvard Film Archive; Tate Modern; Seattle Art Museum Image label
Tony Conrad: The Flicker Related_film_SKUs
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60 Jahre trennen Pornosternchen Jane und die 85-jährige Sadie: Und doch kommen sich ihre einsamen Seelen durch einen Flohmarkthandel näher. Vorsichtig nähern sie sich an, finden zu…
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3941 Film title_en
Starlet Film title_de
Starlet Original title
Starlet Long Description_en
Featuring exceptional debut performances by Dree Hemingway as Jane (great granddaughter of Ernest and daughter of Mariel) and 85 year-old newcomer Besedka Johnson as Sadie. Jane is an aspiring actress and Sadie a spirited, but lonely retiree who forge an unlikely bond, STARLET is a “A thrillingly good American movie." (New York Times)
"STARLET is a film that stays with you long after it's over." (Zitty) "A poetic meditation on loneliness and friendship." (New York Times)
STARLET explores the unlikely friendship between 21 year-old porn actress Jane (Dree Hemingway) and elderly widow Sadie (Besedka Johnson) after their worlds collide in California's San Fernando Valley. Jane spends her time getting high with her dysfunctional roommates and taking care of her chihuahua Starlet, while Sadie passes her days alone, tending to her garden. After a confrontation at a yard sale, Jane finds something unexpected in a relic from Sadie's past. Her curiosity piqued, she tries to befriend the caustic older woman. Secrets emerge as their relationship grows, revealing that nothing is ever as it seems. Long Description_de
60 Jahre trennen Pornosternchen Jane und die 85-jährige Sadie: Und doch kommen sich ihre einsamen Seelen durch einen Flohmarkthandel näher. Vorsichtig nähern sie sich an, finden zu einer ungewöhnlichen Freundschaft und stoßen auf sorgsam gehütete Geheimnisse. STARLET ist eine Indie-Charakterstudie, die an die Sternstunden von New Hollywood erinnert. „Ein Film, der noch lange nach dem Ende in Erinnerung bleibt." (Zitty)
Jane (Dree Hemingway) träumt von einer Schauspielkarriere und schlägt sich mit Auftritten in Pornos über Wasser. Sonst verbringt sie ihre Zeit mit Drogen und kümmert sich um ihr Chihuhua Starlet. Sadie (Besedka Johnson) ist eine alleinlebende Pensionärin, die nur ihren Garten hat. Dree Hemingway (Urenkelin von Schriftsteller Ernest und Tochter von Schauspielerin Mariel) spielt in diesem Film ihre erste Hauptrolle und Besedka Johnson stand zum ersten Mal überhaupt in ihrem Leben vor einer Kamera. Für die Darstellung der 85-jährigen Sadie wurde Johnson mit einer lobenden Erwähnung der SXSW-Jury ausgezeichnet und gewann der Film in Locarno den 1. Preis der Junioren Jury. Provokant, eindringlich, unberechenbar und warmherzig zeigt Regisseur Sean Baker die Geschichte einer Freundschaft. Year
2012 Country
USA Length
103 Age Recommendation
FSK 16 Primary Language Version
English Subtitles
German Featuring
Dree Hemingway
Besedka Johnson
Stella Maeve
James Ransone Director
Sean Baker Screenplay
Sean Baker
Chris Bergoch Cinematography
Radium Cheung Editing
Sean Baker Music
Manual Awards
Locarno: Junior Jury Award; South by Southwest Film Festival: Special Jury Award; Independent Spirit Awards: Robert Altman Award; Reykjavík International Film Festival: FIPRESCI Award; Hamptons International Film Festival: Breakthrough Performance (Dree Hemingway) Festivals
Festival Del Film Locarno; SXSW; Hamptons International Film Festival; Reykjavík International Film Festival; Oldenburg Filmfestival; Mar del Plata Film Festival; Warsaw Film Festival Image label
Starlet, Sean Baker Related_film_SKUs
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In seinem minutiös konstruierten Dokumentarfilm ROOM 237 geht Rodney Ascher verschiedenen ausgeklügelten Interpretationen von Stanley Kubricks Horrormeisterwek „Shining“ nach.…
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3938 Film title_en
Room 237 Film title_de
Room 237 Original title
Room 237 Long Description_en
In his intricately crafted doc ROOM 237, director Rodney Ascher explores the hidden meanings of Stanley Kubrick's classic horror movie “Shining”. Or is it all a big put-on? In any case, ROOM 237 will stimulate the senses and encourage debate. The “mesmerizing cine-essay” (Variety) played at festivals all over the world, from Sundance to Cannes.
Many movies lend themselves to dramatic interpretations, but none as rich and far ranging as Stanley Kubrick's “Shining“. In LA filmmaker Rodney Ascher's ROOM 237, we hear from people who have developed far-reaching theories and believe they have decoded the hidden symbols and messages buried in the late director's film. Carefully examining "Shining" inside out, and forwards and backwards, ROOM 237 is equal parts captivating, provocative and pure pleasure. It gives voice to the fans and scholars who espouse these theories, reworking the film to match their ideas and intercutting it with layers of dreamlike imagery to illustrate their streams of consciousness. Sometimes outrageous, always engaging, the words of the interviewees are given full force by Ascher's compelling vision. Long Description_de
In seinem minutiös konstruierten Dokumentarfilm ROOM 237 geht Rodney Ascher verschiedenen ausgeklügelten Interpretationen von Stanley Kubricks Horrormeisterwek „Shining“ nach. Oder ist es alles nur Fake? Jedenfalls feierte der New York Times ROOM 237 als „eine wahnsinnige Ode an die Liebe zum Film.“
Für die einen ist Stanley Kubricks Film „Shining“ ein Meilenstein des Horrorfilms, für die anderen ein Werk weit unter den Möglichkeiten des Meisterregisseurs. Dazwischen blühen Verschwörungstheorien von Leuten, die in dem 1980 veröffentlichten Klassiker geheime Botschaften vermuten. Fünf dieser etwas anderen Kubrick-Exegeten kommen in ROOM 237 zu Wort. Der Film gleicht ihre skurrilen Mutmaßungen mit Originalszenen aus SHINING ab – und geht noch weiter: Er dringt in ihre Köpfe ein und visualisiert ihre Bewusstseinsströme. Ein abgefahrener Trip durch ein Labyrinth ohne Ausgang, in dem die Grenzen zwischen Wirklichkeit und Fiktion fließend sind. Year
2012 Country
USA Length
102 Age Recommendation
FSK 16 Primary Language Version
English Subtitles
German Featuring
Bill Blakemore
Geoffrey Cocks
Tom Cruise
Nicole Kidman.
Juli Kearns
John Fell Ryan
Jay Weidner
Buffy Visick
Stanley Kubrick
Stephen King
Jack Nicholson
Shelley Duvall
Danny Lloyd
Scatman Crothers
Joe Turkel
Barry Nelson
Philip Stone
Keir Dullea
Martin Potter Director
Rodney Ascher Editing
Rodney Ascher Sound
Ian Herzon Music
William Hutson
Jonathan Snipes Awards
International Documentary Association: Best Editing; Austin Fantastic Fest : Best Director Festivals
Cannes Official Selection; Sundance; Festival Del Film Locarno; TIFF; Sitges Barcelona; Moscow IFF; New York Film Festival; BFI London Film Festival; Karlovy Vary International Film Festival; Chicago International Film Festival; Unknown Pleasures US Indie Festival Berlin Image label
Room 237, Rodney Ascher Related_film_SKUs
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BERBERIAN SOUND STUDIO, der zweite Spielfilm von Peter Strickland, ist eine Hommage an die italienischen „Giallo“-Filme der 70er Jahre, mit Verweisen auf Filme wie „Blow Up“…
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Berberian Sound Studio Film title_de
Berberian Sound Studio Original title
Berberian Sound Studio Long Description_en
BERBERIAN SOUND STUDIO by Peter Strickland is a mind-twisting homage to the Italian “giallo” horror flicks of the 1970's, with perception-questioning references to “Blow Up” and “Blow Out” thrown in. Toby Jones (“Tale of Tales”) stars as a meek English sound engineer hired to work on what he thinks is a film about horses. “Seriously weird and seriously good.” (Guardian)
In the 1970s, a British sound technician named Gilderoy (Toby Jones) is brought to Italy to work on the sound effects for a film. What he thought was a movie about horses turns out to be a gory horror flick. His nightmarish task slowly takes over his psyche, driving him to confront his own past. BERBERIAN SOUND STUDIO recreates in a highly original way the pleasures of Italian “giallo” horror cinema while at the same time deconstructing how movies shape perception of the world. The suitably creepy, gothic score was composed and performed by British electronica band Broadcast. Long Description_de
BERBERIAN SOUND STUDIO, der zweite Spielfilm von Peter Strickland, ist eine Hommage an die italienischen „Giallo“-Filme der 70er Jahre, mit Verweisen auf Filme wie „Blow Up“ und „Blow Out“, die hinterfragen, was der Zuschauer zu sehen gemeint hat. „Auf eine so stilvoll-gruselige Art hat man im Kino noch niemals nichts gesehen.“ (Frankfurter Rundschau)
BERBERIAN SOUND STUDIO spielt während der 70er Jahre im gleichnamigen italienischen Tonstudio, in dem vorwiegend Horrorfilme vertont werden. Der bekannte britische Toningenieur Gilderoy (Toby Jones), der sich als Fachmann für Naturdokumentationen einen Namen gemacht hat, soll auf Einladung des italienischen Regisseurs Santini an dessen neuestem Giallo-Film mitarbeiten. Dabei stößt der schüchterne und sensible Gilderoy nicht nur auf sprachliche und kulturelle Barrieren. Die kräftezehrende Arbeit in dem für ihn ungewohnten Genre verstört ihn zusehends, so dass er schließlich kaum mehr zwischen Realität und Fiktion unterscheiden kann.
Der unheimliche Soundtrack stammt von der britischen Elektronikband Broadcast. Year
2012 Country
UK Length
92 Age Recommendation
FSK 12 Primary Language Version
English Secondary Language Version
Italian Subtitles
German Featuring
Toby Jones
Tonia Sotiropoulou
Suzy Kendall
Fatma Mohamed
Chiara D'Anna
Cosimo Fusco
Susanna Cappellaro
Antonio Mancino
Guido Adorni Director
Peter Strickland Screenplay
Peter Strickland Cinematography
Nicholas D. Knowland Editing
Chris Dickens Sound
Joakim Sundström
Steve Haywood Music
Broadcast Awards
British Independent Film Awards: Best Director, Best Actor, Best Production, Best Technical Achievement (Sound); Locarno: Junior Jury Award - Special Mention; Sitges Barcelona: Critics' Award Festivals
Festival Del Film Locarno; TIFF; Sitges Barcelona; International Film Festival Rotterdam; CPH; New York Film Festival; Edinburgh Film Festival Image label
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