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A Low Life Mythology

Als 'intellectual burlesque' bezeichnet Lior Shamriz seinen Spielfilm LOW LIFE MYTHOLOGY, auf dem Achtung Berlin Festival aufgeführt und inspiriert von Pierre Menards Roman…

Von  batchUser vor 3 Wochen 0    | 32  
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4937
Film title_en
A Low Life Mythology
Film title_de
A Low Life Mythology
Original title
A Low Life Mythology
Long Description_en
Shot on location in Berlin in high-definition cinemascope, A LOW LIFE MYTHOLOGY is a contemporary love story in the heart of Europe, of two passionate young persons, whose sense of reality is too frequently mediated by a failure to ‘live in the moment’ and by computer screens. A love story between two videographers who mix life and art. So as a result their own works are capsules of momentary perspectives they had on their life. Mana, 28, originally from the fictional Kakabuka, lives in Berlin on a student visa she was granted to attend a technical film school she hates. She is a productive video artist, but most of the time she is stoned and gets herself kicked out of apartments faster than the seasons change. She productively makes her short videos, but never seems to care about showing them or taking care of a career. She is trapped in the tunnel connecting her art and her life. She meets Asten (22) at a boring house party, they have sex and fall in love and she immediately lets him into her life and into her work. A native Berliner who is in touch more with what he doesn't want than with the things he really wants. Their story takes place in the “in between”, never in the "now".
Long Description_de
Als 'intellectual burlesque' bezeichnet Lior Shamriz seinen Spielfilm LOW LIFE MYTHOLOGY, auf dem Achtung Berlin Festival aufgeführt und inspiriert von Pierre Menards Roman 'Nous, Maintenant, et la Lune n'existe pas' aus dem Jahre 1942. Offiziell studiert die 28-jährige Mana an einer Berliner Filmhochschule. Doch die Kurse besucht sie nur sporadisch, all ihre Energie fließt in ihre Filme. Sie ist Videokünstlerin und lebt in ihrer eigenen Welt, hat wenige soziale Kontakte und kifft viel. Auf einer langweiligen Party trifft sie den 22-jähigen Asten. Sie bleiben zusammen bis in die frühen Morgenstunden und landen schließlich im Bett. Asten weiß ziemlich genau, was er nicht möchte - dafür aber umso weniger, wo die Reise hingehen soll. Die Beziehung zu Mana ist künstlerisch produktiv, aber wie real ist ihr Liebe? Sie findet nie im Hier und Jetzt, sondern immer in einem Tunnel irgendwo dazwischen statt. "Nothing is serious, nothing is indispensable and nothing is definitive in these stories that travel from Berlin to Tel Aviv, where queer and cosmopolitan paradigms (a saturated, necessary but unavoidable cosmopolitism) come first." (Monica Delgado in desistfilm.com)
Year
2012
Country
Germany; Isreal; USA
Length
80
Age Recommendation
16
Featuring
Nina Fog; Johannes Henrdik Langer; Kirsten Burger;Imri Kahn; Katja Sallay; Lucas Confurius; Patrizia Cavaliere; Anton Garber
Director
Lior Shamriz
Screenplay
Pierre Menard (novel); Lior Shamriz
Cinematography
Marco Armborst
Editing
Lior Shamriz
Sound
Assaf Gidron; Jochen Jezussek
Music
Assaf Gidron
Awards
Preis der Nationalgalerie in Germany (nomination)
Festivals
Achtung Berlin New Berlin Film Award; Israel Film Festival Berlin; Thessaloniki International Film Festival
Production
Spektakulativ Pictures
Supported by
Berlin-Brandenburg Medienboard; The Bambi Foundation
Image label
A Low Life Mythology, Lior Shamriz, Berlin
full_film
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Neue Natur

In Robert Bramkamps Science-Doku-Fiction Mockumentary NEUE NATUR- ART GIRLS INTERN geht es um die Kraft der Phantasie für eine bessere Welt, um Medienkunst, Wissenschaft, das Potential einer…

Von  batchUser vor 5 Monaten 0    | 94  
SKU
3537
Film title_en
Neue Natur – Art Girls Intern
Film title_de
Neue Natur – Art Girls intern
Original title
Neue Natur – Art Girls intern
Long Description_en
Robert Bramkamp's NEUE NATUR- ART GIRLS INTERN is the docu-fictional companion piece to Robert Bramkamp's feature ART GIRLS. NEUE NATUR (New Nature) explores the power of imagination for a better world and how media art, science and the promise of collective storytelling impact the magic of a fairy tale coming true in a modern metropolis. GIRL.
Long Description_de
In Robert Bramkamps Science-Doku-Fiction Mockumentary NEUE NATUR- ART GIRLS INTERN geht es um die Kraft der Phantasie für eine bessere Welt, um Medienkunst, Wissenschaft, das Potential einer kollektiven Erzählung und um die Magie eines real werdenden Märchens in einer globalen Metropole. Darüber hinaus spielen das Internet, youtube, twitter und die chaotische Lovestory zwischen einem Mad Scientist und einem Art Girl eine entscheidende Rolle.
Year
2015
Country
Germany
Length
70
Age Recommendation
12
Primary Language Version
German
Featuring
Inga Busch; Peter Lohmeyer; Megan Gay; Jana Schulze; Christian Steyer
Director
Robert Bramkamp
Screenplay
Robert Bramkamp
Cinematography
Sebastian Egert
Editing
Janine Dauterich
Sound
Hubertus Müll
Production
IFF Hamburg; BRAMKAMPWEIRICH GBR in Koproduktion mit dem ZDF in Zusammenarbeit mit ARTE
Miscellaneous_en
Art Direction: Susanne Weirich
Miscellaneous_de
Art Direction: Susanne Weirich
Image label
Robert Bramkamp, Neue Natur Art Girls intern, Inga Busch, Peter Lohmeyer
full_film
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Pansy!

Der Dokumentarfilm PANSY! beleuchtet ein außergewöhnliche künstlerische Intervention im städtischen Raum: das Pansy Project, das gegen Homophobie mahnt und spielerisch mit…

Von  batchUser vor 6 Monaten 0    | 145  
SKU
4748
Film title_en
Pansy!
Film title_de
Pansy!
Original title
Les Pensées de Paul
Long Description_en
Artist Paul Harfleet’s family had always accepted his sexuality, but it was a different story outside the home. Like many young gay people, he regularly faced abuse. So he developed an artisitic work, the Pansy Project, to challenge homophobia and promote respect and tolerance. For 10 years, Harfleet has been travelling the world, meeting people and planting pansies at the site of homophobia. A single pansy to provoke consciousness, to encourage reflection, to prompt discussion in the public place. A poetic plant for a symbolic commemorative gesture. We follow Harfleet as he brings his Pansy Project to France for the first time. From Paris to Marseille, via Lille, Strasbourg and Avignon, Harfleet finds his own way with his flowers, goes searching for testimonies and exposes the prejudices and discrimination gay people in Europe still face.
Long Description_de
Der Dokumentarfilm PANSY! beleuchtet ein außergewöhnliche künstlerische Intervention im städtischen Raum: das Pansy Project, das gegen Homophobie mahnt und spielerisch mit Stereotypen umgeht. Das Pansy Project ist eine multimediale Konzeptarbeit, die von Paul Harfleet im Frühjahr 2005 entwickelt wurde. Damals hat er begonnen, Stiefmütterchen an Orten zu pflanzen, an denen er wegen seiner Homosexualität verbal oder tätlich angegriffen wurde. Er hat das Projekt allerdings bald allgemein auf Personen, die Opfer homophober Gewalt geworden sind, erweitert. Nach dem Pflanzen photographiert Paul Harfleet das Stiefmütterchen und versieht es mit einer Bildunterschrift, die den Ort und die Art des Angriffs wiedergibt. Auf diese Weise überdauert das Werk die Lebenszeit der vergänglichen Blumen.
Year
2015
Country
France
Length
68
Primary Language Version
English
Featuring
Paul Harfleet
Director
Jean-Baptiste Erreca
Screenplay
Lionel Bernard
Awards
KASHISH Mumbai International Queer Film Festival: Best Documentary
Festivals
Stockholm Filmfestival Junior
Image label
Pansy, documentary, Les Pensées de Paul, Paul Harfleet pansy project
full_film
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The Reach Of Resonance

Die visuell eindrucksvoll und innovative Musikdoku THE REACH OF RESONANCE porträtiert vier Musiker aus unterschiedlichen Teilen der Welt: Miya Masaoka, Jon Rose, John Luther Adams und Bob…

Von  batchUser vor 8 Monaten 0    | 100  
SKU
4742
Film title_en
The Reach Of Resonance
Film title_de
The Reach Of Resonance
Original title
The Reach Of Resonance
Long Description_en
Screened at the Louvre in Paris, the Tate Modern in London, the National Gallery in Washington, DC and the Museum of Fine Arts in Boston. THE REACH OF RESONANCE juxtaposes the creative paths of four musicians from different parts of the world. Among them are Miya Masaoka using music to interact with insects and plants; Jon Rose, utilizing a violin bow to turn fences into musical instruments in conflict zones ranging from the Australian outback to Palestine; John Luther Adams translating the geophysical phenomena of Alaska into music; and Bob Ostertag, who explores global socio-political issues through processes as diverse as transcribing a riot into a string quartet, and creating live cinema with garbage. After winning the Best Film Essay award at Montreal’s International Festival of Films on Art, THE REACH OF RESONANCE toured internationally and was screened at the Louvre in Paris, the Tate Modern in London, the National Gallery in Washington, DC and the Museum of Fine Arts in Boston.
Long Description_de
Die visuell eindrucksvoll und innovative Musikdoku THE REACH OF RESONANCE porträtiert vier Musiker aus unterschiedlichen Teilen der Welt: Miya Masaoka, Jon Rose, John Luther Adams und Bob Ostertag. Der Film ist eine Meditation über die Bedeutung der Musik und erforscht die Musik nicht als eine Form der Unterhaltung, sondern als ein Werkzeug, um die menschlichen Beziehungen und die Komplexität der Welt zu erklären. der Film wurde als besten Essayfilm beim International Festival of Films on Art Montreal ausgezeichnet und im Pariser Louvre, Tate Modern in London, National Gallery in Washington, DC und im Museum of Fine Arts Boston gezeigt.
Year
2010
Country
USA; Slovak Republic; Palestine; France; Czech Republic; Canada; Australia
Length
101
Primary Language Version
English
Featuring
Bob Ostertag; Miya Masaoka; Kronos Quartet; Jon Rose; John Luther Adams
Director
Steve Elkins
Cinematography
Steve Elkins
Editing
Steve Elkins; David Marks
Sound
Penny Harold
Awards
Temps D’Images Film Award Best Film Essay – International Du Film Sur L’Art
Festivals
Internationales Filmfestival Karlovy Vary; International Du Film Sur L’Art; Temps D’Images Festival; Beirut International Documentary Festival; Oxdox IFF
Miscellaneous_de
"This film will go straight into the canon of important works concerning art and its relationship to human existence." -Post Planetary
Image label
the reach of resonance, Bob Ostertag; Miya Masaoka; Kronos Quartet; Jon Rose; John Luther Adams
full_film
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Magicarena

Die Avantgarde-Theatermacher Fura dels Baus inszenieren Verdis Aida im Amphitheater von Verona - Performance trifft Kunst trifft Doku. Die Arena von Verona ist neben dem Kollosseum in Rom eines der…

Von  batchUser vor 9 Monaten 0    | 51  
SKU
4687
Film title_en
Magicarena
Film title_de
Magicarena
Original title
Magicarena
Long Description_en
Opera and theatre lovers will delight in this behind-the-scenes documentary portraying Italy's Verona Arena during the weeks leading up to a modern-day production of Verdi’s “Aida” in the arena’s breathtaking architecture. "The Verona Arena, a massive outdoor Roman amphitheater built in the first century, is one of the most magical performance venues in the world. Andrea Prandstraller and Niccolo Bruna's documentary MAGICARENA chronicles the creation of a recent production of Verdi's Aida, which was the first opera to be performed there upon its modern-day performance debut in 1913. MAGICARENA is a compelling fly-on-the-wall, behind-the-scenes portrait that should prove catnip to opera lovers. The film is a natural for specialized distribution, and should find even bigger audiences in home-video formats." (Hollywood Reporter) An enjoyable balance between life on stage and behind the scenes, private life and public show, sacred enactment and secular entertainment, MAGICARENA reveals the art of Opera like never seen before.
Long Description_de
Die Avantgarde-Theatermacher Fura dels Baus inszenieren Verdis Aida im Amphitheater von Verona - Performance trifft Kunst trifft Doku. Die Arena von Verona ist neben dem Kollosseum in Rom eines der größten noch erhaltenen Amphitheater. Die Doku MAGICARENA von Andrea Prandstraller und Noccolò Bruna schreibt die Chronik der Entstehung einer Opernaufführung von Verdis Aida in der Arena, von der ersten Skizze, der Planung bis zur Aufführung. Dabei beschäftigen sie sich gleichermaßen mit denen, die hinter der Bühne Kostüme nähen, Bauten erstellen, Requisiten hüten als mit den Solisten, dem Chor, dem Orchester. Aida, seit 1913 jährlich in dieser Kulisse aufgeführt, wird 100 Jahre später in MAGICARENA von der spanschen Performance- und Avant-Garde-Theater-Gruppe Fura dels Baus inszeniert, in einem radikalen Bruch der Opernkonventionen, die der Film kongenial umsetzt. Der eigentliche 'Star' des Films ist jedoch die atemberaubende Kameraführung von Andrea Treccani und Massimo Moschin, deren liquider, gleitender Stil in der Lage ist, die Akteure mit dem sie umgebenden Bau aus dem Jahr 30 nach Christus zu verbinden.
Year
2015
Country
Italy
Length
85
Age Recommendation
0
Primary Language Version
Italian
Subtitles
English
Director
Niccolò Bruna; Andrea Prandstraller
Festivals
Minneapolis St. Paul International Film Festival; Seattle International Film Festival; Beijing International Film Festival; Vancouver International Film Festival; FIPA; BIF&ST; Cairo International Film Festival; etc.
Production
Le Talee; K+
Supported by
Fondazione Arena di Verona
Image label
opera, verdi, Verona Arena, Aida, documentary, Italy
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Tardi - Schwarz auf Weiss

TARDI - SCHWARZ AUF WEISS ist ein originelles Porträt des französischen Comiczeichners Jacques Tardi, der zu den bedeutendsten Talenten seiner Zunft gehört. "Glücksfall einer…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 93  
SKU
4601
Film title_en
Tardi - Schwarz auf Weiss
Film title_de
Tardi - Schwarz auf Weiss
Original title
Tardi en noir et blanc
Long Description_en
TARDI - SCHWARZ AUF WEISS is a documentary portrait of French comic auteur Jacques Tardi, one of the world's most significant graphic novelists. "Fine example of a documentary that shows an artist at work." (Michael Baute, tip Magazine) Director Pierre-André Sauvageot followed Jacques Tardi for two years to create this intimate insight into Tardi's creative process: from his research into political and historical topics to the actual drawing of his graphic novel panels.
Long Description_de
TARDI - SCHWARZ AUF WEISS ist ein originelles Porträt des französischen Comiczeichners Jacques Tardi, der zu den bedeutendsten Talenten seiner Zunft gehört. "Glücksfall einer konzentrierten Dokumentation über künstlerische Schaffensprozesse." (Michael Baute, tip) Er ist einer der bedeutendsten Persönlichkeiten der zeitgenössischen Comic-Kunst: Jacques Tardi. Der Regisseur Pierre-André Sauvageot hat ihm zwei Jahre lang über die Schulter geschaut. Tardi arbeitete in dieser Zeit an dem Band »Killer stellen sich nicht vor« (Le petit bleu de la côte Ouest/2005) nach dem Roman von Jean-Patrick Manchette und an »Das Geheimnis des Würgers« (Le secret de l’étrangleur/2006), eine Pierre Siniac-Adaptation. Auch unabhängig von den konkreten Werken portraitiert der Film Tardi in den Wegen seiner Recherchen, seiner Art zu arbeiten. Ein thematischer Schwerpunkt des Films sind überdies die Aufzeichnungen des Vaters zu Krieg und Kriegsgefangenschaft. Tardi ist noch in den Anfängen ihrer künstlerischen Umsetzung, erläutert das geplante Erzählverfahren und spricht darüber, wie sehr ihn das Vorhaben herausfordert und was ihn gleichzeitig schon Jahre zögern lässt. Zur Sprache kommen auch die Erlebnisse des Großvaters aus dem I. Weltkrieg und ihr Nachhall im Band »Grabenkrieg«.
Year
2006
Country
France
Length
50
Language_code
fr:de
Featuring
Jacques Tardi
Director
Pierre-André Sauvageot
Cinematography
Pierre Demoy
Editing
Véronique Holley
Sound
Stéphane Kayler
Denis Tribalat
Music
freeBidou
Miscellaneous_en
Educational rights available.
Miscellaneous_de
Bildungsrechte verfügbar.
Image label
Tardi - Schwarz auf Weiss, Pierre-André Sauvageot
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Product_creation_date
22/02/2016
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tardi-schwarz-auf-weiss
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Der Fotograf vor der Kamera

Tizza Covi und Rainer Frimmel begleiten in DER FOTOGRAF VOR DER KAMERA den auch heute noch viel beschäftigen 90-Jährigen Fotografen Erich Lessing. Lessing hat mit seiner Kamera epochale…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 153  
SKU
4572
Film title_en
The Photographer In Front Of The Camera
Film title_de
Der Fotograf vor der Kamera
Original title
Der Fotograf vor der Kamera
Long Description_en
In THE PHOTOGRAPHER IN FRONT OF THE CAMERA, Tizza Covi and Rainer Frimmel accompany the still very active 90-year old photographer Erich Lessing. Lessing shot iconic photos of historical events in the mid-20th century such as the Hungarian Revolution. Photographer Erich Lessing documented contemporary history with his pictures. His photograph of Leopold Figl standing on the balcony of the Belvedere palace presenting the signed Austrian State Treaty in May 1955 has been forever etched in Austria’s collective memory. Lessing, a member of the legendary photographic agency Magnum, is one of the most important photojournalists of the post-war era: His pictures of the Hungarian Revolution are contemporary documents that are as artistic as his portraits of European politicians, such as Konrad Adenauer and Nikita Khrushchev. The documentary takes the time to focus on the details - as Lessing believes artistic photography must. Small gestures and brief glimpses give the film a special charm, such as when the great photographer, when tying his tie, laments that the Windsor knot has gone out of fashion, and the fact that he preserves his analogue photographs in a digital archive. The film invites its audience to view the works of this extraordinary artist in a new light as well.
Long Description_de
Tizza Covi und Rainer Frimmel begleiten in DER FOTOGRAF VOR DER KAMERA den auch heute noch viel beschäftigen 90-Jährigen Fotografen Erich Lessing. Lessing hat mit seiner Kamera epochale Ereignisse wie die ungarische Revolution von 1956 festgehalten. Der Fotograf Erich Lessing hat mit seinen Bildern Zeitgeschichte geschrieben. Mit seiner Aufnahme, die Leopold Figl im Mai 1955 mit unterzeichnetem Staats-vertrag am Balkon des Belvedere zeigt, hat er sich im kollektiven Gedächtnis Österreichs verewigt. Lessing, Mitglied der legendären Foto-Agentur Magnum, gehört zu den bedeutendsten Reportage-Fotografen der Nachkriegszeit: Seine Bilder vom Aufstand in Ungarn sind ebenso kunstvolle Zeitdokumente wie seine Porträtaufnahmen europäischer Politiker wie Konrad Adenauer und Nikita Chruschtschow. Der Film nimmt sich – wie Lessing es von der künstlerischen Fotografie einfordert – Zeit für Details: Es sind die kleinen Gesten und kurzen Momente, die diesem Film seinen besonderen Reiz verleihen, etwa wenn der große Fotograf beim Krawattenbinden dem vergessenen Windsor-Knoten nachtrauert und seine analogen Bilder im digitalen Archiv vor dem Verschwinden bewahrt. Eine gute Fotografie müsse zum Weiterdenken anregen, meint Lessing, und so lädt auch Der Fotograf vor der Kamera dazu ein, die Arbeit dieses außergewöhnlichen Künstlers mit neuen Augen zu betrachten.
Year
2014
Country
Austria
Length
75
Language_code
de:de,en
Featuring
Erich Lessing
Director
Tizza Covi
Rainer Frimmel
Screenplay
Tizza Covi
Rainer Frimmel
Cinematography
Rainer Frimmel
Editing
Emily Artmann
Sound
Manuel Grandpierre
Tizza Covi
Festivals
Diagonale Graz; Jüdisches Filmfestival Wien; Max Ophüls Preis Saarbrücken
Image label
Der Fotograf vor der Kamera
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Product_creation_date
22/01/2016
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Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke

Der Film KLANG AUS DEM FEUER erzählt die Geschichte einer Kirchenglocke. Gezeigt wird, wie durch kompetente Handwerksarbeit in sechs Monaten ein Kunstwerk entsteht - und gleichzeitig ein…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 22  
SKU
4547
Film title_en
Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke
Film title_de
Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke
Original title
Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke
Long Description_en
KLANG AUS FEUER (Sound From Fire) tells the story of how church bells are made. The documentary shows how it takes 6 months for skilled craftsmen to create these beautiful musical instruments - works of art in their own right. Bell casting is an archaic craft - an alchemic art and spectacular process that has remained unchanged for centuries. Glowing red-hot at 1100 degrees Celsius, the molten bronze metal flows from the furnace into the mold, as meter high flames shoot up. The staory starts in Varna, South Tyrol. The church steeple there has served the community for more than 400 years but it is in desperate need of repair. During the renovation, a new, small bell is integrated into the existing set of bells. The new bell was made by the bell caster Grassmayr, a handicraft business with South Tyrolean roots, casting bells of all sizes for four centuries. Engineer Peter Grassmayr is just as obsessed with bells as his forefathers were. He has searched across Europe to find ways of perfecting his craft.
Long Description_de
Der Film KLANG AUS DEM FEUER erzählt die Geschichte einer Kirchenglocke. Gezeigt wird, wie durch kompetente Handwerksarbeit in sechs Monaten ein Kunstwerk entsteht - und gleichzeitig ein Musikinstrument. Glockengießen: ein archaisches, über Jahrhunderte unverändertes, spektakuläres Ereignis. Wenn der glühende, 1100 Grad heiße, Bronzebrei aus dem Schmelzofen in die Form fließt, schießen die Flammen Meter hoch. Alles begann in Vahrn. Der Kirchturm wacht schon gut 400 Jahre über die Gemeinde und musste letzthin dringend renoviert werden. Im Zuge der Renovierung wurde eine neue, kleine Glocke in das bestehende Geläut eingefügt. Die neue Glocke wurde von der Glockengießerei Grassmayr gefertigt, einem Handwerksbetrieb mit Südtirolern Wurzeln, der seit vier Jahrhunderten Glocken aller Größen gießt. Ingenieur Peter Grassmayr ist von Glocken genauso besessen wie seine Vorväter. In ganz Europa hat er sich umgesehen, um die Methode des Glockengießens zu vervollkommnen.
Year
2013
Country
Austria
Length
46
Age Recommendation
FSK 0
Language_code
de
Featuring
Sprecher/narrator: Ludwig Dornauer
Director
Andreas Niederkofler
Screenplay
Kerstin Polenske
Lucia von Mörl
Editing
Christof Mekmayer
Sound
Werner Costabiei
Image label
Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke, Andreas Niederkofler, Grassmayr
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
15/12/2015
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Still I Strive

STILL I STRIVE ist ein Dokudrama über wie ein Waisenhaus in Kambodscha Theaterspielen einsetzt, um traumatisierte Kinder zu heilen. Es ist eine Geschichte der Transzendenz durch Mitgefühl,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 37  
SKU
4540
Film title_en
Still I Strive
Film title_de
Still I Strive
Original title
Still I Strive
Long Description_en
STILL I STRIVE is docudrama about an orphanage in Cambodia that uses the performing arts to help heal traumatized children. It is a story of transcendence through compassion, unity and hope. ““A remarkable find, a tale of uplift in a too-little-seen environment.” (New York Times). The NACA orphanage in Phnom Penh, work to achieve one of the highest honors in Cambodian society, to perform before the Princess Bopha Devi. The children's epic performance is recreated as a cinematic adventure that parallels their harrowing backstories. "The directors elevate the picture to a level of emotional genius by filming the children's play as a full-on cinematic adaptation, shot and edited with seriousness and polish." (Village Voice) “Thrilling….Gorgeous….A marvelously imaginative conceit that transforms [the] documentary into the realm of art.” (Hollywood Reporter) At one orphanage in Phnom Penh, Cambodia, the performing arts are the path to healing and transformation. Guided by their matriarch Peng Phan, a renowned actress in her own right, the children aspire to achieve one of the highest honors in Cambodian society, to perform in front of Princess Bopha Devi as a symbol of their culture and heritage. Interspersed throughout the documentary are narrative film sequences featuring the children as actors. With an epic battle at the opening, a chase scene through the forest, horror sequences, and melodrama, the narrative parallels the documentary of the children’s tragic back stories. By weaving facts with fiction, reality with dreams, the film reveals where these lines ultimately merge by its conclusion. The journey mirrors the travails of the nation as it struggles to leave behind the unprecedented destruction of human dignity, the tragic legacy of the Khmer Rouge era. Together, they learn to overcome the past and pave the way to the future by being faithful to the present.
Long Description_de
STILL I STRIVE ist ein Dokudrama über wie ein Waisenhaus in Kambodscha Theaterspielen einsetzt, um traumatisierte Kinder zu heilen. Es ist eine Geschichte der Transzendenz durch Mitgefühl, Einheit und Hoffnung. „Eine bemerkenswerte Entdeckung... Eine inspirierende Geschichte aus einer zu selten gezeigten Welt.“ (New York Times) In einem Waisenhaus in Phnom Penh, Kambodscha, sind die darstellenden Künste der Weg zur Heilung und Transformation. Leiterin Peng Phan, erarbeitet mit den Kindern Spielszenen, in denen die traumatiscen Folgen der Herrschaft des Roten Khmer verarbeitet werden können. selbst eine anerkannte Schauspielerin geführt wird. Die Kinder arbeiten außerdem auf großes Ziel hin: vor der Princess Bopha Devi eine Aufführung zu machen. Im Dokumentarfilm sind narrative Filmsequenzen mit den Kindern als Hauptdarstellern verwebt.
Year
2012
Country
Cambodia
USA
Length
91
Language_code
en
Featuring
Chamruoen Chhat
Cham Heng
Chham Heng
Director
Adam Pfleghaar
A. Todd Smith
Screenplay
Adam Pfleghaar
A. Todd Smith
Cinematography
Adam Pfleghaar
Editing
A. Todd Smith
Music
Michael Reola
Festivals
Pusan International Film Festival
Miscellaneous_en
aka Yeng Nov The Pyeayeam
Miscellaneous_de
aka Yeng Nov The Pyeayeam
Image label
Still I Strive, Adam Pfleghaar, A. Todd Smith , Still I Strive
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
15/12/2015
URL_key
still-i-strive
URL_path
still-i-strive.html
full_film
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Die Mühle und das Kreuz

Rutger Hauer („Blade Runner“) und Michael York („Cabaret“) spielen die Hauptrollen in dem Drama DIE MÜHLE UND DAS KREUZ um Liebe, Glaube und Gewalt. Regisseur Lech…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 621  
SKU
4221
Film title_en
The Mill and the Cross
Film title_de
Die Mühle und das Kreuz
Original title
The Mill & the Cross
Long Description_en
THE MILL & THE CROSS is a costume drama film directed by Lech Majewski and starring Rutger Hauer, Charlotte Rampling and Michael York. It is inspired by Pieter Bruegel the Elder's 1564 painting The Procession to Calvary, and based on Michael Francis Gibson's book. THE MILL & THE CROSS premiered at Sundance. "A film of great beauty and attention." (Roger Ebert) "In this lush and hypnotic examination of a painter's work and the times in which he lived, Mr. Majewski presents an extended contemplation of the creative process itself." (New York Times) Pieter Bruegel’s epic masterpiece painting The Way To Calvary depicts the story of Christ’s Passion set in Flanders under brutal Spanish occupation in the year 1564, the very year Bruegel created his painting. From among the more than five hundred figures that fill Bruegel’s remarkable canvas, THE MILL & THE CROSS focuses on a dozen characters whose life stories unfold and intertwine in a panoramic landscape populated by villagers and red-caped horsemen. Among them are Bruegel himself, his friend and art collector Nicholas Jonghelinck, and the Virgin Mary. (Silesia Film)
Long Description_de
Rutger Hauer („Blade Runner“) und Michael York („Cabaret“) spielen die Hauptrollen in dem Drama DIE MÜHLE UND DAS KREUZ um Liebe, Glaube und Gewalt. Regisseur Lech Majewski kreiert atemberaubende Bildkompositionen nach „Die Kreuztragung Christi“ des Malers Pieter Bruegel. "A film of great beauty and attention." (Roger Ebert) Im Jahr 1564 erhält Pieter Bruegel den Auftrag, die Kreuztragung Christi zu malen. Bruegel verortet die Passionsgeschichte nicht im Heiligen Land, sondern in seiner flämischen Heimat und malt Müller und Bauern, die unter der spanischen Inquisition leiden. Virtuos erweckt der Regisseur Bruegels Bild zum Leben. Jede einzelne Szene mit seiner detailgenauen Ausstattung und kunstvollen Licht- und Farbkomposition wirkt wie ein Gemälde der niederländischen Renaissance. Ein Filmkunstwerk.
Year
2011
Country
UK
SE
PL
Length
91
Age Recommendation
FSK 12
Primary Language Version
English
Subtitles
German
Language_code
en:de
Featuring
Rutger Hauer
Michael York
Charlotte Rampling
Director
Lech Majewski
Screenplay
Michael Francis Gibson
Lech Majewski
Cinematography
Lech Majewski
Adam Sikora
Editing
Eliot Ems
Norbert Rudzik
Music
Lech Majewski
Józef Skrzek
Festivals
IFF Cottbus, Sundance Film Festival, Rotterdam Film Festival, Gothenburg Film Festival
Production
Lech Majewski
Angelus Silesius
Arkana Studio
Piramida Film
Telewizja Polska
Freddy Olsson
Bokomotiv Filmproduktion
Odeon Studio
Silesia Film
24 Media
Supra Film
Supported by
Polish Film Institute
Agnieszka Odorowicz
Image label
Die Mühle und das Kreuz, Lech Majewski
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Product_creation_date
12/02/2015
URL_key
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URL_path
die-muhle-und-das-kreuz-goodmovies.html
full_film
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Between Insanity and Beauty – The Art Collection of Dr. Prinzhorn

Paul Klee oder Max Ernst interessierten sich für sie: die bildnerischen Werke von Psychiatrie-Patienten. Die Sammlung Prinzhorn ist die weltweit bedeutendste Sammlung solcher Gemälde und…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 292  
SKU
4217
Film title_en
Between Insanity and Beauty – The Art Collection of Dr. Prinzhorn
Film title_de
Zwischen Wahnsinn und Kunst - Die Sammlung Prinzhorn
Original title
Zwischen Wahnsinn und Kunst: Die Sammlung Prinzhorn
Long Description_en
Paul Klee and Max Ernst were fascinated by the visual works of psychiatric patients. The Prinzhorn Collection is the world's largest collection of such paintings. Christian Beetz explores the collection in his award-winning documentary BETWEEN INSANITY AND BEAUTY - THE PRINZHORN COLLECTION. Beetz takes the audience on a journey through the archives of the Prinzhorn Collection, which since its inception in the early 1920s, has had a lasting impact on psychiatric and therapeutic practice. Even artists such as Klee, Ernst and the Surrealist movement were inspired by "the art of the insane." The documentary follows the lives of two mentally ill patients and tries to define today's definition of art and mental illness.
Long Description_de
Paul Klee oder Max Ernst interessierten sich für sie: die bildnerischen Werke von Psychiatrie-Patienten. Die Sammlung Prinzhorn ist die weltweit bedeutendste Sammlung solcher Gemälde und wird in Christian Beetz’ preisgekrönter Doku erforscht. Beetz nimmt das Publikum auf eine Entdeckungsreise durch die Archive der Sammlung, die seit ihrem Entstehen Anfang der 1920er Jahre nachhaltigen Einfluss auf die psychiatrische und therapeutische Praxis ausgeübt hat. Auch Künstler wie Klee oder Ernst oder die surrealistische Bewegung begeisterte die »Irrenkunst«. Doch die Doku widmet sich auch der Gegenwart. Sie begleitet zwei psychisch erkrankte Patienten-Künstler und formuliert die Frage nach der heutigen Definition von Kunst und Krankheit.
Year
2007
Country
Germany
Length
75
Age Recommendation
FSK 6
Primary Language Version
German
Subtitles
English
Featuring
narrators/Sprecher/narrateurs: Angela Winkler
Thomas Thieme
Director
Christian Beetz
Screenplay
Christian Beetz
Cinematography
Matthias Schellenberg
Stefan Grandinetti
Jörg Jeshel
Editing
Lars Späth
Sound
Philipp Weigold
Maximilian Preiss
Music
Jan Tilman Schade
Awards
Adolf-Grimme-Preis
Festivals
One World Berlin Human Rights Film Festival
Production
Gebrüder Beetz Filmproduktion
SWR
arte
ZDF-dokukanal
Supported by
MFG Medien- und Filmgesellschaft Baden Württemberg
MEDIA-Development
Volkswagen Stiftung
Image label
Zwischen Wahnsinn und Kunst - Die Sammlung Prinzhorn, Paul Klee, Max Ernst
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Product_creation_date
12/02/2015
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Unter Schnee

Die renommierte bildende Künstlerin Ulrike Ottinger befasst sich in ihrem Film UNTER SCHNEE, einer Mischung aus Spiel- und Dokumentarfilm, mit den drei Elementen Kabuki, Poesie und Wirklichkeit…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 152  
SKU
4183
Film title_en
Under Snow
Film title_de
Unter Schnee
Original title
Unter Schnee
Long Description_en
Renowned German visual artist Ulrike Ottinger explores Kabuki, poetry and reality in the half documentary, half fictional UNDER SNOW. “Fairytale-like filmic trip.” (Tagesspiegel) In Echigo in Japan the snow often lies several feet deep well into May, covering landscape and villages. Over the centuries the inhabitants have organized their lives accordingly. In order to record their very distinctive forms of everyday life, their festivals and religious rituals Ulrike Ottinger journeyed to the mythical snow country – accompanied by two Kabuki performers. Taking the parts of the students Takeo and Mako they follow in the footsteps of Bokushi Suzuki who in the mid-19th century wrote his remarkable book "Snow Country Tales". These three elements: Kabuki (the classical Japanese dance-theater), poetry and the reality of the Snow Country combine with the music of Yumiko Tanaka to make a visually striking and moving film. “Half a documentary about the Japanese region's traditions, half a cinematic narrative about tales, myths and legends and the overwhelming beauty of snow.” (Der Tagesspiegel)
Long Description_de
Die renommierte bildende Künstlerin Ulrike Ottinger befasst sich in ihrem Film UNTER SCHNEE, einer Mischung aus Spiel- und Dokumentarfilm, mit den drei Elementen Kabuki, Poesie und Wirklichkeit des japanischen Schneelandes Echigo. „Märchenhafter Filmtrip.“ (Der Tagesspiegel) Im japanischen Echigo liegt der Schnee oft bis in den Mai hinein meterhoch und bedeckt Landschaft und Dörfer. Seit Jahrhunderten haben sich die Bewohner darauf eingerichtet. Um ihre ganz eigenen Formen des Alltags, der Feste und religiösen Rituale festzuhalten, hat sich Ulrike Ottinger ins mythische Schneeland begeben – und mit ihr zwei Kabuki-Darsteller. In den Rollen der Studenten Takeo und Mako folgen sie den Spuren Bokushi Suzukis, der Mitte des 19. Jahrhunderts sein außergewöhnliches Buch »Schneeland Symphonie« verfasste. Die drei Elemente Kabuki (das traditionelle japanische Theater), Poesie und Wirklichkeit des Schneelandes verbinden sich mit der Musik von Yumiko Tanaka zu einem bildkräftigen und bewegenden Film. "Halb Dokumentarfilm über die Sitten und Gebräuche des japanischen Landstrichs, halb Filmerzählung über Sagen, Mythen, Legenden und die überwältigende Schönheit von Schnee." (Der Tagesspiegel) „Ulrike Ottingers Werk besticht in seiner schönen Verknüpfung von Ernsthaftigkeit und Heiterkeit, von Strenge und Poesie, von Epos und Leichtigkeit, von Mythos und Geschichte, von Tradition und Moderne.“ (Die Welt)
Year
2011
Country
Germany
Length
103
Age Recommendation
FSK 0
Primary Language Version
German
Featuring
Narrator/Sprecherin Eva Mattes
Director
Ulrike Ottinger
Screenplay
Ulrike Ottinger
Cinematography
Ulrike Ottinger
Editing
Bettina Blickwede
Sound
Andreas Mücke-Niesytka
Music
Yumiko Tanaka
Festivals
Créteil International Women's Film Festival; New Horizons Film Festival Wroclaw
Image label
Unter Schnee, Ulrike Ottinger, Echigo, Japan
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Product_creation_date
13/05/2015
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Mandala

Der Dokumentarfilm MANDALA zeigt die Präsentation des geheimnisvollen buddhistischen Rituals anläßlich der Ruhrtriennale. Als Kunstereignis entsteht in der Bochumer Jahrhunderthalle…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 63  
SKU
4173
Film title_en
Mandala
Film title_de
Mandala
Original title
Mandala
Long Description_en
The documentary MANDALA shows how the enigmatic Buddhist ritual is presented as an art event, at the Ruhrtriennale cultural festival in Bochum, Germany. There the world's largest sand mandalas are created – and destroyed. Eastern spirituality meets Western post-industrialism. The documentary MANDALA by Christoph Hübner and Gabriele Voss is a contemplative yet intense film that shows the creation and destruction of the world's largest sand mandalas, circular spiritual and ritual symbols in Hinduism and Buddhism, representing the Universe. This ritual was performed as an art event in the context of the Ruhrtriennal festival in Bochum, Germany. Bochum lies in the Ruhr district which was formerly the center of Germany's heavy industry and now is undergoing a profound process of deindustrialization, with many factory and plants disused or retooled to fulfill new purposes. MANDALA follows six Buddhist monks from Bhutan as they travel to Bochum to sculpt finest colored sand into a Chakrasamvara Sandmandala, measuring an awesome five times five meters. Hübner and Voss succeed at giving unique insight into otherwise unseen spiritual rituals and tell a moving story of cross-cultural understanding.
Long Description_de
Der Dokumentarfilm MANDALA zeigt die Präsentation des geheimnisvollen buddhistischen Rituals anläßlich der Ruhrtriennale. Als Kunstereignis entsteht in der Bochumer Jahrhunderthalle der weltgrößte Sandmandala - und werden zerstört. Eine Ost-West-Begegnung der außergewöhnlichen Art. Regisseure Christoph Hübner und Gabriele Voss zeigen in großer Ruhe und Eindringlichkeit die Entstehung und Zerstörung des bisher weltgrößten Sandmandalas in der Bochumer Jahrhunderthalle zur Ruhrtriennale 2011. Traditionell werden Sandmandalas, kreisförmige symbolische Schaubilder für das Universum, zu bestimmten rituellen Anlässen in Klöstern gestreut und sind der Öffentlichkeit kaum zugänglich. Hübner und Voss gewähren seltenen Einblick in diese geheimnisvollen Rituale und begleiten buddhistische Mönche während ihres Deutschlandaufenthalts. Eine Industriehalle im Ruhrgebiet. Sechs Mönche aus Bhutan. Farbiger Steinstaub aus dem Himalaya. Mehr als 1000 Jahre alte Texte. Bilder von Gottheiten, Palästen, Gärten und Geistern. Ein Chakrasamvara Sandmandala. Fünf mal fünf Meter. Ein Fußballspiel. Ein Gewitterregen. Zehn Tage Arbeit. Zehn Minuten Zerstörung. Ein Industriefluss bei Nacht. Werden und Vergehen.
Year
2012
Country
Germany
Length
69
Age Recommendation
FSK 0
Language_code
en:de
Featuring
Lopen Ugyen Dorgji
Lopen Namgay Wangchuk
Lopen Sonam Tobgay
Lopen Phurba
Lopen Jamyang
Lopen Gembo Dorgji
Director
Christoph Hübner
Screenplay
Christoph Hübner
Cinematography
Christoph Hübner
Editing
Gabriele Voss
Sound
Gabriele Voss
Festivals
DokuArts
Image label
Mandala, Christoph Hübner, Documentary
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Product_creation_date
30/04/2015
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Séraphine

Mit SÉRAPHINE gelang Martin Provost ein überzeugendes Porträt der wichtigen, aber immer noch weitgehend unbekannten Künstlerin der „Naiven Kunst“, Séraphine…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 57  
SKU
4014
Film title_en
Séraphine
Film title_de
Séraphine
Original title
Séraphine
Long Description_en
Multiple César-winning biopic SERAPHINE stars Yolande Moreau as an uneducated and devout housekeeper who at night creates boldly original paintings. Séraphine de Sennlis is now considered one of France's most significant naive painters. “Vivid, satisfying fact-inspired drama.” (Variety) Séraphine Louis aka Séraphine de Senlis (Yolande Moreau) worked as a cook and housekeeper in an affluent French country home in the early 1900s. In her off-hours Séraphine painted pictures of her rural environment. Having only the scantest materials at hand, she created pigments from elements such as animal blood, oil from church candles, and earth. In 1912 Wilhelm Uhde (Ulrich Tukur), a German art critic and collector, discovered the self-taught artist's paintings while she worked for him as a maid in his lodgings in Senlis outside Paris. Director Martin Provost builds his story around the relationship between the avant-garde art dealer and the visionary domestic, forging a testament to the the mysteries of creativity, and to the resilience of one woman’s spirit.
Long Description_de
Mit SÉRAPHINE gelang Martin Provost ein überzeugendes Porträt der wichtigen, aber immer noch weitgehend unbekannten Künstlerin der „Naiven Kunst“, Séraphine Louis. In Frankreich avancierte das Künstlerportrait mit Yolande Moreau zum Publikumsliebling und gewann sieben Césars. 1912 zieht der deutsche Kunstsammler Wilhelm Uhde in das Städtchen Senlis, um sich dem Schreiben zu widmen und sich vom hektischen Leben in Paris zu erholen. Als Haushälterin stellt er die widerborstige und unscheinbare Séraphine ein. Eines Tages entdeckt er bei Nachbarn ein kleines auf Holz gemaltes Bild, das ihn sogleich fasziniert. Zu seiner großen Überraschung stellt sich heraus, dass das Bild von seiner Haushälterin Séraphine gemalt worden ist. Von den unkonventionellen Werken begeistert, beschließt der Kunstkenner Uhde, der als Entdecker von Picasso und Rousseau gilt, die eigenwillige und von ihren Mitmenschen belächelte Séraphine zu fördern. Yolande Moreau (LOUISE HIRES A CONTRACT KILLER) wurde für ihre zu Recht gefeierte Interpretation der Séraphine mit dem César für die Beste Hauptdarstellerin ausgezeichnet. „Magnetische Präsenz: Ulrich Tukur!“ (Süddeutsche Zeitung)
Year
2008
Country
France
Belgium
Length
120
Age Recommendation
FSK 6
Language_code
de;fr:ove
Featuring
Yolande Moreau
Ulrich Tukur
Anne Bennent
Geneviève Mnich
Nico Rogner
Adélaïde Leroux
Serge Larivière
Françoise Lebrun
Director
Martin Provost
Screenplay
Martin Provost
Marc Abdelnour
Cinematography
Laurent Brunet
Editing
Ludo Troch
Music
Michael Galasso
Awards
César: Best Film, Best Actress, Best Original Screenplay, Best Cinematography, Best Score, Best Costumes, Best Art Direction; European Film Award: Nomination Best Actress; Cairo International Film Festival: Best Actress
Festivals
Toronto IFF; Cairo International Film Festival; Edinburgh International Film Festival; Seattle International Film Festival
Image label
Séraphine, Yolande Moreau, Martin Provost
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Product_creation_date
23/02/2015
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Unter Kontrolle

Der Dokumentarfilm UNTER KONTROLLE von Volker Sattel bietet einmalige Einsichten in das Innenleben von Atomkraftwerken. Der Film hatte einen Monat vor der Katastrophe in Fukushima Premiere.…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 174  
SKU
3970
Film title_en
Under Control
Film title_de
Unter Kontrolle
Original title
Unter Kontrolle
Long Description_en
The documentary UNDER CONTROL by Volker Sattel was eerily prescient – the film is a clinical examination of the architecture and inner workings of nuclear power plants around Central Europe, in pristine, meticulously composed CinemaScope images without narration. The film premiered a month before the accident in Fukushima. “The film’s mechanical dreaminess recalls the work of unsubtle, sci-fi auteurs (the crest of Kubrick’s hard-on for the geometrically spacey shows in the nearly erotic pans over the massive, concentric design of the various towers and their entrails), but its planate aesthetic and no-nonsense monologue have more in common with poetic if unemotional renderings of hot-button issues (cf. Gus Van Sant’s “Elephant”)” (Slant) Shot over two years, UNDER CONTROL unfolds a panorama of the ‘peaceful’ use of atomic energy in Germany. By a wide view, this documentary makes the real challenges and incredible efforts visible and shows what nuclear power demands from the humankind. The documentary does not tell the control of the nuclear fission process as a chronological plot but provides a prism of places and sites that not only refracts the scenes of the German atomic age but reflects beyond the current situation. Through a look at a technology that was once used as a synonym of progress also opens up a piece of historical civilization.
Long Description_de
Der Dokumentarfilm UNTER KONTROLLE von Volker Sattel bietet einmalige Einsichten in das Innenleben von Atomkraftwerken. Der Film hatte einen Monat vor der Katastrophe in Fukushima Premiere. „Zeigt die Atomenergie als Technik der Vergangenheit - mit nüchternem Blick und epischem Atem. Er agitiert nie, gibt aber umso mehr Reflexionsmaterial an die Hand.“ (Bert Rebhandl, taz) Der Traum von einer sorgenfreien, sauberen Atomkraft ist ausgeträumt. Der tiefe Glaube an den unaufhaltsamen technischen Fortschritt ist nachhaltig erschüttert. Was passiert wirklich hinter den Mauern der Kernkraftwerke? UNTER KONTROLLE macht das Unsichtbare sichtbar: Drei Jahre arbeitete Regisseur Volker Sattel an UNTER KONTROLLE. Er besuchte deutsche Atomkraftwerke und konnte – noch unbelastet von kommenden Ereignissen wie Fukushima – unglaubliche Einblicke gewinnen. UNTER KONTROLLE zeigt in Cinemascope mit außergewöhnlicher Kraft und Klarheit den Mensch als irritierendes Fremdteilchen in der von ihm selbst geschaffenen Welt. Die Kamera erfasst die Menschen an ihren Arbeitsplätzen, an denen sie scheinbar selbstverständlich mit der gefährlichsten Materie der Welt umgehen. Es sind Bilder, die die monströse Technik sichtbar machen – zwischen Science-Fiction und alltäglichem Wahnsinn. Dabei schafft der Film die Transformation von der einstigen Utopie der „friedlichen Nutzung“ der Atomkraft über das Heute ins Morgen. Werden wir tatsächlich so einfach aus dieser Technologie aussteigen können? Welches Erbe hinterlassen wir künftigen Generationen? Die Diskussion ist nicht zu Ende, sie fängt gerade erst an.
Year
2011
Country
Germany
Length
98
Age Recommendation
FSK 0
Language_code
de:ove
Director
Volker Sattel
Screenplay
Volker Sattel
Stefan Stefanescu
Cinematography
Volker Sattel
Editing
Stephan Krumbiegel
Volker Sattel
Sound
Tim Elzer
Nikolaus Woernle
Filipp Forberg
Awards
FBW-Prädikat: besonders wertvoll; Deutscher Kamerapreis: Bester Dokumentarfilm; DOK.fest München: Bester Film
Festivals
Berlinale; DOK.fest München; Jihlava International Documentary Film Festival; BAFICI - Buenos Aires Film Festival; European Media Art Filmfestival Osnabrück; Jeonju International Film Festival; festival des Deutschen Films Ludwigshafen; Filmkunstfestival MV Schwerin
Image label
Unter Kontrolle, Volker Sattel, Stefan Stefanescu
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Product_creation_date
15/10/2015
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Jürgen Reble: Passion

Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs „Schmelzdahin“, untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 18  
SKU
3964
Film title_en
Jürgen Reble: Passion
Film title_de
Jürgen Reble: Passion
Original title
Passion
Long Description_en
Self-styled “film alchemist” Jürgen Reble, formerly a member of German experimental cinema collective “Schmelzdahin”, explores the material quality of celluloid film by subjecting found footage and his own footage to natural and chemical processes. The result is a film such as PASSION. Deconstruction on the organic level, the visible damage becomes uniquely beautiful when projected on the screen. “PASSION is a film diary in which Reble accompanies his unborn child through the year, following the seasons until his birth. Reble's unfamiliar chemistry generates slowly pulsating structures and colors. Micro and macroscopic imagery build a near abstract, hypnotic landscape - an intimate perception of creation.” (Light Cone Video) "The basic idea is that it is impossible to fix film. Film is something which is always in a state of flux... The images which are "real" in the beginning gradually disintegrate, and the gelatine laye, where the chemicals are lodged, dissolves. All that's left in the end is the 'raging of the elements'..." (Jürgen Reble)
Long Description_de
Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs „Schmelzdahin“, untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür Found Footage und eigene Aufnahmen natürlichen und chemischen Zersetzungsprozessen aus. Daraus resultieren Filme wie PASSION, in denen die sichtbar gemachten Schäden durch die Projektion eine einzigartige Schönheit entfalten. „In einer Art Filmtagebuch werden Ereignisse des täglichen Lebens gesammelt und in Beziehung zu archaisch-evolutionären Bildern gesetzt. Dabei verwebt sich Mikrokosmisches, speziell das Heranwachsen eines Embryos, mit Makrokosmischem. Die Grenzen verwischen durch chemische Zersetzungsprozesse in der Filmemulsion. Es kommt zu einer alchemistischen Spurensuche über die Erforschung des visuellen Ausdrucks von Film auf der Basis seines primären stofflichen Trägermaterials. Am Ende drängt es zur Geburt. Fetzen von Klang- und Melodiestücken kombiniert mit dem rhytmischen Pulsieren, Dröhnen und Sirren der Naturereignisse setzen dramatische Akzente. Es entsteht ein Spannungsgefüge zwischen Bildwelt, Chemie und Klängen.“ (Jürgen Reble)
Year
1989
Country
Germany
Length
53
Director
Jürgen Reble
Screenplay
Jürgen Reble
Image label
Jürgen Reble: Passion
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Product_creation_date
08/07/2015
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Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna

Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 102  
SKU
3965
Film title_en
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Film title_de
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Original title
Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Long Description_en
With SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL and ZEFIRO TORNA, pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker Jonas Mekas turns his camera ton two other New York artistic luminaries: Andy Warhol and Fluxus iniatiator George Macunias. The films are less traditional documentaries than loose, impressionistic everyday portraits. Jonas Mekas is know for his rapid-fire diary films. His SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL chronicles not only the Pop Art pioneer and Factory master, but also the social and cultural excitement that swirled around him, throbbing to a hypnotic Velvet Underground beat. ZEFIRO TORNA shows “bits of Fluxus events and performances, and picnics with friends (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono, etc.), George’s wedding and footage I took of him in Boston hospital three days before he died.” (Jonas Mekas) Includes these films: Scenes From the Life of Andy Warhol, 1990, 35 min Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias, 1992, 36 min
Long Description_de
Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker Kunstzene der 1960er Jahre: Andy Warhol und Fluxus-Initiator George Macunias (John Lennon und Macunias'Fluxus-Kollegin Yoko Ono sind auch zu sehen). Die Filme sind weniger traditionelle Dokumentarfilme und vielmehr informelle, impressionistische filmische Portraits. Jonas Mekas ist für schnelle Tagebuchfilme bekannt. Sein SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL ist nicht nur eine Chronik des Pop-Art-Pioniers und Factory-Meisters, sondern auch der ganzen Szene um ihn herum, von der aus aufregende kulturelle und gesellschaftliche Impulse ausgingen. Den treibenden Beat des Films liefert The Velvet Underground. ZEFIRO TORNA zeigt „Fetzen von Fluxus-Events und -Performances, Picknicks mit Freunden (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono), Bilder von Georges Hochzeit und Aufnahmen, die ich drei Tage vor seinem Tod in einem Bostoner Krankenhaus gemacht habe.“ (Jonas Mekas) Beinhaltet diese Filme Scenes From the Life of Andy Warhol 1990 35 min Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias 1992 36 min
Year
USA
Country
1990-1992
Length
74
Language_code
en:ove
Featuring
Andy Warhol
George Macunias
Almus
John Lennon
Yoko Ono
Director
Jonas Mekas
Screenplay
Jonas Mekas
Music
The Velvet Underground
Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas
Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas
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Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
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08/07/2015
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Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune

Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 26  
SKU
3966
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Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Film title_de
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Original title
Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Long Description_en
Jonas Mekas is a pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker. This compilation of seminal short film works brings together Jonas Mekas' many forms of expression from the 1960s to 1980s. His subjects range from the movement and color of the bigtop to the media manipulation during the Vietnam War. At times funny, subversive, provacative, ironic, and fundamentally free, this panorama also shows us the sharp eye and acerbic wit that makes Jonas Mekas more than a filmmaker: a lover of life and people that he embraces with his camera, whose montages sing of eternity. "Mr. Mekas' technique is to point his camera at whatever strikes his fancy and edit it later into a work in which certain visual motifs and moods emerge, with the formal structure kept loose and open-ended.The images fly by in a vertiginous blur until the camera stops to catch its breath and linger momentarily on a particular scene before the race resumes. These fragments have the impatient rhythm of someone trying to swallow the world in one ravenous gulp." (New York Times) Films included: Travel Songs 1967-1981, 25 min Notes on the Circus 1966 12 min Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min
Long Description_de
Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation zeigt die Vielfalt seines filmischen Ausdruckes mit Werken aus den 60er bis 80er Jahren. Seine Sujets reichen von Farben und Bewegung beim Zirkus bis zu Medienmanipulation während des Vietnamkrieges. In allen Filmen sind ein kaustischer Witz und Mekas' scharfes Auge sichtbar. „Mr. Mekas's Technik ist wie folgt: Er richtet seine Kamera auf etwas, das ihn interessiert und montiert die Aufnahmen zu einem Werk, in dem visuelle Motive und Stimmungen zum Vorschein kommen. Dabei bleibt die Form offen. Die Bilder verschwimmen zu einem schwindelerregenden Sog, bis die Kamera sich eine Atempause gönnt und für ein paar Momente bei einer bestimmten Szene verharrt. Danach beginnt der Wettlauf von Neuem. Diese Fragmente haben einen ungeduldigen Rhythmus, als ob jemand wie ausgehungert die ganze Welt auf einmal verschlingen möchte.“ (New York Times) Das Programm einhaltet diese Filme: Travel Songs 1967-1981, 25 min Notes on the Circus 1966 12 min Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min
Year
1966-1981
Country
USA
Length
41
Language_code
en:ove
Director
Jonas Mekas
Screenplay
Jonas Mekas
Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel
Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel
Image label
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
08/07/2015
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Berenice Abbott: A View of the 20th Century

Der Dokumentarfilm BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY zeichnet das Leben einer Künstlerin nach, die die moderne Fotografie wie wenige andere gesprägt hat. Regisseurinnen Kay Weaver…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 105  
SKU
3961
Film title_en
Berenice Abbott: A View of the 20th Century
Film title_de
Berenice Abbott: A View of the 20th Century
Original title
Berenice Abbott: A View of the 20th Century
Long Description_en
The documentary BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY shows the life and times of one of an artist who shaped modern photography like few others. Filmmakers Kay Weaver and Martha Wheelock interview Abbott as she shows over 200 photographs and looks back on her six-decade career. Critics place Berenice Abbott at the head of her class; she was one of the greatest American photographers of the 20th Century. Abbott's genius is in the incredible range of her work: her portraits of avant-garde artists taken in Paris during the 1920s, her documentation of New York in the 1930s, her science photography of the 1950s and her studies of small-town America. Filmed during the open-heated photographer's 91st and 92nd years, BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY takes viewers on a guided tour of her 20th Century. The tour teaches history, perseverance, courage, and single-minded dedication to one's chosen field.
Long Description_de
Der Dokumentarfilm BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY zeichnet das Leben einer Künstlerin nach, die die moderne Fotografie wie wenige andere gesprägt hat. Regisseurinnen Kay Weaver und Martha Wheelock interviewen Abbott am Ende ihres Lebens. Sie blickt auf sechs Jahrzehnte ihrer Karriere zurück und zeigt über 200 Fotos. Berenice Abbott gilt als einer der größten amerikanischen Fotografewn des 20. Jahrhunderts. Ihre Porträts von Avantgardekünstlern im Paris der 1920er Jahre, ihre Dokumentarfotografie von New York in den 30ern, die wissenschaftlichen Aufnahmen und Kleinstadtporträts der 50er Jahre bezeugen eine Bandbreite, auf die ihr Genie beruht. Gefilmt als Abbott 91 und 92 Jahre alt war, kurz vor ihrem Tod, ist BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY eine fachkundige Führing mit Fotos des 20. Jahrhunderts, aus Abbotts ganz persönlicher Sicht. Abbotts Geschichtsbewußtsein, Ausdauer, Mut und Hingabe kommen dabei zum Vorschein.
Year
1992
Country
USA
Length
56
Language_code
en:ove
Featuring
Berenice Abbott
Director
Martha Wheelock
Kay Weaver
Editing
Martha Wheelock
Image label
Berenice Abbott, A View of the 20th Century, Martha Wheelock, Kay Weaver
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Product_creation_date
08/07/2015
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Viking Eggeling: Diagonal Symphony

Der schwedische Künstler und Animationsfilmer Viking Eggeling kam in den 1920er Jahren nach Berlin, damals ein Zentrum der Dada-Bewegung. Hier entstand seine SYMPHONIE DIAGONALE, ein stummer,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 41  
SKU
3962
Film title_en
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
Film title_de
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
Original title
Symphonie Diagonale
Long Description_en
Swedish born artist-animator Viking Eggeling moved to 1920s Berlin, which at the time was a center of Dadaism. There he created SYMPHONIE DIAGONALE, a silent, abstract animated film that nevertheless emulates music through its use of repetition, contrast, rhythm and graphic depictions of sound. Eggeling's work is a precursor to the music clip and VJing. A tilted figure, consisting largely of right angles at the beginning, grows by accretion, with the addition of short straight lines and curves which sprout from the existing design. The figure vanishes and the process begins again with a new pattern, each cycle lasting one or two seconds. The complete figures are drawn in a vaguely Art Deco style and could be said to resemble any number of things, an ear, a harp, panpipes, a grand piano with trombones, and so on, only highly stylized. The tone is playful and hypnotic.
Long Description_de
Der schwedische Künstler und Animationsfilmer Viking Eggeling kam in den 1920er Jahren nach Berlin, damals ein Zentrum der Dada-Bewegung. Hier entstand seine SYMPHONIE DIAGONALE, ein stummer, abstrakter Animationsfilm, das dennoch Musik evoziert durch den Einsatz von Wiederholung, Kontrast, Rhythmus und graphische Entsprechungen von Ton. Eggeling gilt als Wegbereiter des Musikclips und des VJing. 1923 entstand in den Universum Film (UFA)-Trickfilmateliers unter seiner Leitung das Werk Diagonal-Symphonie, ein Stummfilm in Schwarz-Weiß mit einer Länge von 7 ¾ Minuten. Hierbei benutzte er selbstentworfene Bilder als Vorlagen, die er mit schwarzem Papier abdeckte und langsam freilegte, indem er das Papier verschob oder Figuren ins Papier schnitt. Die Figuren sind im Art Déco Stil; die stilisierten Figuren erinnern an ein Ohr oder verschiedene Musikinstrumente. Der Film wurde 1924 fertiggestellt und am 3. Mai 1925 im Rahmen der Matinee, „Der absolute Film“, öffentlich aufgeführt.
Year
1924
Country
Germany
Length
7
Director
Viking Eggeling
Miscellaneous_en
aka Diagonal-Symphonie
Miscellaneous_de
aka Diagonal-Symphonie
Image label
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
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Product_creation_date
08/07/2015
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Jürgen Reble: Das Goldene Tor

Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs "Schmelzdahin", untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 38  
SKU
3963
Film title_en
Jürgen Reble: Das Goldene Tor
Film title_de
Jürgen Reble: Das Goldene Tor
Original title
Das Goldene Tor
Long Description_en
Self-styled “film alchemist” Jürgen Reble, formerly a member of German experimental cinema collective “Schmelzdahin”, explores the material quality of celluloid film by subjecting found footage and his own work to natural and chemical processes. This results in films like DAS GOLDENE TOR in which the visible damage becomes uniquely beautiful when projected on the screen. “The basic idea is that it is impossible to fix film. Film is something, which is always in a state of flux...The images, ‘real’ in the beginning, gradually disintegrate and the gelatine layer, where the chemicals are embedded, dissolves. All that’s left in the end is the ‘raging of the elements’” (Jürgen Reble) “Jürgen Reble’s film works are marked by layers of residue, shifting abstract surfaces, chemical traces, scratches and blotches, as though a virus has infected the image, distorting its tone and colour, imbuing it with unusual textures and a strange aura. In these films destructive processes are the creative aesthetic agent. [...] A form of myopic mythopoeia, DAS GOLDENE TOR confounds readings of interpretive “meaning”, however layered or subjective they could be; neither is it concerned with perceptual phenomena or visual processes. It is a self-contained metaphor, a self-actualising event through the experience of its passage. As it progresses its atmosphere becomes more intense, it is slower, it is hazily less distinct. Like the sympathetic layer of Thomas Koner’s soundtrack, it is 'dark ambient'”. (Steven Ball)
Long Description_de
Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs "Schmelzdahin", untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür Found Footage und eigene Aufnahmen natürlichen und chemischen Zersetzungsprozessen aus. Daraus resultieren Filme wie DAS GOLDENE TOR, in denen die sichtbar gemachten Schäden durch die Projektion eine einzigartige Schönheit entfalten. “In DAS GOLDENE TOR werden Fragmente aus Naturfilmen über Insekten und Reptilien, Bilder aus Raumfahrt und Astronomie und eigene Aufnahmen menschlichen Umtriebes aus der unmittelbaren Umgebung miteinander verwoben. Dabei werden die Erfahrungen jahrelanger Forschung der chemischen Manipulation des Bildsilbers während und nach der Entwicklung auf die Bilder angewendet. Sie erhalten eine malerische Qualität und schaffen eine Atmosphäre, die zwischen Traum und Wirklichkeit liegt. Im Verlauf des Films entfernt sich die Beobachtung zunehmend von der Wirklichkeit weg. Extreme Langzeitbelichtungen verstärken die Flüchtigkeit menschlicher Aktivität. Durch die Uberwindung der folgenden Finsternis entsteht ein inneres Licht." Das goldene Tor" ist ein Begriff aus vorchristlicher Mythologie, der eine Verinnerlichung und Erneuerung des göttlichen Feuers beim Durchgang durch die Wintersonnenwende bezeichnet. Die Musik wurde von Thomas Köner komponiert. Sie bildet eine eigene Schicht, die die Spannungen der Bildgefüge intensiviert, ohne zu untermalen. Ähnlich wie der Film ohne traditionelle Muster von Struktur und Narration verknüpft ist, verläßt auch die Musik die gewohnten Bahnen von Rhythmus und Melodie. So entsteht eine audiovisuelle Scheinwelt, die mehr durch den Bauch als durch das Gehirn wahrnehmbar ist.” (Jürgen Reble)
Year
1992
Country
Germany
Length
54
Director
Jürgen Reble
Screenplay
Jürgen Reble
Sound
Thomas Koner
Music
Thomas Koner
Image label
Jürgen Reble: Das Goldene Tor
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Product_creation_date
08/07/2015
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Michael Snow: Rameau's Nephew

Der legendäre kanadische Experimentalfilmemacher, Musiker und Künstler Michael Snow untersucht Semantik und der Nummer 24 in einer Reihe von spielerischen, innovativen Filmvignetten, mit…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 87  
SKU
3959
Film title_en
Michael Snow: Rameau's Nephew
Film title_de
Michael Snow: Rameau's Nephew
Original title
Rameau's Nephew
Long Description_en
Legendary Canadian experimental filmmaker-artist-musician Michael Snow explores the semantic and cinematic meaning of the number 24 in a series of playful, innovative film vignettes also featuring contributions from fellow artists like Nam June Paik. “RAMEAU'S NEPHEW makes me crazy, makes the top of my head go flying off. I have a need of its particular regenerative insanity at least once a month." (Amy Taubin, Film Critic) Michael Snow presents a cinematic essay on the multiples of 24. The film runs at 24 frames per second, and there are 24 individual sequences interrupted by the brief use of multi-colored flickers to break up the syntagmatic axis. As all of Michael Snow's works do, RAMEAU'S NEPHEW invites us to experience, question and contemplate representation, process and material. The film illustrates his research both in the visual arts and in sound - an authentic 'talking picture,' built from the true units of the syllable and the frame.
Long Description_de
Der legendäre kanadische Experimentalfilmemacher, Musiker und Künstler Michael Snow untersucht Semantik und der Nummer 24 in einer Reihe von spielerischen, innovativen Filmvignetten, mit Beiträgen von Künstlerkollegen wie Künstler Nam June Paik. „RAMEAU'S NEPHEW macht mich kirre, da fliegt mir die Schädeldecke weg. Ich muss mir diesen regenerativen Wahnsinn mindestens einmal im Monat geben." (Amy Taubin, Filmkritikerin) Michael Snow präsentiert einen Filmessay über die Zahl 24. Der Film läuft mit 24 Bildern pro Sekunde, und der Film besteht aus 24 Sequenzen, die durch Einzelbildern in mehreren Farben von einander getrennt werden, um die syntagmatische Achse zu durchbrechen. So wie allen Werke von Michael Snow lädt RAMEAU'S NEPHEW BY DIDEROT (THANX TO DENNIS YOUNG) BY WILMA SCHOEN dazu ein, Prozess und Materialität der Abbildung zu erfahren und hinterfragen.
Year
1970-1974
Country
Canada
Length
255
Language_code
en:ove
Featuring
Michael Snow
Jonas Mekas
Dennis Young
Nam-June Paik
P. Adams Sitney
Marie Antoinette Roy
Amy Taubin
Director
Michael Snow
Screenplay
Michael Snow
Miscellaneous_en
aka Rameau's Nephew by Diderot (Thanx to Dennis Young) by Wilma Schoen
Miscellaneous_de
aka Rameau's Nephew by Diderot (Thanx to Dennis Young) by Wilma Schoen
Image label
Michael Snow: Rameau's Nephew
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Product_creation_date
08/07/2015
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Stan VanDerBeek: Visibles

VISIBLES versammelt die wichtigsten Kurzfilme des Experimentalfilmpioniers Stan VanDerBeek. VanDerBeeks Kollagen-Stil, gespickt mit popkulturellen Referenzen, beeinflusste nachhaltig die Animationen,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 73  
SKU
3960
Film title_en
Stan VanDerBeek: Visibles
Film title_de
Stan VanDerBeek: Visibles
Original title
Visibles
Long Description_en
VISIBLES is a collection of key short films by pioneering experimental filmmaker Stan VanDerBeek. VanDerBeek's collage-like and pop culture savvy style was inspired by Dadaism and Surrealism. His work was a major inspiration for Monty Python animator and director Terry Gilliam. "Stan VanDerBeek is one of our few genuine film artists - a poet, a clown, a laughing man of the Bomb Age." (Jonas Mekas) VanDerBeek's early collage animation was created in the spirit of the Surrealist and Dadaist work of Max Ernst, but with a wild, rough informality more akin to the expressionism of the Beat Generation. His utopian experiments in expanded cinema included building a dome theater with dozens of projectors and creating computer animated films and holographic experiments with Bell Labs. In the 1970s he designed global fax murals, steam projections, and interactive television programs. The collection includes these films: Science Friction 1959 10min A la mode 1959 7min Breathdeath 1963 15min Poemfield n°2 1971 6min Achoo Mr Kerrooschevv 1960 2min See Saw Seams 1965 9min Panels for the Walls of the World 1967 8min Oh 1968 10min Symmetricks 1971 6min
Long Description_de
VISIBLES versammelt die wichtigsten Kurzfilme des Experimentalfilmpioniers Stan VanDerBeek. VanDerBeeks Kollagen-Stil, gespickt mit popkulturellen Referenzen, beeinflusste nachhaltig die Animationen, die Regisseur Terry Gilliam für Monty Python kreiiert hat. “Stan VanDerBeek is one of our few genuine film artists - a poet, a clown, a laughing man of the Bomb Age." (Jonas Mekas) VanDerBeeks frühe animierten Kollagen sind im Geist des Dadaismus und von Surrealisten wie Max Ernst, gleichzeitig sind sie mit der rauhen, informellen, expressionistischen Poesie der Beat Generation verwandt. VanDerBeek hatte stets eine utopische Vision des Kinos, die er mit Expanded Cinema Experimenten wie eine mit dutzenden von Projektoren ausgestattete Kinokuppel sowie seine Computeranimationen und holografischen Filme, die er mit Unterstützung von Bell Labs realisierte. In den 1970er Jahren arbeitete er an Projektionen mit Dampf und interaktiven TV-Programmen. Die Kollektion umfasst diese Filme: Science Friction 1959 10min A la mode 1959 7min Breathdeath 1963 15min Poemfield n°2 1971 6min Achoo Mr Kerrooschevv 1960 2min See Saw Seams 1965 9min Panels for the Walls of the World 1967 8min Oh 1968 10min Symmetricks 1971 6min
Year
1959-1971
Country
USA
Length
100
Language_code
en:ove
Director
Stan Vanderbeek
Image label
Stan VanDerBeek: Visibles
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Product_creation_date
07/08/2015
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Michael Snow: Presents

Der strukturalistische Filmemacher Michael Snow (*Toronto, 1929) gilt als einer der einflussreichsten Experimentalfilmer der Welt und ist einer der wichtigsten Künstler Kanadas. Sein Werk wurde…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 180  
SKU
3958
Film title_en
Michael Snow: Presents
Film title_de
Michael Snow: Presents
Original title
Presents
Long Description_en
Structuralist filmmaker Michael Snow (Toronto, 1929) is considered one of the world's most influential experimental filmmakers and is the subject of retrospectives in many countries. He is considered one of Canada's most important living artists. PRESENTS is literally a film within a film. A prolific painter, photographer, sculptor, jazz musician and filmmaker, Snow invites us to contemplate between what is represented its process and material. "The apparent vertical scratch in celluloid that opens PRESENTS literally opens into a film within the film. When its figure awakens into a woman in a 'real' unreal set, the slapstick satire of structural film begins. It is not the camera that moves, but the whole set... Snow pushes us into acceptance of present moments of vision, but the single drum beat that coincides with each edit in this elegiac section announces each moment of life's irreversible disappearance." A monster of formalism. (Philip Monk, Art Express)
Long Description_de
Der strukturalistische Filmemacher Michael Snow (*Toronto, 1929) gilt als einer der einflussreichsten Experimentalfilmer der Welt und ist einer der wichtigsten Künstler Kanadas. Sein Werk wurde in vielen Ländern ausgestellt. PRESENTS ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Film im Film. Snow, der als Maler, Fotograf, Bildhauer, Jazzmusiker und Filmemacher aktiv ist, lädt mit PRESENTS den Zuschauer dazu ein, das Verhältnis zwischen dem Dargestellten und den dahinter liegenden Prozessen und Material zu betrachten. „The apparent vertical scratch in celluloid that opens PRESENTS literally opens into a film within the film. When its figure awakens into a woman in a 'real' unreal set, the slapstick satire of structural film begins. It is not the camera that moves, but the whole set... Snow pushes us into acceptance of present moments of vision, but the single drum beat that coincides with each edit in this elegiac section announces each moment of life's irreversible disappearance. A monster of formalism.“ (Philip Monk, Art Express)
Year
1981
Country
Canada
Length
94
Language_code
en:ove
Director
Michael Snow
Image label
Michael Snow: Presents
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Product_creation_date
08/07/2015
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michael-snow-presents
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Peter Rose: Analogies

PETER ROSE: ANALOGIES ist eine Kollektion von Kurzfilmen des amerikanischen Experimentalfilmregisseurs Peter Rose. "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 127  
SKU
3956
Film title_en
Peter Rose: Analogies
Film title_de
Peter Rose: Analogies
Original title
Peter Rose: Analogies
Long Description_en
PETER ROSE ANALOGIES is a collection of short films by the American experimental film artist, Peter Rose. Films include: INCANTATION (1968-1972, 8') was shown as part of the Whitney Museum's New American Filmmakers Series. The film was shot entirely in the camera. ANALOGIES – STUDIES IN THE MOVEMENT OF TIME (1977, 14') uses a variety of multiple screen formats to create an intriguing series of visual riddles. SECONDARY CURRENTS (1983-1990, 16') is a comic opera, a dark metaphor for the order and entropy of language. SPIRIT MATTER (1991, 6') was constructed without a camera by writing directly on clear celluloid. THE MAN WHO COULD NOT SEE FAR ENOUGH (1981, 33') ranges in subject from a solar eclipse shot off the coast of Africa to a hand-held filmed ascent of the Golden Gate Bridge, and moves, in spirit, from the deeply personal to the mythic. It has won major awards of distinction at numerous festivals and is in collections at Centre Pompidou in Paris and at Image Forum in Tokyo. "I'm an escape artist. I aspire to travel in the fifth dimension, to speak unknown languages, to discover the next stage in the evolution of thought. I construct structural parables that allude to the possibility of there being more to the universe than is permitted by our explanations." (Peter Rose)
Long Description_de
PETER ROSE: ANALOGIES ist eine Kollektion von Kurzfilmen des amerikanischen Experimentalfilmregisseurs Peter Rose. "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften Dimension reisen, will unbekannte Sprachen sprechen und die nächste Stufe in der Entwicklung des Denkens entdecken". (Peter Rose) Filme in diesem Programm: INCANTATIONS (1968-1972) 8' ANALOGIES – STUDIES IN THE MOVEMENT OF TIME (1977) 14' THE MAN WHO COULD NOT SEE FAR ENOUGH (1981) 33' SECONDARY CURRENTS (1983-1990) 16' SPIRIT MATTER (1991) 6' "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften Dimension reisen, will unbekannte Sprachen sprechen und die nächste Stufe in der Entwicklung des Denkens entdecken. Ich schaffe strukturelle Parabeln, die auf die Möglichkeit hinweisen, dass das Universum mehr birgt, als was wir mit unseren Erklärungen begreifen können." (Peter Rose)
Year
1968-1991
Country
USA
Length
80
Language_code
en:ove
Director
Peter Rose
Image label
Peter Rose: Analogies
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Product_creation_date
08/05/2015
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Paul Sharits: Mandala Films

Der bildende Künstler und Avantgarde-Filmemacher Paul Sharits (1943-1993) gilt als einer der Meister des abstrakten "Flicker“-Films. Er entstammt der Strukturfilmbewegung und wird oft…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 44  
SKU
3957
Film title_en
Paul Sharits: Mandala Films
Film title_de
Paul Sharits: Mandala Films
Original title
Paul Sharits: Mandala Films
Long Description_en
Paul Sharits (1943-93) , a visual artist, best known for his work in avant-garde filmmaking, was a maestros of the so-called ‘flicker’ film – abstract films based on rapidly alternating frames of solid color. His work falls into the structural film movement, along with that of other artists such as Tony Conrad, Hollis Frampton, and Michael Snow. The physiological and psychological effects of flicker films can be pleasurable, even exhilarating. Sharits conceived and described his films with reference to ‘mandalas’, the geometric shapes used by followers of many religious traditions as an aid to meditation and induce trance states. The Paul Sharits MANDALA FILMS are based on intense, rapid-fire pulses of color interspersed with arresting still images: a couple making love in Peace Mandala/End War and a man cutting off his own tongue with glitter-covered scissors in T,O,U,C,H,I,N,G. Film includes: Peace Mandala/End War (1966) 5 min N:O:T:H:I:N:G (1968) 36 min T,O,U,C,H,I,N,G (1968) 12 min
Long Description_de
Der bildende Künstler und Avantgarde-Filmemacher Paul Sharits (1943-1993) gilt als einer der Meister des abstrakten "Flicker“-Films. Er entstammt der Strukturfilmbewegung und wird oft in einem Atemzug mit Künstlern wie Tony Conrad, Hollis Frampton und Michael Snow genannt. Filme in diesem Programm: PEACE MANDALA/END WAR (1966) 5 min N:O:T:H:I:N:G (1968) 36 min T,O,U,C,H,I,N,G (1968) 12 min Die physiologischen und psychologischen Auswirkungen der Flicker-Filme können angenehm, sogar berauschend sein. Paul Sharits konzipierte seine Filme wie "Mandalas", deren geometrische Formen in bestimmten religiösen Traditionen zur Meditation eingesetzt werden und ihren Anhängern helfen, in Trance zu verfallen. In PEACE MANDALA liebt sich ein Paar und in T, O, U, C, H, I, N, G. schneidet sich ein Mann die eigene Zunge mit einer glitzernden Schere ab.
Year
1966-1968
Country
USA
Length
50
Language_code
en:ove
Director
Paul Sharits
Image label
Paul Sharits: Mandala Films
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Product_creation_date
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Edward Steichen - Masters of Photography

EDWARD STEICHEN - MASTERS OF PHOTOGRAPHY ist ein filmisches Porträt des großen Fotografen, der von 1879 bis 1973 gelebt hat. Der Film ist gegen Ende seines Lebens entstanden und lässt…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 73  
SKU
3952
Film title_en
Edward Steichen - Masters of Photography
Film title_de
Edward Steichen - Masters of Photography
Original title
Edward Steichen - Masters of Photography
Long Description_en
EDWARD STEICHEN - MASTERS OF PHOTOGRAPHY is a documentary profile of the great photographer who lived from 1879 to 1973. It reviews his life and many of his best known images. Shot toward the end of his life, the film was made at his home and includes scenes showing him at work there with his huge view camera. He reminiscences about his work and chosen aesthetic, and includes comments by his wife Johanna. From the beginning of the century Steichen was an active proponent of the idea that photography was a fine art, and as director of the photography department of the Museum of Modern Art in New York City (1947-1962) he was responsible for the 1964 “The Family of Man” exhibition, one of the most influential displays of photos ever mounted.
Long Description_de
EDWARD STEICHEN - MASTERS OF PHOTOGRAPHY ist ein filmisches Porträt des großen Fotografen, der von 1879 bis 1973 gelebt hat. Der Film ist gegen Ende seines Lebens entstanden und lässt sein Leben und seine bekanntesten Fotos Revue passieren. Steichen ist bei der Arbeit mit seiner Großformatkamera in seinem Heimstudio zu sehen. Steichen erklärt auch seine Arbeitsweise und ästhetischen Ansatz, kommentiert von seiner Frau Johanna. Seit Anfang des 20. Jahrhunderts kämpfte Steichen für die Anerkennung der Fotografie als Bildende Kunst. Von 1947 bis 1962 war er Direktor der Fotografieabteilung des Museum of Modern Art in New York City, wo er die Ausstellung „The Family of Man” kuratiert hat, einer der einflussreichsten Fotoschauen aller Zeiten.
Year
1986
Country
USA
Length
26
Language_code
en:ove
Director
Creative Arts Television
Miscellaneous_en
aka This is Edward Steichen
Miscellaneous_de
aka This is Edward Steichen
Image label
Edward Steichen - Masters of Photography
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Product_creation_date
05/08/2015
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Len Lye: Rhythms

LEN LYE: RHYTHMS ist eine Kollektion der wichtigsten Werke des in Neuseeland geborenen Pioniers des Animations- und Experimentalfilms aus allen Phasen seiner Karriere. Len Lye gilt als einer der…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 29  
SKU
3953
Film title_en
Len Lye: Rhythms
Film title_de
Len Lye: Rhythms
Original title
Len Lye: Rhythms
Long Description_en
RHYTHMS is a collection of the most significant film works of the New Zealand-born animation and experimental film pioneer, LEN LYE. Len's films are held in the British Film Institute, Museum of Modern Art in New York City, and the Pacific Film Archive at University of California, Berkeley. RHYTHMS spans Lye's entire career. Len Lye (1901-1980) was a major figure in experimental filmmaking as well as leading kinetic sculptor and an innovative theorist, painter and writer. He pioneered "direct film", film made without a camera, by painting and scratching images directly onto celluloid, by reworking found footage, by casting shadows of objects onto unexposed film, and by experimenting with a number of early color techniques. The collection includes: - Kaleidoscope, 1935, 35mm, 4' - Colour Flight, 1938, 35mm, 4' - Swinging the Lambeth Walk, 1939, 35mm, 4' - Color Cry, 1953, 16mm, 3' - Rhythm, 1957, 16mm, 1' - Free Radicals, 1958/1979, 16mm, 4' - Particles in Space, 1967-1971/1979, 16mm, 4' - Tal Farlow, 1960/1980, 16mm, 2' These films are available in up-resed HD video, originating from an SD telecinema. The animated cinema of Len Lye consists of particularly difficult elements to encode digitally. Re:Voir and realeyz are aiming to find the best video solutions; for the time being, this is the best existing copy of Len Lye's films.
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LEN LYE: RHYTHMS ist eine Kollektion der wichtigsten Werke des in Neuseeland geborenen Pioniers des Animations- und Experimentalfilms aus allen Phasen seiner Karriere. Len Lye gilt als einer der wichtigsten Regisseure des Experimentalfilms. Len Lye (1901-1980) war ein einflussreicher Experimentalfilmemacher, Schöpfer von kinetischen Skulpturen und innovativer Theoretiker, Maler und Autor. Er war ein Pionier des "direkten Films", die er ohne Kamera erstellt hat, indem er auf den Filmstreifen malte und kratzte. Er arbeitete auch mit Found Footage Material und erprobte neue Farbverfahren. Die Kollektion umfasst folgende Titel: - Kaleidoscope, 1935, 35mm, 4' - Colour Flight, 1938, 35mm, 4' - Swinging the Lambeth Walk, 1939, 35mm, 4' - Color Cry, 1953, 16mm, 3' - Rhythm, 1957, 16mm, 1' - Free Radicals, 1958/1979, 16mm, 4' - Particles in Space, 1967-1971/1979, 16mm, 4' - Tal Farlow, 1960/1980, 16mm, 2' Diese Filme sind in HD-Versionen verfügbar, hochskaliert von SD-Filmabtastungen. Die animierten Filme von Len Lye stellten besondere Herausforderungen für die digitale Encodierung dar. Re:Voir und realeyz bieten die bestmöglichen Fassungen an.
Year
1935-1980
Country
UK
USA
New Zealand
Length
50
Age Recommendation
FSK 6
Language_code
en:ove
Director
Len Lye
Image label
Len Lye: Rhythms
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Product_creation_date
05/08/2015
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URL_path
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full_film
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Hans Richter: Early Works

HANS RICHTER: EARLY WORKS ist eine Kollektion von abstrakten Animationen und experimentellen Realfilmen des deutschen Pioniers der filmischen Avantgarde, Hans Richter. Die Filme stammen aus der 20er…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 31  
SKU
3954
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Hans Richter: Early Works
Film title_de
Hans Richter: Early Works
Original title
Hans Richter: Early Works
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HANS RICHTER: EARLY WORKS assembles the earliest films – abstract animation and experimental live action – by the German pioneer of avantgarde cinema. Though made in the 1920s, the films remain relevant today: whether agitprop documentaries or visual music – both genres have their roots in Richter's work. Includes interview material with Richter talking about his work. Hans Richter's position in the art world was unique. As one of the earliest exponents of Dada, he was also one of the first to recognize the new possibilities cinematography offered the artist. He participated in the first avant-garde film movement alongside Léger, Duchamp, Man Ray, Picabia, Cocteau and Dali, and later in New York his teachings would influence many of the "New American Cinema" filmmakers. "By film I mean visual rhythm... to see movement, organized movement, wakes us up, wakes up resistance, wakes up the reflexes, and perhaps wakes up our sense of enjoyment as well. This kind of film gives memory nothing to hang on. At the mercy of "feeling", reduced to going with the rhythm according to the successive rise and fall of the breath and the heartbeat, we are given a sense of what feeling and perceiving really is: a process – MOVEMENT." (Hans Richter, 1924) Films in this program: Rhythmus 21 1921 4min Rhythmus 23 1923 4min Filmstudie 1926 5min Ghosts Before Breakfast (Vormittagsspuk) 1927-28 7min Race Symphony 1928-29 7min Two Pence Magic (Zweigroschenzauber) 1928-29 2min Inflation 1927 3min Everything Turns Everything Revolves 1929 3min
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HANS RICHTER: EARLY WORKS ist eine Kollektion von abstrakten Animationen und experimentellen Realfilmen des deutschen Pioniers der filmischen Avantgarde, Hans Richter. Die Filme stammen aus der 20er Jahren, sind bis heute relevant: Ob Agitprop-Doku oder visuelle Musik, beides hat Wurzeln in Richters Werk. Hans Richter war einer der ersten, der die neuen Möglichkeiten der Kinematografie für seine künstlerische Arbeit erkannte und einsetzte. Er gehörte zusammen mit Léger, Duchamp, Man Ray, Picabia, Cocteau und Dali der Avantgarde-Bewegung an und lehrte später in New York. Sein Werk hatte maßgeblichen Einfluss auf die Filmemacher des “New American Cinema”. “Unter Film verstehe ich optischen Rhythmus … Bewegung sehen, organisierte Bewegung, die weckt uns auf, weckt Widerstand, weckt die Reflexe und weckt vielleicht auch unseren Sinn für Freude.” (Hans Richter) Filme in diesem Programm: RHYTHMUS 21 (1921) stumm 4’ RHYTHMUS 23 (1923) stumm 4’ FILMSTUDIE (1926) 5’ GHOSTS BEFORE BREAKFAST VORMITTAGSSPUK (1927-28) 7’ RACE SYMPHONY (1928-29) 7’ TWO PENCE MAGIC ZWEIGROSCHENZAUBER (1928-29) 2’ INFLATION (1927-28) 3’ EVERYTHING TURNS EVERYTHING REVOLVES * ALLES DREHT SICH, ALLES BEWEGT SICH (1929)
Year
1921-1929
Country
Germany
Length
58
Language_code
en
Director
Hans Richter
Music
Paul Hindemith (Vormittagsspuk)
Image label
Hans Richter: Early Works, Paul Hindemith
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Product_creation_date
08/05/2015
URL_key
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full_film
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Hans Richter: Give Chance a Chance

GIVE CHANCE A CHANCE ist ein Porträt des Regisseurs und Künstlers Hans Richter. In Interviewpassagen und Filmausschnitten zeigt die Doku Richters wegweisende Arbeiten in abstrakter…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 67  
SKU
3955
Film title_en
Hans Richter: Give Chance a Chance
Film title_de
Hans Richter: Give Chance a Chance
Original title
Donner une chance à la chance
Long Description_en
GIVE CHANCE A CHANCE is a scripted documentary and interview with artist-sculptor-filmmaker-surrealist Hans Richter, showing his place in history and his pioneering work in abstract animation, visual music, Surrealist, Dada, agitprop and underground cinema. Richter is cited as an inspiration of “New American Cinema”. In the film Hans Richter talks about his career, which started at the beginning of the 20th century: early experiments with the movie camera, association with the world of the Surrealists, conflict with the National Socialists in Germany, the origins of Dada, and the evolution of his own style in painting, drawing and collage. Many films clips and examples of his graphic work illustrate his themes: opposition of the Nazis, who saw that chaos in art was inimical to their own idea of a new world order; how Dada has affected Pop Art and "the new realism" in literature, music, painting, art and theater; the Bauhaus group and other contemporary artists from many fields - Jean Arp, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Darius Milhaud, Leger, Sergei Eisenstein, Man Ray. Film excerpts include the famous GHOSTS BEFORE BREAKFAST (bowler hats flying in early trick photography); INFLATION (a collage-film response to the devastating German inflation of 1921); RHYTHMUS 21 (abstract designs to music, long before Disney's "Fantasia";, "Dreams That Money Can Buy"; "Dadascope" and "8 by 8" (a chess film made with Jean Cocteau).
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GIVE CHANCE A CHANCE ist ein Porträt des Regisseurs und Künstlers Hans Richter. In Interviewpassagen und Filmausschnitten zeigt die Doku Richters wegweisende Arbeiten in abstrakter Animation, visueller Musik, surrealistischen sowie Dadaistischem Film, Agitprop und Underground. Richter gilt bis heute als einer der Wegbereiter des “New American Cinema”. Mit Interviews mit Richter selbst. Richter erzählt in dem Film ausführlich über seine Karriere, die Anfang des 20. Jahrhunderts begann: frühe kinematografische Experimente, die Ursprünge des Dadaismus, Kollaborationen mit den Surrealisten, Konflikte mit den Nationalsozialisten und die Entwicklung seiner Anwendung von künstlerischen Ausdrucksformen wie Malerei, Zeichnung und Collage. Viele Beispiele vMany on Richters filmischen und grafischen Arbeiten illustrieren die wichtigsten roten Fäden in seinem Werk: Opposition gegen die Nazis, der Einfluss v Dada has affected Pop Art and "the new realism" in literature, music,on Dadaismus auf Pop Art auf den „neuen Realismus“ in Kunst und Theater; die Begegnungen mit der Bauhaus Gruppe und anderen Künstler vieler Disziplinen wie Jean Arp, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Darius Milhaud, Leger, Sergei Eisenstein, Man Ray. Mit Filmausschnitten aus: VORMITTAGSSPUK (fliegende Melonenhüte durch Filmtrick), INFLATION (1921), RHYTHMUS 21 (abstract designs to music, long before Disney's "Fantasia"), "Dreams That Money Can Buy", "Dadascope" und "8 by 8" (ein Schachfilm, den Richter mit Jean Cocteau gemacht hat).
Year
1973
Country
USA
France
Length
28
Language_code
en:ove
Director
John Musilli
Screenplay
Stephan Chodorov
Cinematography
Michael Livesey
Editing
Robert Forte
Miscellaneous_en
aka Give Chance a Chance - Un portrait de Hans Richter
Miscellaneous_de
aka Give Chance a Chance - Un portrait de Hans Richter
Image label
Hans Richter: Give Chance a Chance, John Musilli
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Product_creation_date
08/05/2015
URL_key
hans-richter-give-chance-a-chance
URL_path
hans-richter-give-chance-a-chance.html
full_film
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