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Das bedrohte Paradies - Der Photograph Heinrich Kühn

Markus Heltschl eröffnet in seinem Dokumentarfilm DAS BEDROHTE PARADIES Einblicke in das Werk und Leben des Farbfotografie-Pioniers Heinrich Kühn. Heltschel porträtiert das Leben und…

Von  batchUser vor 3 Wochen 0    | 62  
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4942
Film title_en
Paradise threatened - The Photographer Heinrich Kühn
Film title_de
Das bedrohte Paradies - Der Photograph Heinrich Kühn
Original title
Das bedrohte Paradies
Long Description_en
In his documentary PARADISE THREATENED, Markus Heltschl opens up insights into the work and life of the color photography pioneer, Heinrich Kühn. Heltschel portrays the life and work of one of the most important photographers of the early 20th century who is also considered the world's best autochrome photographer. "Artistic, sensual and intense masterpieces are at the center of his work. His visual language and pictorial excerpts anticipated the aesthetics of Modernism towards the end of the 19th century" (Artclub Imst) For his film, Heltschl was able to win over well-known artists such as Jeff Wall, Peter Weibel (ZKM Karlsruhe), Monika Faber, Peter Weiermair, Uwe Schögl, Ulrich Pohlmann (City Museum Munich), Alexander Kluge, Florian Ebner as well as Heinrich Kühn's grandchildren. In 1907, the autochromatic photoplates of the Lumière brothers debuted on the world stage and marked the beginning of commercial and artistic color photography. Together with Alfred Stieglitz, Eugene Smith and Edward Steinchen, Heinrich Kühn coined this new art and presentation form. Kühn, a medical doctor, developed his own lenses and left a fundus of over 300 autochromatic patients.
Long Description_de
Markus Heltschl eröffnet in seinem Dokumentarfilm DAS BEDROHTE PARADIES Einblicke in das Werk und Leben des Farbfotografie-Pioniers Heinrich Kühn. Heltschel porträtiert das Leben und Werk eines der bedeutendsten Fotokünstler des frühen 20. Jahrhundert, der auch als der weltweit beste Autochrom-Fotograf gilt. „Im Zentrum seines Schaffens standen kunstvolle, sinnliche und intensive Meisterwerke, (…) deren Formen und Bildausschnitte bereits gegen Ende des 19. Jhd. die Ästhetik der Moderne vorwegnahmen." (Artclub Imst) Dafür konnte Heltschl namhafte Künstler_innen und Kurator_innen wie beispielsweise Jeff Wall, Peter Weibel (ZKM Karlsruhe), Monika Faber, Peter Weiermair, Uwe Schögl, Ulrich Pohlmann (Stadtmuseum München), Alexander Kluge, Florian Ebner sowie die Enkel Heinrich Kühns gewinnen. 1907 betraten die Autochrom-Fotoplatten der Brüder Lumière die Weltbühne und markierten den Beginn der kommerziellen und künstlerischen Farbfotografie. Gemeinsam mit Alfred Stieglitz, Franz Eugene Smith und Edward Steinchen prägte Heinrich Kühn diese neue Kunst- und Darstellungsform. Der studierte Mediziner Kühn entwickelte eigene Objektive und hinterließ einen Fundus von über 300 Autochrompallten.
Year
2015
Country
Austria; Germany
Length
90
Age Recommendation
12
Primary Language Version
German
Subtitles
English
Featuring
Jeff Wall; Peter Weibel; Monika Faber; Florian Ebner; Ulrich Pohlmann; Peter Weiermair; Uwe Schögl; Anette Kicken; Klaus Pollmeier; Leo Andergassen; Christine Lammer-Kühn; Diether Schönitzer
Director
Markus Heltschl
Screenplay
Markus Heltschl
Sound
Gabi Heltschl; Gregor Kuschel
Music
Gregor Arnsberg
Supported by
Südtiroler Landesmuseum für Kultur; Landesgeschichte Schloss Tirol; österreichische Nationalbibliothek; Kulturstiftung des Bundes
Image label
Das bedrohte Paradies - Der Photograph Heinrich Kühn, dokumentarfilm, Markus Heltschl , Jeff Wall
full_film
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A Low Life Mythology

Als 'intellectual burlesque' bezeichnet Lior Shamriz seinen Spielfilm LOW LIFE MYTHOLOGY, auf dem Achtung Berlin Festival aufgeführt und inspiriert von Pierre Menards Roman…

Von  batchUser vor 2 Monaten 0    | 400  
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4937
Film title_en
A Low Life Mythology
Film title_de
A Low Life Mythology
Original title
A Low Life Mythology
Long Description_en
Shot on location in Berlin in high-definition cinemascope, A LOW LIFE MYTHOLOGY is a contemporary love story in the heart of Europe, of two passionate young persons, whose sense of reality is too frequently mediated by a failure to ‘live in the moment’ and by computer screens. A love story between two videographers who mix life and art. So as a result their own works are capsules of momentary perspectives they had on their life. Mana, 28, originally from the fictional Kakabuka, lives in Berlin on a student visa she was granted to attend a technical film school she hates. She is a productive video artist, but most of the time she is stoned and gets herself kicked out of apartments faster than the seasons change. She productively makes her short videos, but never seems to care about showing them or taking care of a career. She is trapped in the tunnel connecting her art and her life. She meets Asten (22) at a boring house party, they have sex and fall in love and she immediately lets him into her life and into her work. A native Berliner who is in touch more with what he doesn't want than with the things he really wants. Their story takes place in the “in between”, never in the "now".
Long Description_de
Als 'intellectual burlesque' bezeichnet Lior Shamriz seinen Spielfilm LOW LIFE MYTHOLOGY, auf dem Achtung Berlin Festival aufgeführt und inspiriert von Pierre Menards Roman 'Nous, Maintenant, et la Lune n'existe pas' aus dem Jahre 1942. Offiziell studiert die 28-jährige Mana an einer Berliner Filmhochschule. Doch die Kurse besucht sie nur sporadisch, all ihre Energie fließt in ihre Filme. Sie ist Videokünstlerin und lebt in ihrer eigenen Welt, hat wenige soziale Kontakte und kifft viel. Auf einer langweiligen Party trifft sie den 22-jähigen Asten. Sie bleiben zusammen bis in die frühen Morgenstunden und landen schließlich im Bett. Asten weiß ziemlich genau, was er nicht möchte - dafür aber umso weniger, wo die Reise hingehen soll. Die Beziehung zu Mana ist künstlerisch produktiv, aber wie real ist ihr Liebe? Sie findet nie im Hier und Jetzt, sondern immer in einem Tunnel irgendwo dazwischen statt. "Nothing is serious, nothing is indispensable and nothing is definitive in these stories that travel from Berlin to Tel Aviv, where queer and cosmopolitan paradigms (a saturated, necessary but unavoidable cosmopolitism) come first." (Monica Delgado in desistfilm.com)
Year
2012
Country
Germany; Isreal; USA
Length
80
Age Recommendation
16
Featuring
Nina Fog; Johannes Henrdik Langer; Kirsten Burger;Imri Kahn; Katja Sallay; Lucas Confurius; Patrizia Cavaliere; Anton Garber
Director
Lior Shamriz
Screenplay
Pierre Menard (novel); Lior Shamriz
Cinematography
Marco Armborst
Editing
Lior Shamriz
Sound
Assaf Gidron; Jochen Jezussek
Music
Assaf Gidron
Awards
Preis der Nationalgalerie in Germany (nomination)
Festivals
Achtung Berlin New Berlin Film Award; Israel Film Festival Berlin; Thessaloniki International Film Festival
Production
Spektakulativ Pictures
Supported by
Berlin-Brandenburg Medienboard; The Bambi Foundation
Image label
A Low Life Mythology, Lior Shamriz, Berlin
full_film
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Neue Natur

In Robert Bramkamps Science-Doku-Fiction Mockumentary NEUE NATUR- ART GIRLS INTERN geht es um die Kraft der Phantasie für eine bessere Welt, um Medienkunst, Wissenschaft, das Potential einer…

Von  batchUser vor 7 Monaten 0    | 101  
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3537
Film title_en
Neue Natur – Art Girls Intern
Film title_de
Neue Natur – Art Girls intern
Original title
Neue Natur – Art Girls intern
Long Description_en
Robert Bramkamp's NEUE NATUR- ART GIRLS INTERN is the docu-fictional companion piece to Robert Bramkamp's feature ART GIRLS. NEUE NATUR (New Nature) explores the power of imagination for a better world and how media art, science and the promise of collective storytelling impact the magic of a fairy tale coming true in a modern metropolis. GIRL.
Long Description_de
In Robert Bramkamps Science-Doku-Fiction Mockumentary NEUE NATUR- ART GIRLS INTERN geht es um die Kraft der Phantasie für eine bessere Welt, um Medienkunst, Wissenschaft, das Potential einer kollektiven Erzählung und um die Magie eines real werdenden Märchens in einer globalen Metropole. Darüber hinaus spielen das Internet, youtube, twitter und die chaotische Lovestory zwischen einem Mad Scientist und einem Art Girl eine entscheidende Rolle.
Year
2015
Country
Germany
Length
70
Age Recommendation
12
Primary Language Version
German
Featuring
Inga Busch; Peter Lohmeyer; Megan Gay; Jana Schulze; Christian Steyer
Director
Robert Bramkamp
Screenplay
Robert Bramkamp
Cinematography
Sebastian Egert
Editing
Janine Dauterich
Sound
Hubertus Müll
Production
IFF Hamburg; BRAMKAMPWEIRICH GBR in Koproduktion mit dem ZDF in Zusammenarbeit mit ARTE
Miscellaneous_en
Art Direction: Susanne Weirich
Miscellaneous_de
Art Direction: Susanne Weirich
Image label
Robert Bramkamp, Neue Natur Art Girls intern, Inga Busch, Peter Lohmeyer
full_film
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Pansy!

Der Dokumentarfilm PANSY! beleuchtet ein außergewöhnliche künstlerische Intervention im städtischen Raum: das Pansy Project, das gegen Homophobie mahnt und spielerisch mit…

Von  batchUser vor 8 Monaten 0    | 156  
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4748
Film title_en
Pansy!
Film title_de
Pansy!
Original title
Les Pensées de Paul
Long Description_en
Artist Paul Harfleet’s family had always accepted his sexuality, but it was a different story outside the home. Like many young gay people, he regularly faced abuse. So he developed an artisitic work, the Pansy Project, to challenge homophobia and promote respect and tolerance. For 10 years, Harfleet has been travelling the world, meeting people and planting pansies at the site of homophobia. A single pansy to provoke consciousness, to encourage reflection, to prompt discussion in the public place. A poetic plant for a symbolic commemorative gesture. We follow Harfleet as he brings his Pansy Project to France for the first time. From Paris to Marseille, via Lille, Strasbourg and Avignon, Harfleet finds his own way with his flowers, goes searching for testimonies and exposes the prejudices and discrimination gay people in Europe still face.
Long Description_de
Der Dokumentarfilm PANSY! beleuchtet ein außergewöhnliche künstlerische Intervention im städtischen Raum: das Pansy Project, das gegen Homophobie mahnt und spielerisch mit Stereotypen umgeht. Das Pansy Project ist eine multimediale Konzeptarbeit, die von Paul Harfleet im Frühjahr 2005 entwickelt wurde. Damals hat er begonnen, Stiefmütterchen an Orten zu pflanzen, an denen er wegen seiner Homosexualität verbal oder tätlich angegriffen wurde. Er hat das Projekt allerdings bald allgemein auf Personen, die Opfer homophober Gewalt geworden sind, erweitert. Nach dem Pflanzen photographiert Paul Harfleet das Stiefmütterchen und versieht es mit einer Bildunterschrift, die den Ort und die Art des Angriffs wiedergibt. Auf diese Weise überdauert das Werk die Lebenszeit der vergänglichen Blumen.
Year
2015
Country
France
Length
68
Primary Language Version
English
Featuring
Paul Harfleet
Director
Jean-Baptiste Erreca
Screenplay
Lionel Bernard
Awards
KASHISH Mumbai International Queer Film Festival: Best Documentary
Festivals
Stockholm Filmfestival Junior
Image label
Pansy, documentary, Les Pensées de Paul, Paul Harfleet pansy project
full_film
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The Reach Of Resonance

Die visuell eindrucksvoll und innovative Musikdoku THE REACH OF RESONANCE porträtiert vier Musiker aus unterschiedlichen Teilen der Welt: Miya Masaoka, Jon Rose, John Luther Adams und Bob…

Von  batchUser vor 9 Monaten 0    | 109  
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4742
Film title_en
The Reach Of Resonance
Film title_de
The Reach Of Resonance
Original title
The Reach Of Resonance
Long Description_en
Screened at the Louvre in Paris, the Tate Modern in London, the National Gallery in Washington, DC and the Museum of Fine Arts in Boston. THE REACH OF RESONANCE juxtaposes the creative paths of four musicians from different parts of the world. Among them are Miya Masaoka using music to interact with insects and plants; Jon Rose, utilizing a violin bow to turn fences into musical instruments in conflict zones ranging from the Australian outback to Palestine; John Luther Adams translating the geophysical phenomena of Alaska into music; and Bob Ostertag, who explores global socio-political issues through processes as diverse as transcribing a riot into a string quartet, and creating live cinema with garbage. After winning the Best Film Essay award at Montreal’s International Festival of Films on Art, THE REACH OF RESONANCE toured internationally and was screened at the Louvre in Paris, the Tate Modern in London, the National Gallery in Washington, DC and the Museum of Fine Arts in Boston.
Long Description_de
Die visuell eindrucksvoll und innovative Musikdoku THE REACH OF RESONANCE porträtiert vier Musiker aus unterschiedlichen Teilen der Welt: Miya Masaoka, Jon Rose, John Luther Adams und Bob Ostertag. Der Film ist eine Meditation über die Bedeutung der Musik und erforscht die Musik nicht als eine Form der Unterhaltung, sondern als ein Werkzeug, um die menschlichen Beziehungen und die Komplexität der Welt zu erklären. der Film wurde als besten Essayfilm beim International Festival of Films on Art Montreal ausgezeichnet und im Pariser Louvre, Tate Modern in London, National Gallery in Washington, DC und im Museum of Fine Arts Boston gezeigt.
Year
2010
Country
USA; Slovak Republic; Palestine; France; Czech Republic; Canada; Australia
Length
101
Primary Language Version
English
Featuring
Bob Ostertag; Miya Masaoka; Kronos Quartet; Jon Rose; John Luther Adams
Director
Steve Elkins
Cinematography
Steve Elkins
Editing
Steve Elkins; David Marks
Sound
Penny Harold
Awards
Temps D’Images Film Award Best Film Essay – International Du Film Sur L’Art
Festivals
Internationales Filmfestival Karlovy Vary; International Du Film Sur L’Art; Temps D’Images Festival; Beirut International Documentary Festival; Oxdox IFF
Miscellaneous_de
"This film will go straight into the canon of important works concerning art and its relationship to human existence." -Post Planetary
Image label
the reach of resonance, Bob Ostertag; Miya Masaoka; Kronos Quartet; Jon Rose; John Luther Adams
full_film
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Magicarena

Die Avantgarde-Theatermacher Fura dels Baus inszenieren Verdis Aida im Amphitheater von Verona - Performance trifft Kunst trifft Doku. Die Arena von Verona ist neben dem Kollosseum in Rom eines der…

Von  batchUser vor 11 Monaten 0    | 54  
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4687
Film title_en
Magicarena
Film title_de
Magicarena
Original title
Magicarena
Long Description_en
Opera and theatre lovers will delight in this behind-the-scenes documentary portraying Italy's Verona Arena during the weeks leading up to a modern-day production of Verdi’s “Aida” in the arena’s breathtaking architecture. "The Verona Arena, a massive outdoor Roman amphitheater built in the first century, is one of the most magical performance venues in the world. Andrea Prandstraller and Niccolo Bruna's documentary MAGICARENA chronicles the creation of a recent production of Verdi's Aida, which was the first opera to be performed there upon its modern-day performance debut in 1913. MAGICARENA is a compelling fly-on-the-wall, behind-the-scenes portrait that should prove catnip to opera lovers. The film is a natural for specialized distribution, and should find even bigger audiences in home-video formats." (Hollywood Reporter) An enjoyable balance between life on stage and behind the scenes, private life and public show, sacred enactment and secular entertainment, MAGICARENA reveals the art of Opera like never seen before.
Long Description_de
Die Avantgarde-Theatermacher Fura dels Baus inszenieren Verdis Aida im Amphitheater von Verona - Performance trifft Kunst trifft Doku. Die Arena von Verona ist neben dem Kollosseum in Rom eines der größten noch erhaltenen Amphitheater. Die Doku MAGICARENA von Andrea Prandstraller und Noccolò Bruna schreibt die Chronik der Entstehung einer Opernaufführung von Verdis Aida in der Arena, von der ersten Skizze, der Planung bis zur Aufführung. Dabei beschäftigen sie sich gleichermaßen mit denen, die hinter der Bühne Kostüme nähen, Bauten erstellen, Requisiten hüten als mit den Solisten, dem Chor, dem Orchester. Aida, seit 1913 jährlich in dieser Kulisse aufgeführt, wird 100 Jahre später in MAGICARENA von der spanschen Performance- und Avant-Garde-Theater-Gruppe Fura dels Baus inszeniert, in einem radikalen Bruch der Opernkonventionen, die der Film kongenial umsetzt. Der eigentliche 'Star' des Films ist jedoch die atemberaubende Kameraführung von Andrea Treccani und Massimo Moschin, deren liquider, gleitender Stil in der Lage ist, die Akteure mit dem sie umgebenden Bau aus dem Jahr 30 nach Christus zu verbinden.
Year
2015
Country
Italy
Length
85
Age Recommendation
0
Primary Language Version
Italian
Subtitles
English
Director
Niccolò Bruna; Andrea Prandstraller
Festivals
Minneapolis St. Paul International Film Festival; Seattle International Film Festival; Beijing International Film Festival; Vancouver International Film Festival; FIPA; BIF&ST; Cairo International Film Festival; etc.
Production
Le Talee; K+
Supported by
Fondazione Arena di Verona
Image label
opera, verdi, Verona Arena, Aida, documentary, Italy
full_film
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Der Fotograf vor der Kamera

Tizza Covi und Rainer Frimmel begleiten in DER FOTOGRAF VOR DER KAMERA den auch heute noch viel beschäftigen 90-Jährigen Fotografen Erich Lessing. Lessing hat mit seiner Kamera epochale…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 171  
SKU
4572
Film title_en
The Photographer In Front Of The Camera
Film title_de
Der Fotograf vor der Kamera
Original title
Der Fotograf vor der Kamera
Long Description_en
In THE PHOTOGRAPHER IN FRONT OF THE CAMERA, Tizza Covi and Rainer Frimmel accompany the still very active 90-year old photographer Erich Lessing. Lessing shot iconic photos of historical events in the mid-20th century such as the Hungarian Revolution. Photographer Erich Lessing documented contemporary history with his pictures. His photograph of Leopold Figl standing on the balcony of the Belvedere palace presenting the signed Austrian State Treaty in May 1955 has been forever etched in Austria’s collective memory. Lessing, a member of the legendary photographic agency Magnum, is one of the most important photojournalists of the post-war era: His pictures of the Hungarian Revolution are contemporary documents that are as artistic as his portraits of European politicians, such as Konrad Adenauer and Nikita Khrushchev. The documentary takes the time to focus on the details - as Lessing believes artistic photography must. Small gestures and brief glimpses give the film a special charm, such as when the great photographer, when tying his tie, laments that the Windsor knot has gone out of fashion, and the fact that he preserves his analogue photographs in a digital archive. The film invites its audience to view the works of this extraordinary artist in a new light as well.
Long Description_de
Tizza Covi und Rainer Frimmel begleiten in DER FOTOGRAF VOR DER KAMERA den auch heute noch viel beschäftigen 90-Jährigen Fotografen Erich Lessing. Lessing hat mit seiner Kamera epochale Ereignisse wie die ungarische Revolution von 1956 festgehalten. Der Fotograf Erich Lessing hat mit seinen Bildern Zeitgeschichte geschrieben. Mit seiner Aufnahme, die Leopold Figl im Mai 1955 mit unterzeichnetem Staats-vertrag am Balkon des Belvedere zeigt, hat er sich im kollektiven Gedächtnis Österreichs verewigt. Lessing, Mitglied der legendären Foto-Agentur Magnum, gehört zu den bedeutendsten Reportage-Fotografen der Nachkriegszeit: Seine Bilder vom Aufstand in Ungarn sind ebenso kunstvolle Zeitdokumente wie seine Porträtaufnahmen europäischer Politiker wie Konrad Adenauer und Nikita Chruschtschow. Der Film nimmt sich – wie Lessing es von der künstlerischen Fotografie einfordert – Zeit für Details: Es sind die kleinen Gesten und kurzen Momente, die diesem Film seinen besonderen Reiz verleihen, etwa wenn der große Fotograf beim Krawattenbinden dem vergessenen Windsor-Knoten nachtrauert und seine analogen Bilder im digitalen Archiv vor dem Verschwinden bewahrt. Eine gute Fotografie müsse zum Weiterdenken anregen, meint Lessing, und so lädt auch Der Fotograf vor der Kamera dazu ein, die Arbeit dieses außergewöhnlichen Künstlers mit neuen Augen zu betrachten.
Year
2014
Country
Austria
Length
75
Language_code
de:de,en
Featuring
Erich Lessing
Director
Tizza Covi
Rainer Frimmel
Screenplay
Tizza Covi
Rainer Frimmel
Cinematography
Rainer Frimmel
Editing
Emily Artmann
Sound
Manuel Grandpierre
Tizza Covi
Festivals
Diagonale Graz; Jüdisches Filmfestival Wien; Max Ophüls Preis Saarbrücken
Image label
Der Fotograf vor der Kamera
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
22/01/2016
URL_key
der-fotograf-vor-der-kamera
URL_path
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full_film
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Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke

Der Film KLANG AUS DEM FEUER erzählt die Geschichte einer Kirchenglocke. Gezeigt wird, wie durch kompetente Handwerksarbeit in sechs Monaten ein Kunstwerk entsteht - und gleichzeitig ein…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 22  
SKU
4547
Film title_en
Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke
Film title_de
Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke
Original title
Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke
Long Description_en
KLANG AUS FEUER (Sound From Fire) tells the story of how church bells are made. The documentary shows how it takes 6 months for skilled craftsmen to create these beautiful musical instruments - works of art in their own right. Bell casting is an archaic craft - an alchemic art and spectacular process that has remained unchanged for centuries. Glowing red-hot at 1100 degrees Celsius, the molten bronze metal flows from the furnace into the mold, as meter high flames shoot up. The staory starts in Varna, South Tyrol. The church steeple there has served the community for more than 400 years but it is in desperate need of repair. During the renovation, a new, small bell is integrated into the existing set of bells. The new bell was made by the bell caster Grassmayr, a handicraft business with South Tyrolean roots, casting bells of all sizes for four centuries. Engineer Peter Grassmayr is just as obsessed with bells as his forefathers were. He has searched across Europe to find ways of perfecting his craft.
Long Description_de
Der Film KLANG AUS DEM FEUER erzählt die Geschichte einer Kirchenglocke. Gezeigt wird, wie durch kompetente Handwerksarbeit in sechs Monaten ein Kunstwerk entsteht - und gleichzeitig ein Musikinstrument. Glockengießen: ein archaisches, über Jahrhunderte unverändertes, spektakuläres Ereignis. Wenn der glühende, 1100 Grad heiße, Bronzebrei aus dem Schmelzofen in die Form fließt, schießen die Flammen Meter hoch. Alles begann in Vahrn. Der Kirchturm wacht schon gut 400 Jahre über die Gemeinde und musste letzthin dringend renoviert werden. Im Zuge der Renovierung wurde eine neue, kleine Glocke in das bestehende Geläut eingefügt. Die neue Glocke wurde von der Glockengießerei Grassmayr gefertigt, einem Handwerksbetrieb mit Südtirolern Wurzeln, der seit vier Jahrhunderten Glocken aller Größen gießt. Ingenieur Peter Grassmayr ist von Glocken genauso besessen wie seine Vorväter. In ganz Europa hat er sich umgesehen, um die Methode des Glockengießens zu vervollkommnen.
Year
2013
Country
Austria
Length
46
Age Recommendation
FSK 0
Language_code
de
Featuring
Sprecher/narrator: Ludwig Dornauer
Director
Andreas Niederkofler
Screenplay
Kerstin Polenske
Lucia von Mörl
Editing
Christof Mekmayer
Sound
Werner Costabiei
Image label
Klang aus dem Feuer – Entstehung einer Glocke, Andreas Niederkofler, Grassmayr
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
15/12/2015
URL_key
klang-aus-dem-feuer
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klang-aus-dem-feuer.html
full_film
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Still I Strive

STILL I STRIVE ist ein Dokudrama über wie ein Waisenhaus in Kambodscha Theaterspielen einsetzt, um traumatisierte Kinder zu heilen. Es ist eine Geschichte der Transzendenz durch Mitgefühl,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 46  
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4540
Film title_en
Still I Strive
Film title_de
Still I Strive
Original title
Still I Strive
Long Description_en
STILL I STRIVE is docudrama about an orphanage in Cambodia that uses the performing arts to help heal traumatized children. It is a story of transcendence through compassion, unity and hope. ““A remarkable find, a tale of uplift in a too-little-seen environment.” (New York Times). The NACA orphanage in Phnom Penh, work to achieve one of the highest honors in Cambodian society, to perform before the Princess Bopha Devi. The children's epic performance is recreated as a cinematic adventure that parallels their harrowing backstories. "The directors elevate the picture to a level of emotional genius by filming the children's play as a full-on cinematic adaptation, shot and edited with seriousness and polish." (Village Voice) “Thrilling….Gorgeous….A marvelously imaginative conceit that transforms [the] documentary into the realm of art.” (Hollywood Reporter) At one orphanage in Phnom Penh, Cambodia, the performing arts are the path to healing and transformation. Guided by their matriarch Peng Phan, a renowned actress in her own right, the children aspire to achieve one of the highest honors in Cambodian society, to perform in front of Princess Bopha Devi as a symbol of their culture and heritage. Interspersed throughout the documentary are narrative film sequences featuring the children as actors. With an epic battle at the opening, a chase scene through the forest, horror sequences, and melodrama, the narrative parallels the documentary of the children’s tragic back stories. By weaving facts with fiction, reality with dreams, the film reveals where these lines ultimately merge by its conclusion. The journey mirrors the travails of the nation as it struggles to leave behind the unprecedented destruction of human dignity, the tragic legacy of the Khmer Rouge era. Together, they learn to overcome the past and pave the way to the future by being faithful to the present.
Long Description_de
STILL I STRIVE ist ein Dokudrama über wie ein Waisenhaus in Kambodscha Theaterspielen einsetzt, um traumatisierte Kinder zu heilen. Es ist eine Geschichte der Transzendenz durch Mitgefühl, Einheit und Hoffnung. „Eine bemerkenswerte Entdeckung... Eine inspirierende Geschichte aus einer zu selten gezeigten Welt.“ (New York Times) In einem Waisenhaus in Phnom Penh, Kambodscha, sind die darstellenden Künste der Weg zur Heilung und Transformation. Leiterin Peng Phan, erarbeitet mit den Kindern Spielszenen, in denen die traumatiscen Folgen der Herrschaft des Roten Khmer verarbeitet werden können. selbst eine anerkannte Schauspielerin geführt wird. Die Kinder arbeiten außerdem auf großes Ziel hin: vor der Princess Bopha Devi eine Aufführung zu machen. Im Dokumentarfilm sind narrative Filmsequenzen mit den Kindern als Hauptdarstellern verwebt.
Year
2012
Country
Cambodia
USA
Length
91
Language_code
en
Featuring
Chamruoen Chhat
Cham Heng
Chham Heng
Director
Adam Pfleghaar
A. Todd Smith
Screenplay
Adam Pfleghaar
A. Todd Smith
Cinematography
Adam Pfleghaar
Editing
A. Todd Smith
Music
Michael Reola
Festivals
Pusan International Film Festival
Miscellaneous_en
aka Yeng Nov The Pyeayeam
Miscellaneous_de
aka Yeng Nov The Pyeayeam
Image label
Still I Strive, Adam Pfleghaar, A. Todd Smith , Still I Strive
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Product_creation_date
15/12/2015
URL_key
still-i-strive
URL_path
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full_film
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Die Mühle und das Kreuz

Rutger Hauer („Blade Runner“) und Michael York („Cabaret“) spielen die Hauptrollen in dem Drama DIE MÜHLE UND DAS KREUZ um Liebe, Glaube und Gewalt. Regisseur Lech…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 722  
SKU
4221
Film title_en
The Mill and the Cross
Film title_de
Die Mühle und das Kreuz
Original title
The Mill & the Cross
Long Description_en
THE MILL & THE CROSS is a costume drama film directed by Lech Majewski and starring Rutger Hauer, Charlotte Rampling and Michael York. It is inspired by Pieter Bruegel the Elder's 1564 painting The Procession to Calvary, and based on Michael Francis Gibson's book. THE MILL & THE CROSS premiered at Sundance. "A film of great beauty and attention." (Roger Ebert) "In this lush and hypnotic examination of a painter's work and the times in which he lived, Mr. Majewski presents an extended contemplation of the creative process itself." (New York Times) Pieter Bruegel’s epic masterpiece painting The Way To Calvary depicts the story of Christ’s Passion set in Flanders under brutal Spanish occupation in the year 1564, the very year Bruegel created his painting. From among the more than five hundred figures that fill Bruegel’s remarkable canvas, THE MILL & THE CROSS focuses on a dozen characters whose life stories unfold and intertwine in a panoramic landscape populated by villagers and red-caped horsemen. Among them are Bruegel himself, his friend and art collector Nicholas Jonghelinck, and the Virgin Mary. (Silesia Film)
Long Description_de
Rutger Hauer („Blade Runner“) und Michael York („Cabaret“) spielen die Hauptrollen in dem Drama DIE MÜHLE UND DAS KREUZ um Liebe, Glaube und Gewalt. Regisseur Lech Majewski kreiert atemberaubende Bildkompositionen nach „Die Kreuztragung Christi“ des Malers Pieter Bruegel. "A film of great beauty and attention." (Roger Ebert) Im Jahr 1564 erhält Pieter Bruegel den Auftrag, die Kreuztragung Christi zu malen. Bruegel verortet die Passionsgeschichte nicht im Heiligen Land, sondern in seiner flämischen Heimat und malt Müller und Bauern, die unter der spanischen Inquisition leiden. Virtuos erweckt der Regisseur Bruegels Bild zum Leben. Jede einzelne Szene mit seiner detailgenauen Ausstattung und kunstvollen Licht- und Farbkomposition wirkt wie ein Gemälde der niederländischen Renaissance. Ein Filmkunstwerk.
Year
2011
Country
UK
SE
PL
Length
91
Age Recommendation
FSK 12
Primary Language Version
English
Subtitles
German
Featuring
Rutger Hauer
Michael York
Charlotte Rampling
Director
Lech Majewski
Screenplay
Michael Francis Gibson
Lech Majewski
Cinematography
Lech Majewski
Adam Sikora
Editing
Eliot Ems
Norbert Rudzik
Music
Lech Majewski
Józef Skrzek
Festivals
IFF Cottbus, Sundance Film Festival, Rotterdam Film Festival, Gothenburg Film Festival
Production
Lech Majewski
Angelus Silesius
Supra Film
Arkana Studio
Piramida Film
Telewizja Polska
Freddy Olsson
Bokomotiv Filmproduktion
Odeon Studio
Silesia Film
24 Media
Supported by
Polish Film Institute
Agnieszka Odorowicz
Image label
Die Mühle und das Kreuz, Lech Majewski
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12/02/2015
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Between Insanity and Beauty – The Art Collection of Dr. Prinzhorn

Paul Klee oder Max Ernst interessierten sich für sie: die bildnerischen Werke von Psychiatrie-Patienten. Die Sammlung Prinzhorn ist die weltweit bedeutendste Sammlung solcher Gemälde und…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 339  
SKU
4217
Film title_en
Between Insanity and Beauty – The Art Collection of Dr. Prinzhorn
Film title_de
Zwischen Wahnsinn und Kunst - Die Sammlung Prinzhorn
Original title
Zwischen Wahnsinn und Kunst: Die Sammlung Prinzhorn
Long Description_en
Paul Klee and Max Ernst were fascinated by the visual works of psychiatric patients. The Prinzhorn Collection is the world's largest collection of such paintings. Christian Beetz explores the collection in his award-winning documentary BETWEEN INSANITY AND BEAUTY - THE PRINZHORN COLLECTION. Beetz takes the audience on a journey through the archives of the Prinzhorn Collection, which since its inception in the early 1920s, has had a lasting impact on psychiatric and therapeutic practice. Even artists such as Klee, Ernst and the Surrealist movement were inspired by "the art of the insane." The documentary follows the lives of two mentally ill patients and tries to define today's definition of art and mental illness.
Long Description_de
Paul Klee oder Max Ernst interessierten sich für sie: die bildnerischen Werke von Psychiatrie-Patienten. Die Sammlung Prinzhorn ist die weltweit bedeutendste Sammlung solcher Gemälde und wird in Christian Beetz’ preisgekrönter Doku erforscht. Beetz nimmt das Publikum auf eine Entdeckungsreise durch die Archive der Sammlung, die seit ihrem Entstehen Anfang der 1920er Jahre nachhaltigen Einfluss auf die psychiatrische und therapeutische Praxis ausgeübt hat. Auch Künstler wie Klee oder Ernst oder die surrealistische Bewegung begeisterte die »Irrenkunst«. Doch die Doku widmet sich auch der Gegenwart. Sie begleitet zwei psychisch erkrankte Patienten-Künstler und formuliert die Frage nach der heutigen Definition von Kunst und Krankheit.
Year
2007
Country
Germany
Length
75
Age Recommendation
FSK 6
Primary Language Version
German
Subtitles
English
Featuring
narrators/Sprecher/narrateurs: Angela Winkler
Thomas Thieme
Director
Christian Beetz
Screenplay
Christian Beetz
Cinematography
Matthias Schellenberg
Stefan Grandinetti
Jörg Jeshel
Editing
Lars Späth
Sound
Philipp Weigold
Maximilian Preiss
Music
Jan Tilman Schade
Awards
Adolf-Grimme-Preis
Festivals
One World Berlin Human Rights Film Festival
Production
Gebrüder Beetz Filmproduktion
SWR
arte
ZDF-dokukanal
Supported by
MFG Medien- und Filmgesellschaft Baden Württemberg
MEDIA-Development
Volkswagen Stiftung
Image label
Zwischen Wahnsinn und Kunst - Die Sammlung Prinzhorn, Paul Klee, Max Ernst
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12/02/2015
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Unter Schnee

Die renommierte bildende Künstlerin Ulrike Ottinger befasst sich in ihrem Film UNTER SCHNEE, einer Mischung aus Spiel- und Dokumentarfilm, mit den drei Elementen Kabuki, Poesie und Wirklichkeit…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 172  
SKU
4183
Film title_en
Under Snow
Film title_de
Unter Schnee
Original title
Unter Schnee
Long Description_en
Renowned German visual artist Ulrike Ottinger explores Kabuki, poetry and reality in the half documentary, half fictional UNDER SNOW. “Fairytale-like filmic trip.” (Tagesspiegel) In Echigo in Japan the snow often lies several feet deep well into May, covering landscape and villages. Over the centuries the inhabitants have organized their lives accordingly. In order to record their very distinctive forms of everyday life, their festivals and religious rituals Ulrike Ottinger journeyed to the mythical snow country – accompanied by two Kabuki performers. Taking the parts of the students Takeo and Mako they follow in the footsteps of Bokushi Suzuki who in the mid-19th century wrote his remarkable book "Snow Country Tales". These three elements: Kabuki (the classical Japanese dance-theater), poetry and the reality of the Snow Country combine with the music of Yumiko Tanaka to make a visually striking and moving film. “Half a documentary about the Japanese region's traditions, half a cinematic narrative about tales, myths and legends and the overwhelming beauty of snow.” (Der Tagesspiegel)
Long Description_de
Die renommierte bildende Künstlerin Ulrike Ottinger befasst sich in ihrem Film UNTER SCHNEE, einer Mischung aus Spiel- und Dokumentarfilm, mit den drei Elementen Kabuki, Poesie und Wirklichkeit des japanischen Schneelandes Echigo. „Märchenhafter Filmtrip.“ (Der Tagesspiegel) Im japanischen Echigo liegt der Schnee oft bis in den Mai hinein meterhoch und bedeckt Landschaft und Dörfer. Seit Jahrhunderten haben sich die Bewohner darauf eingerichtet. Um ihre ganz eigenen Formen des Alltags, der Feste und religiösen Rituale festzuhalten, hat sich Ulrike Ottinger ins mythische Schneeland begeben – und mit ihr zwei Kabuki-Darsteller. In den Rollen der Studenten Takeo und Mako folgen sie den Spuren Bokushi Suzukis, der Mitte des 19. Jahrhunderts sein außergewöhnliches Buch »Schneeland Symphonie« verfasste. Die drei Elemente Kabuki (das traditionelle japanische Theater), Poesie und Wirklichkeit des Schneelandes verbinden sich mit der Musik von Yumiko Tanaka zu einem bildkräftigen und bewegenden Film. "Halb Dokumentarfilm über die Sitten und Gebräuche des japanischen Landstrichs, halb Filmerzählung über Sagen, Mythen, Legenden und die überwältigende Schönheit von Schnee." (Der Tagesspiegel) „Ulrike Ottingers Werk besticht in seiner schönen Verknüpfung von Ernsthaftigkeit und Heiterkeit, von Strenge und Poesie, von Epos und Leichtigkeit, von Mythos und Geschichte, von Tradition und Moderne.“ (Die Welt)
Year
2011
Country
Germany
Length
103
Age Recommendation
FSK 0
Primary Language Version
German
Featuring
Narrator/Sprecherin Eva Mattes
Director
Ulrike Ottinger
Screenplay
Ulrike Ottinger
Cinematography
Ulrike Ottinger
Editing
Bettina Blickwede
Sound
Andreas Mücke-Niesytka
Music
Yumiko Tanaka
Festivals
Créteil International Women's Film Festival; New Horizons Film Festival Wroclaw
Image label
Unter Schnee, Ulrike Ottinger, Echigo, Japan
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Product_creation_date
13/05/2015
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Séraphine

Mit SÉRAPHINE gelang Martin Provost ein überzeugendes Porträt der wichtigen, aber immer noch weitgehend unbekannten Künstlerin der „Naiven Kunst“, Séraphine…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 68  
SKU
4014
Film title_en
Séraphine
Film title_de
Séraphine
Original title
Séraphine
Long Description_en
Multiple César-winning biopic SERAPHINE stars Yolande Moreau as an uneducated and devout housekeeper who at night creates boldly original paintings. Séraphine de Sennlis is now considered one of France's most significant naive painters. “Vivid, satisfying fact-inspired drama.” (Variety) Séraphine Louis aka Séraphine de Senlis (Yolande Moreau) worked as a cook and housekeeper in an affluent French country home in the early 1900s. In her off-hours Séraphine painted pictures of her rural environment. Having only the scantest materials at hand, she created pigments from elements such as animal blood, oil from church candles, and earth. In 1912 Wilhelm Uhde (Ulrich Tukur), a German art critic and collector, discovered the self-taught artist's paintings while she worked for him as a maid in his lodgings in Senlis outside Paris. Director Martin Provost builds his story around the relationship between the avant-garde art dealer and the visionary domestic, forging a testament to the the mysteries of creativity, and to the resilience of one woman’s spirit.
Long Description_de
Mit SÉRAPHINE gelang Martin Provost ein überzeugendes Porträt der wichtigen, aber immer noch weitgehend unbekannten Künstlerin der „Naiven Kunst“, Séraphine Louis. In Frankreich avancierte das Künstlerportrait mit Yolande Moreau zum Publikumsliebling und gewann sieben Césars. 1912 zieht der deutsche Kunstsammler Wilhelm Uhde in das Städtchen Senlis, um sich dem Schreiben zu widmen und sich vom hektischen Leben in Paris zu erholen. Als Haushälterin stellt er die widerborstige und unscheinbare Séraphine ein. Eines Tages entdeckt er bei Nachbarn ein kleines auf Holz gemaltes Bild, das ihn sogleich fasziniert. Zu seiner großen Überraschung stellt sich heraus, dass das Bild von seiner Haushälterin Séraphine gemalt worden ist. Von den unkonventionellen Werken begeistert, beschließt der Kunstkenner Uhde, der als Entdecker von Picasso und Rousseau gilt, die eigenwillige und von ihren Mitmenschen belächelte Séraphine zu fördern. Yolande Moreau (LOUISE HIRES A CONTRACT KILLER) wurde für ihre zu Recht gefeierte Interpretation der Séraphine mit dem César für die Beste Hauptdarstellerin ausgezeichnet. „Magnetische Präsenz: Ulrich Tukur!“ (Süddeutsche Zeitung)
Year
2008
Country
France
Belgium
Length
120
Age Recommendation
FSK 6
Primary Language Version
French
Subtitles
German
Featuring
Yolande Moreau
Ulrich Tukur
Anne Bennent
Geneviève Mnich
Nico Rogner
Adélaïde Leroux
Serge Larivière
Françoise Lebrun
Director
Martin Provost
Screenplay
Martin Provost
Marc Abdelnour
Cinematography
Laurent Brunet
Editing
Ludo Troch
Music
Michael Galasso
Awards
César: Best Film, Best Actress, Best Original Screenplay, Best Cinematography, Best Score, Best Costumes, Best Art Direction; European Film Award: Nomination Best Actress; Cairo International Film Festival: Best Actress
Festivals
TIFF; Cairo International Film Festival; Edinburgh International Film Festival; Seattle International Film Festival
Image label
Séraphine, Yolande Moreau, Martin Provost
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Product_creation_date
23/02/2015
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Unter Kontrolle

Der Dokumentarfilm UNTER KONTROLLE von Volker Sattel bietet einmalige Einsichten in das Innenleben von Atomkraftwerken. Der Film hatte einen Monat vor der Katastrophe in Fukushima Premiere.…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 201  
SKU
3970
Film title_en
Under Control
Film title_de
Unter Kontrolle
Original title
Unter Kontrolle
Long Description_en
The documentary UNDER CONTROL by Volker Sattel was eerily prescient – the film is a clinical examination of the architecture and inner workings of nuclear power plants around Central Europe, in pristine, meticulously composed CinemaScope images without narration. The film premiered a month before the accident in Fukushima. “The film’s mechanical dreaminess recalls the work of unsubtle, sci-fi auteurs (the crest of Kubrick’s hard-on for the geometrically spacey shows in the nearly erotic pans over the massive, concentric design of the various towers and their entrails), but its planate aesthetic and no-nonsense monologue have more in common with poetic if unemotional renderings of hot-button issues (cf. Gus Van Sant’s “Elephant”)” (Slant) Shot over two years, UNDER CONTROL unfolds a panorama of the ‘peaceful’ use of atomic energy in Germany. By a wide view, this documentary makes the real challenges and incredible efforts visible and shows what nuclear power demands from the humankind. The documentary does not tell the control of the nuclear fission process as a chronological plot but provides a prism of places and sites that not only refracts the scenes of the German atomic age but reflects beyond the current situation. Through a look at a technology that was once used as a synonym of progress also opens up a piece of historical civilization.
Long Description_de
Der Dokumentarfilm UNTER KONTROLLE von Volker Sattel bietet einmalige Einsichten in das Innenleben von Atomkraftwerken. Der Film hatte einen Monat vor der Katastrophe in Fukushima Premiere. „Zeigt die Atomenergie als Technik der Vergangenheit - mit nüchternem Blick und epischem Atem. Er agitiert nie, gibt aber umso mehr Reflexionsmaterial an die Hand.“ (Bert Rebhandl, taz) Der Traum von einer sorgenfreien, sauberen Atomkraft ist ausgeträumt. Der tiefe Glaube an den unaufhaltsamen technischen Fortschritt ist nachhaltig erschüttert. Was passiert wirklich hinter den Mauern der Kernkraftwerke? UNTER KONTROLLE macht das Unsichtbare sichtbar: Drei Jahre arbeitete Regisseur Volker Sattel an UNTER KONTROLLE. Er besuchte deutsche Atomkraftwerke und konnte – noch unbelastet von kommenden Ereignissen wie Fukushima – unglaubliche Einblicke gewinnen. UNTER KONTROLLE zeigt in Cinemascope mit außergewöhnlicher Kraft und Klarheit den Mensch als irritierendes Fremdteilchen in der von ihm selbst geschaffenen Welt. Die Kamera erfasst die Menschen an ihren Arbeitsplätzen, an denen sie scheinbar selbstverständlich mit der gefährlichsten Materie der Welt umgehen. Es sind Bilder, die die monströse Technik sichtbar machen – zwischen Science-Fiction und alltäglichem Wahnsinn. Dabei schafft der Film die Transformation von der einstigen Utopie der „friedlichen Nutzung“ der Atomkraft über das Heute ins Morgen. Werden wir tatsächlich so einfach aus dieser Technologie aussteigen können? Welches Erbe hinterlassen wir künftigen Generationen? Die Diskussion ist nicht zu Ende, sie fängt gerade erst an.
Year
2011
Country
Germany
Length
98
Age Recommendation
FSK 0
Language_code
de:ove
Director
Volker Sattel
Screenplay
Volker Sattel
Stefan Stefanescu
Cinematography
Volker Sattel
Editing
Stephan Krumbiegel
Volker Sattel
Sound
Tim Elzer
Nikolaus Woernle
Filipp Forberg
Awards
FBW-Prädikat: besonders wertvoll; Deutscher Kamerapreis: Bester Dokumentarfilm; DOK.fest München: Bester Film
Festivals
Berlinale; DOK.fest München; Jihlava International Documentary Film Festival; BAFICI - Buenos Aires Film Festival; European Media Art Filmfestival Osnabrück; Jeonju International Film Festival; festival des Deutschen Films Ludwigshafen; Filmkunstfestival MV Schwerin
Image label
Unter Kontrolle, Volker Sattel, Stefan Stefanescu
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Product_creation_date
15/10/2015
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Jürgen Reble: Passion

Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs „Schmelzdahin“, untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 23  
SKU
3964
Film title_en
Jürgen Reble: Passion
Film title_de
Jürgen Reble: Passion
Original title
Passion
Long Description_en
Self-styled “film alchemist” Jürgen Reble, formerly a member of German experimental cinema collective “Schmelzdahin”, explores the material quality of celluloid film by subjecting found footage and his own footage to natural and chemical processes. The result is a film such as PASSION. Deconstruction on the organic level, the visible damage becomes uniquely beautiful when projected on the screen. “PASSION is a film diary in which Reble accompanies his unborn child through the year, following the seasons until his birth. Reble's unfamiliar chemistry generates slowly pulsating structures and colors. Micro and macroscopic imagery build a near abstract, hypnotic landscape - an intimate perception of creation.” (Light Cone Video) "The basic idea is that it is impossible to fix film. Film is something which is always in a state of flux... The images which are "real" in the beginning gradually disintegrate, and the gelatine laye, where the chemicals are lodged, dissolves. All that's left in the end is the 'raging of the elements'..." (Jürgen Reble)
Long Description_de
Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs „Schmelzdahin“, untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür Found Footage und eigene Aufnahmen natürlichen und chemischen Zersetzungsprozessen aus. Daraus resultieren Filme wie PASSION, in denen die sichtbar gemachten Schäden durch die Projektion eine einzigartige Schönheit entfalten. „In einer Art Filmtagebuch werden Ereignisse des täglichen Lebens gesammelt und in Beziehung zu archaisch-evolutionären Bildern gesetzt. Dabei verwebt sich Mikrokosmisches, speziell das Heranwachsen eines Embryos, mit Makrokosmischem. Die Grenzen verwischen durch chemische Zersetzungsprozesse in der Filmemulsion. Es kommt zu einer alchemistischen Spurensuche über die Erforschung des visuellen Ausdrucks von Film auf der Basis seines primären stofflichen Trägermaterials. Am Ende drängt es zur Geburt. Fetzen von Klang- und Melodiestücken kombiniert mit dem rhytmischen Pulsieren, Dröhnen und Sirren der Naturereignisse setzen dramatische Akzente. Es entsteht ein Spannungsgefüge zwischen Bildwelt, Chemie und Klängen.“ (Jürgen Reble)
Year
1989
Country
Germany
Length
53
Director
Jürgen Reble
Screenplay
Jürgen Reble
Image label
Jürgen Reble: Passion
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08/07/2015
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Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna

Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 114  
SKU
3965
Film title_en
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Film title_de
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Original title
Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Long Description_en
With SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL and ZEFIRO TORNA, pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker Jonas Mekas turns his camera ton two other New York artistic luminaries: Andy Warhol and Fluxus iniatiator George Macunias. The films are less traditional documentaries than loose, impressionistic everyday portraits. Jonas Mekas is know for his rapid-fire diary films. His SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL chronicles not only the Pop Art pioneer and Factory master, but also the social and cultural excitement that swirled around him, throbbing to a hypnotic Velvet Underground beat. ZEFIRO TORNA shows “bits of Fluxus events and performances, and picnics with friends (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono, etc.), George’s wedding and footage I took of him in Boston hospital three days before he died.” (Jonas Mekas) Includes these films: Scenes From the Life of Andy Warhol, 1990, 35 min Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias, 1992, 36 min
Long Description_de
Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker Kunstzene der 1960er Jahre: Andy Warhol und Fluxus-Initiator George Macunias (John Lennon und Macunias'Fluxus-Kollegin Yoko Ono sind auch zu sehen). Die Filme sind weniger traditionelle Dokumentarfilme und vielmehr informelle, impressionistische filmische Portraits. Jonas Mekas ist für schnelle Tagebuchfilme bekannt. Sein SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL ist nicht nur eine Chronik des Pop-Art-Pioniers und Factory-Meisters, sondern auch der ganzen Szene um ihn herum, von der aus aufregende kulturelle und gesellschaftliche Impulse ausgingen. Den treibenden Beat des Films liefert The Velvet Underground. ZEFIRO TORNA zeigt „Fetzen von Fluxus-Events und -Performances, Picknicks mit Freunden (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono), Bilder von Georges Hochzeit und Aufnahmen, die ich drei Tage vor seinem Tod in einem Bostoner Krankenhaus gemacht habe.“ (Jonas Mekas) Beinhaltet diese Filme Scenes From the Life of Andy Warhol 1990 35 min Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias 1992 36 min
Year
USA
Country
1990-1992
Length
74
Language_code
en:ove
Featuring
Andy Warhol
George Macunias
Almus
John Lennon
Yoko Ono
Director
Jonas Mekas
Screenplay
Jonas Mekas
Music
The Velvet Underground
Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas
Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas
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Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
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08/07/2015
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Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune

Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 29  
SKU
3966
Film title_en
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Film title_de
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Original title
Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Long Description_en
Jonas Mekas is a pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker. This compilation of seminal short film works brings together Jonas Mekas' many forms of expression from the 1960s to 1980s. His subjects range from the movement and color of the bigtop to the media manipulation during the Vietnam War. At times funny, subversive, provacative, ironic, and fundamentally free, this panorama also shows us the sharp eye and acerbic wit that makes Jonas Mekas more than a filmmaker: a lover of life and people that he embraces with his camera, whose montages sing of eternity. "Mr. Mekas' technique is to point his camera at whatever strikes his fancy and edit it later into a work in which certain visual motifs and moods emerge, with the formal structure kept loose and open-ended.The images fly by in a vertiginous blur until the camera stops to catch its breath and linger momentarily on a particular scene before the race resumes. These fragments have the impatient rhythm of someone trying to swallow the world in one ravenous gulp." (New York Times) Films included: Travel Songs 1967-1981, 25 min Notes on the Circus 1966 12 min Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min
Long Description_de
Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation zeigt die Vielfalt seines filmischen Ausdruckes mit Werken aus den 60er bis 80er Jahren. Seine Sujets reichen von Farben und Bewegung beim Zirkus bis zu Medienmanipulation während des Vietnamkrieges. In allen Filmen sind ein kaustischer Witz und Mekas' scharfes Auge sichtbar. „Mr. Mekas's Technik ist wie folgt: Er richtet seine Kamera auf etwas, das ihn interessiert und montiert die Aufnahmen zu einem Werk, in dem visuelle Motive und Stimmungen zum Vorschein kommen. Dabei bleibt die Form offen. Die Bilder verschwimmen zu einem schwindelerregenden Sog, bis die Kamera sich eine Atempause gönnt und für ein paar Momente bei einer bestimmten Szene verharrt. Danach beginnt der Wettlauf von Neuem. Diese Fragmente haben einen ungeduldigen Rhythmus, als ob jemand wie ausgehungert die ganze Welt auf einmal verschlingen möchte.“ (New York Times) Das Programm einhaltet diese Filme: Travel Songs 1967-1981, 25 min Notes on the Circus 1966 12 min Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min
Year
1966-1981
Country
USA
Length
41
Language_code
en:ove
Director
Jonas Mekas
Screenplay
Jonas Mekas
Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel
Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel
Image label
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
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Berenice Abbott: A View of the 20th Century

Der Dokumentarfilm BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY zeichnet das Leben einer Künstlerin nach, die die moderne Fotografie wie wenige andere gesprägt hat. Regisseurinnen Kay Weaver…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 118  
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3961
Film title_en
Berenice Abbott: A View of the 20th Century
Film title_de
Berenice Abbott: A View of the 20th Century
Original title
Berenice Abbott: A View of the 20th Century
Long Description_en
The documentary BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY shows the life and times of one of an artist who shaped modern photography like few others. Filmmakers Kay Weaver and Martha Wheelock interview Abbott as she shows over 200 photographs and looks back on her six-decade career. Critics place Berenice Abbott at the head of her class; she was one of the greatest American photographers of the 20th Century. Abbott's genius is in the incredible range of her work: her portraits of avant-garde artists taken in Paris during the 1920s, her documentation of New York in the 1930s, her science photography of the 1950s and her studies of small-town America. Filmed during the open-heated photographer's 91st and 92nd years, BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY takes viewers on a guided tour of her 20th Century. The tour teaches history, perseverance, courage, and single-minded dedication to one's chosen field.
Long Description_de
Der Dokumentarfilm BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY zeichnet das Leben einer Künstlerin nach, die die moderne Fotografie wie wenige andere gesprägt hat. Regisseurinnen Kay Weaver und Martha Wheelock interviewen Abbott am Ende ihres Lebens. Sie blickt auf sechs Jahrzehnte ihrer Karriere zurück und zeigt über 200 Fotos. Berenice Abbott gilt als einer der größten amerikanischen Fotografewn des 20. Jahrhunderts. Ihre Porträts von Avantgardekünstlern im Paris der 1920er Jahre, ihre Dokumentarfotografie von New York in den 30ern, die wissenschaftlichen Aufnahmen und Kleinstadtporträts der 50er Jahre bezeugen eine Bandbreite, auf die ihr Genie beruht. Gefilmt als Abbott 91 und 92 Jahre alt war, kurz vor ihrem Tod, ist BERENICE ABBOTT: A VIEW OF THE 20TH CENTURY eine fachkundige Führing mit Fotos des 20. Jahrhunderts, aus Abbotts ganz persönlicher Sicht. Abbotts Geschichtsbewußtsein, Ausdauer, Mut und Hingabe kommen dabei zum Vorschein.
Year
1992
Country
USA
Length
56
Language_code
en:ove
Featuring
Berenice Abbott
Director
Martha Wheelock
Kay Weaver
Editing
Martha Wheelock
Image label
Berenice Abbott, A View of the 20th Century, Martha Wheelock, Kay Weaver
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08/07/2015
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Viking Eggeling: Diagonal Symphony

Der schwedische Künstler und Animationsfilmer Viking Eggeling kam in den 1920er Jahren nach Berlin, damals ein Zentrum der Dada-Bewegung. Hier entstand seine SYMPHONIE DIAGONALE, ein stummer,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 51  
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3962
Film title_en
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
Film title_de
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
Original title
Symphonie Diagonale
Long Description_en
Swedish born artist-animator Viking Eggeling moved to 1920s Berlin, which at the time was a center of Dadaism. There he created SYMPHONIE DIAGONALE, a silent, abstract animated film that nevertheless emulates music through its use of repetition, contrast, rhythm and graphic depictions of sound. Eggeling's work is a precursor to the music clip and VJing. A tilted figure, consisting largely of right angles at the beginning, grows by accretion, with the addition of short straight lines and curves which sprout from the existing design. The figure vanishes and the process begins again with a new pattern, each cycle lasting one or two seconds. The complete figures are drawn in a vaguely Art Deco style and could be said to resemble any number of things, an ear, a harp, panpipes, a grand piano with trombones, and so on, only highly stylized. The tone is playful and hypnotic.
Long Description_de
Der schwedische Künstler und Animationsfilmer Viking Eggeling kam in den 1920er Jahren nach Berlin, damals ein Zentrum der Dada-Bewegung. Hier entstand seine SYMPHONIE DIAGONALE, ein stummer, abstrakter Animationsfilm, das dennoch Musik evoziert durch den Einsatz von Wiederholung, Kontrast, Rhythmus und graphische Entsprechungen von Ton. Eggeling gilt als Wegbereiter des Musikclips und des VJing. 1923 entstand in den Universum Film (UFA)-Trickfilmateliers unter seiner Leitung das Werk Diagonal-Symphonie, ein Stummfilm in Schwarz-Weiß mit einer Länge von 7 ¾ Minuten. Hierbei benutzte er selbstentworfene Bilder als Vorlagen, die er mit schwarzem Papier abdeckte und langsam freilegte, indem er das Papier verschob oder Figuren ins Papier schnitt. Die Figuren sind im Art Déco Stil; die stilisierten Figuren erinnern an ein Ohr oder verschiedene Musikinstrumente. Der Film wurde 1924 fertiggestellt und am 3. Mai 1925 im Rahmen der Matinee, „Der absolute Film“, öffentlich aufgeführt.
Year
1924
Country
Germany
Length
7
Director
Viking Eggeling
Miscellaneous_en
aka Diagonal-Symphonie
Miscellaneous_de
aka Diagonal-Symphonie
Image label
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
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Product_creation_date
08/07/2015
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Michael Snow: Rameau's Nephew

Der legendäre kanadische Experimentalfilmemacher, Musiker und Künstler Michael Snow untersucht Semantik und der Nummer 24 in einer Reihe von spielerischen, innovativen Filmvignetten, mit…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 118  
SKU
3959
Film title_en
Michael Snow: Rameau's Nephew
Film title_de
Michael Snow: Rameau's Nephew
Original title
Rameau's Nephew
Long Description_en
Legendary Canadian experimental filmmaker-artist-musician Michael Snow explores the semantic and cinematic meaning of the number 24 in a series of playful, innovative film vignettes also featuring contributions from fellow artists like Nam June Paik. “RAMEAU'S NEPHEW makes me crazy, makes the top of my head go flying off. I have a need of its particular regenerative insanity at least once a month." (Amy Taubin, Film Critic) Michael Snow presents a cinematic essay on the multiples of 24. The film runs at 24 frames per second, and there are 24 individual sequences interrupted by the brief use of multi-colored flickers to break up the syntagmatic axis. As all of Michael Snow's works do, RAMEAU'S NEPHEW invites us to experience, question and contemplate representation, process and material. The film illustrates his research both in the visual arts and in sound - an authentic 'talking picture,' built from the true units of the syllable and the frame.
Long Description_de
Der legendäre kanadische Experimentalfilmemacher, Musiker und Künstler Michael Snow untersucht Semantik und der Nummer 24 in einer Reihe von spielerischen, innovativen Filmvignetten, mit Beiträgen von Künstlerkollegen wie Künstler Nam June Paik. „RAMEAU'S NEPHEW macht mich kirre, da fliegt mir die Schädeldecke weg. Ich muss mir diesen regenerativen Wahnsinn mindestens einmal im Monat geben." (Amy Taubin, Filmkritikerin) Michael Snow präsentiert einen Filmessay über die Zahl 24. Der Film läuft mit 24 Bildern pro Sekunde, und der Film besteht aus 24 Sequenzen, die durch Einzelbildern in mehreren Farben von einander getrennt werden, um die syntagmatische Achse zu durchbrechen. So wie allen Werke von Michael Snow lädt RAMEAU'S NEPHEW BY DIDEROT (THANX TO DENNIS YOUNG) BY WILMA SCHOEN dazu ein, Prozess und Materialität der Abbildung zu erfahren und hinterfragen.
Year
1970-1974
Country
Canada
Length
255
Language_code
en:ove
Featuring
Michael Snow
Jonas Mekas
Dennis Young
Nam-June Paik
P. Adams Sitney
Marie Antoinette Roy
Amy Taubin
Director
Michael Snow
Screenplay
Michael Snow
Miscellaneous_en
aka Rameau's Nephew by Diderot (Thanx to Dennis Young) by Wilma Schoen
Miscellaneous_de
aka Rameau's Nephew by Diderot (Thanx to Dennis Young) by Wilma Schoen
Image label
Michael Snow: Rameau's Nephew
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Product_creation_date
08/07/2015
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Stan VanDerBeek: Visibles

VISIBLES versammelt die wichtigsten Kurzfilme des Experimentalfilmpioniers Stan VanDerBeek. VanDerBeeks Kollagen-Stil, gespickt mit popkulturellen Referenzen, beeinflusste nachhaltig die Animationen,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 87  
SKU
3960
Film title_en
Stan VanDerBeek: Visibles
Film title_de
Stan VanDerBeek: Visibles
Original title
Visibles
Long Description_en
VISIBLES is a collection of key short films by pioneering experimental filmmaker Stan VanDerBeek. VanDerBeek's collage-like and pop culture savvy style was inspired by Dadaism and Surrealism. His work was a major inspiration for Monty Python animator and director Terry Gilliam. "Stan VanDerBeek is one of our few genuine film artists - a poet, a clown, a laughing man of the Bomb Age." (Jonas Mekas) VanDerBeek's early collage animation was created in the spirit of the Surrealist and Dadaist work of Max Ernst, but with a wild, rough informality more akin to the expressionism of the Beat Generation. His utopian experiments in expanded cinema included building a dome theater with dozens of projectors and creating computer animated films and holographic experiments with Bell Labs. In the 1970s he designed global fax murals, steam projections, and interactive television programs. The collection includes these films: Science Friction 1959 10min A la mode 1959 7min Breathdeath 1963 15min Poemfield n°2 1971 6min Achoo Mr Kerrooschevv 1960 2min See Saw Seams 1965 9min Panels for the Walls of the World 1967 8min Oh 1968 10min Symmetricks 1971 6min
Long Description_de
VISIBLES versammelt die wichtigsten Kurzfilme des Experimentalfilmpioniers Stan VanDerBeek. VanDerBeeks Kollagen-Stil, gespickt mit popkulturellen Referenzen, beeinflusste nachhaltig die Animationen, die Regisseur Terry Gilliam für Monty Python kreiiert hat. “Stan VanDerBeek is one of our few genuine film artists - a poet, a clown, a laughing man of the Bomb Age." (Jonas Mekas) VanDerBeeks frühe animierten Kollagen sind im Geist des Dadaismus und von Surrealisten wie Max Ernst, gleichzeitig sind sie mit der rauhen, informellen, expressionistischen Poesie der Beat Generation verwandt. VanDerBeek hatte stets eine utopische Vision des Kinos, die er mit Expanded Cinema Experimenten wie eine mit dutzenden von Projektoren ausgestattete Kinokuppel sowie seine Computeranimationen und holografischen Filme, die er mit Unterstützung von Bell Labs realisierte. In den 1970er Jahren arbeitete er an Projektionen mit Dampf und interaktiven TV-Programmen. Die Kollektion umfasst diese Filme: Science Friction 1959 10min A la mode 1959 7min Breathdeath 1963 15min Poemfield n°2 1971 6min Achoo Mr Kerrooschevv 1960 2min See Saw Seams 1965 9min Panels for the Walls of the World 1967 8min Oh 1968 10min Symmetricks 1971 6min
Year
1959-1971
Country
USA
Length
100
Language_code
en:ove
Director
Stan Vanderbeek
Image label
Stan VanDerBeek: Visibles
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Product_creation_date
07/08/2015
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stan-vanderbeek-visibles
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Michael Snow: Presents

Der strukturalistische Filmemacher Michael Snow (*Toronto, 1929) gilt als einer der einflussreichsten Experimentalfilmer der Welt und ist einer der wichtigsten Künstler Kanadas. Sein Werk wurde…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 199  
SKU
3958
Film title_en
Michael Snow: Presents
Film title_de
Michael Snow: Presents
Original title
Presents
Long Description_en
Structuralist filmmaker Michael Snow (Toronto, 1929) is considered one of the world's most influential experimental filmmakers and is the subject of retrospectives in many countries. He is considered one of Canada's most important living artists. PRESENTS is literally a film within a film. A prolific painter, photographer, sculptor, jazz musician and filmmaker, Snow invites us to contemplate between what is represented its process and material. "The apparent vertical scratch in celluloid that opens PRESENTS literally opens into a film within the film. When its figure awakens into a woman in a 'real' unreal set, the slapstick satire of structural film begins. It is not the camera that moves, but the whole set... Snow pushes us into acceptance of present moments of vision, but the single drum beat that coincides with each edit in this elegiac section announces each moment of life's irreversible disappearance." A monster of formalism. (Philip Monk, Art Express)
Long Description_de
Der strukturalistische Filmemacher Michael Snow (*Toronto, 1929) gilt als einer der einflussreichsten Experimentalfilmer der Welt und ist einer der wichtigsten Künstler Kanadas. Sein Werk wurde in vielen Ländern ausgestellt. PRESENTS ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Film im Film. Snow, der als Maler, Fotograf, Bildhauer, Jazzmusiker und Filmemacher aktiv ist, lädt mit PRESENTS den Zuschauer dazu ein, das Verhältnis zwischen dem Dargestellten und den dahinter liegenden Prozessen und Material zu betrachten. „The apparent vertical scratch in celluloid that opens PRESENTS literally opens into a film within the film. When its figure awakens into a woman in a 'real' unreal set, the slapstick satire of structural film begins. It is not the camera that moves, but the whole set... Snow pushes us into acceptance of present moments of vision, but the single drum beat that coincides with each edit in this elegiac section announces each moment of life's irreversible disappearance. A monster of formalism.“ (Philip Monk, Art Express)
Year
1981
Country
Canada
Length
94
Language_code
en:ove
Director
Michael Snow
Image label
Michael Snow: Presents
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
08/07/2015
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Peter Rose: Analogies

PETER ROSE: ANALOGIES ist eine Kollektion von Kurzfilmen des amerikanischen Experimentalfilmregisseurs Peter Rose. "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 151  
SKU
3956
Film title_en
Peter Rose: Analogies
Film title_de
Peter Rose: Analogies
Original title
Peter Rose: Analogies
Long Description_en
PETER ROSE ANALOGIES is a collection of short films by the American experimental film artist, Peter Rose. Films include: INCANTATION (1968-1972, 8') was shown as part of the Whitney Museum's New American Filmmakers Series. The film was shot entirely in the camera. ANALOGIES – STUDIES IN THE MOVEMENT OF TIME (1977, 14') uses a variety of multiple screen formats to create an intriguing series of visual riddles. SECONDARY CURRENTS (1983-1990, 16') is a comic opera, a dark metaphor for the order and entropy of language. SPIRIT MATTER (1991, 6') was constructed without a camera by writing directly on clear celluloid. THE MAN WHO COULD NOT SEE FAR ENOUGH (1981, 33') ranges in subject from a solar eclipse shot off the coast of Africa to a hand-held filmed ascent of the Golden Gate Bridge, and moves, in spirit, from the deeply personal to the mythic. It has won major awards of distinction at numerous festivals and is in collections at Centre Pompidou in Paris and at Image Forum in Tokyo. "I'm an escape artist. I aspire to travel in the fifth dimension, to speak unknown languages, to discover the next stage in the evolution of thought. I construct structural parables that allude to the possibility of there being more to the universe than is permitted by our explanations." (Peter Rose)
Long Description_de
PETER ROSE: ANALOGIES ist eine Kollektion von Kurzfilmen des amerikanischen Experimentalfilmregisseurs Peter Rose. "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften Dimension reisen, will unbekannte Sprachen sprechen und die nächste Stufe in der Entwicklung des Denkens entdecken". (Peter Rose) Filme in diesem Programm: INCANTATIONS (1968-1972) 8' ANALOGIES – STUDIES IN THE MOVEMENT OF TIME (1977) 14' THE MAN WHO COULD NOT SEE FAR ENOUGH (1981) 33' SECONDARY CURRENTS (1983-1990) 16' SPIRIT MATTER (1991) 6' "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften Dimension reisen, will unbekannte Sprachen sprechen und die nächste Stufe in der Entwicklung des Denkens entdecken. Ich schaffe strukturelle Parabeln, die auf die Möglichkeit hinweisen, dass das Universum mehr birgt, als was wir mit unseren Erklärungen begreifen können." (Peter Rose)
Year
1968-1991
Country
USA
Length
80
Language_code
en:ove
Director
Peter Rose
Image label
Peter Rose: Analogies
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Product_creation_date
08/05/2015
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Paul Sharits: Mandala Films

Der bildende Künstler und Avantgarde-Filmemacher Paul Sharits (1943-1993) gilt als einer der Meister des abstrakten "Flicker“-Films. Er entstammt der Strukturfilmbewegung und wird oft…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 53  
SKU
3957
Film title_en
Paul Sharits: Mandala Films
Film title_de
Paul Sharits: Mandala Films
Original title
Paul Sharits: Mandala Films
Long Description_en
Paul Sharits (1943-93) , a visual artist, best known for his work in avant-garde filmmaking, was a maestros of the so-called ‘flicker’ film – abstract films based on rapidly alternating frames of solid color. His work falls into the structural film movement, along with that of other artists such as Tony Conrad, Hollis Frampton, and Michael Snow. The physiological and psychological effects of flicker films can be pleasurable, even exhilarating. Sharits conceived and described his films with reference to ‘mandalas’, the geometric shapes used by followers of many religious traditions as an aid to meditation and induce trance states. The Paul Sharits MANDALA FILMS are based on intense, rapid-fire pulses of color interspersed with arresting still images: a couple making love in Peace Mandala/End War and a man cutting off his own tongue with glitter-covered scissors in T,O,U,C,H,I,N,G. Film includes: Peace Mandala/End War (1966) 5 min N:O:T:H:I:N:G (1968) 36 min T,O,U,C,H,I,N,G (1968) 12 min
Long Description_de
Der bildende Künstler und Avantgarde-Filmemacher Paul Sharits (1943-1993) gilt als einer der Meister des abstrakten "Flicker“-Films. Er entstammt der Strukturfilmbewegung und wird oft in einem Atemzug mit Künstlern wie Tony Conrad, Hollis Frampton und Michael Snow genannt. Filme in diesem Programm: PEACE MANDALA/END WAR (1966) 5 min N:O:T:H:I:N:G (1968) 36 min T,O,U,C,H,I,N,G (1968) 12 min Die physiologischen und psychologischen Auswirkungen der Flicker-Filme können angenehm, sogar berauschend sein. Paul Sharits konzipierte seine Filme wie "Mandalas", deren geometrische Formen in bestimmten religiösen Traditionen zur Meditation eingesetzt werden und ihren Anhängern helfen, in Trance zu verfallen. In PEACE MANDALA liebt sich ein Paar und in T, O, U, C, H, I, N, G. schneidet sich ein Mann die eigene Zunge mit einer glitzernden Schere ab.
Year
1966-1968
Country
USA
Length
50
Language_code
en:ove
Director
Paul Sharits
Image label
Paul Sharits: Mandala Films
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Product_creation_date
08/05/2015
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Edward Steichen - Masters of Photography

EDWARD STEICHEN - MASTERS OF PHOTOGRAPHY ist ein filmisches Porträt des großen Fotografen, der von 1879 bis 1973 gelebt hat. Der Film ist gegen Ende seines Lebens entstanden und lässt…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 100  
SKU
3952
Film title_en
Edward Steichen - Masters of Photography
Film title_de
Edward Steichen - Masters of Photography
Original title
Edward Steichen - Masters of Photography
Long Description_en
EDWARD STEICHEN - MASTERS OF PHOTOGRAPHY is a documentary profile of the great photographer who lived from 1879 to 1973. It reviews his life and many of his best known images. Shot toward the end of his life, the film was made at his home and includes scenes showing him at work there with his huge view camera. He reminiscences about his work and chosen aesthetic, and includes comments by his wife Johanna. From the beginning of the century Steichen was an active proponent of the idea that photography was a fine art, and as director of the photography department of the Museum of Modern Art in New York City (1947-1962) he was responsible for the 1964 “The Family of Man” exhibition, one of the most influential displays of photos ever mounted.
Long Description_de
EDWARD STEICHEN - MASTERS OF PHOTOGRAPHY ist ein filmisches Porträt des großen Fotografen, der von 1879 bis 1973 gelebt hat. Der Film ist gegen Ende seines Lebens entstanden und lässt sein Leben und seine bekanntesten Fotos Revue passieren. Steichen ist bei der Arbeit mit seiner Großformatkamera in seinem Heimstudio zu sehen. Steichen erklärt auch seine Arbeitsweise und ästhetischen Ansatz, kommentiert von seiner Frau Johanna. Seit Anfang des 20. Jahrhunderts kämpfte Steichen für die Anerkennung der Fotografie als Bildende Kunst. Von 1947 bis 1962 war er Direktor der Fotografieabteilung des Museum of Modern Art in New York City, wo er die Ausstellung „The Family of Man” kuratiert hat, einer der einflussreichsten Fotoschauen aller Zeiten.
Year
1986
Country
USA
Length
26
Language_code
en:ove
Director
Creative Arts Television
Miscellaneous_en
aka This is Edward Steichen
Miscellaneous_de
aka This is Edward Steichen
Image label
Edward Steichen - Masters of Photography
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Product_creation_date
05/08/2015
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Len Lye: Rhythms

LEN LYE: RHYTHMS ist eine Kollektion der wichtigsten Werke des in Neuseeland geborenen Pioniers des Animations- und Experimentalfilms aus allen Phasen seiner Karriere. Len Lye gilt als einer der…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 32  
SKU
3953
Film title_en
Len Lye: Rhythms
Film title_de
Len Lye: Rhythms
Original title
Len Lye: Rhythms
Long Description_en
RHYTHMS is a collection of the most significant film works of the New Zealand-born animation and experimental film pioneer, LEN LYE. Len's films are held in the British Film Institute, Museum of Modern Art in New York City, and the Pacific Film Archive at University of California, Berkeley. RHYTHMS spans Lye's entire career. Len Lye (1901-1980) was a major figure in experimental filmmaking as well as leading kinetic sculptor and an innovative theorist, painter and writer. He pioneered "direct film", film made without a camera, by painting and scratching images directly onto celluloid, by reworking found footage, by casting shadows of objects onto unexposed film, and by experimenting with a number of early color techniques. The collection includes: - Kaleidoscope, 1935, 35mm, 4' - Colour Flight, 1938, 35mm, 4' - Swinging the Lambeth Walk, 1939, 35mm, 4' - Color Cry, 1953, 16mm, 3' - Rhythm, 1957, 16mm, 1' - Free Radicals, 1958/1979, 16mm, 4' - Particles in Space, 1967-1971/1979, 16mm, 4' - Tal Farlow, 1960/1980, 16mm, 2' These films are available in up-resed HD video, originating from an SD telecinema. The animated cinema of Len Lye consists of particularly difficult elements to encode digitally. Re:Voir and realeyz are aiming to find the best video solutions; for the time being, this is the best existing copy of Len Lye's films.
Long Description_de
LEN LYE: RHYTHMS ist eine Kollektion der wichtigsten Werke des in Neuseeland geborenen Pioniers des Animations- und Experimentalfilms aus allen Phasen seiner Karriere. Len Lye gilt als einer der wichtigsten Regisseure des Experimentalfilms. Len Lye (1901-1980) war ein einflussreicher Experimentalfilmemacher, Schöpfer von kinetischen Skulpturen und innovativer Theoretiker, Maler und Autor. Er war ein Pionier des "direkten Films", die er ohne Kamera erstellt hat, indem er auf den Filmstreifen malte und kratzte. Er arbeitete auch mit Found Footage Material und erprobte neue Farbverfahren. Die Kollektion umfasst folgende Titel: - Kaleidoscope, 1935, 35mm, 4' - Colour Flight, 1938, 35mm, 4' - Swinging the Lambeth Walk, 1939, 35mm, 4' - Color Cry, 1953, 16mm, 3' - Rhythm, 1957, 16mm, 1' - Free Radicals, 1958/1979, 16mm, 4' - Particles in Space, 1967-1971/1979, 16mm, 4' - Tal Farlow, 1960/1980, 16mm, 2' Diese Filme sind in HD-Versionen verfügbar, hochskaliert von SD-Filmabtastungen. Die animierten Filme von Len Lye stellten besondere Herausforderungen für die digitale Encodierung dar. Re:Voir und realeyz bieten die bestmöglichen Fassungen an.
Year
1935-1980
Country
UK
USA
New Zealand
Length
50
Age Recommendation
FSK 6
Language_code
en:ove
Director
Len Lye
Image label
Len Lye: Rhythms
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Product_creation_date
05/08/2015
URL_key
len-lye-rhythms
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André Kertész - Masters of Photography

ANDRÉ KERTÉSZ - MASTERS OF PHOTOGRAPHY ist ein Porträt des weltberühmten und innovativen Fotografen in seinen eigenen Worten und Bildern. Regie führte Cornell Capa,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 49  
SKU
3951
Film title_en
André Kertész - Masters of Photography
Film title_de
André Kertész - Masters of Photography
Original title
André Kertesz - Masters of Photography
Long Description_en
ANDRÉ KERTÉSZ - MASTERS OF PHOTOGRAPHY is a portrait of the world famous and innovative Hungarian photographer by Cornell Capa, a famous photographer in his own right. Ranging over the whole scope of his work, this documentary presents Kertész in his own words, explaining his pictures and sharing his memories. “We all owe him a great deal.” (Henri Cartier-Bresson) André Kertész, “the father of 35 millimeter photography,” was born in Hungary in 1894. He lived in the Paris of the 1920’s and 1930’s, then emigrated to the United States just before World War Two. Long before every home had a camera, his work embodied the spirit of what the world now calls candid photography: personal, mobile, unposed. Today, Kertész is considered to be one of the most influential photographers of the 20th century thanks to his photo journalism and innovative compositions. Ranging over the whole scope of his life work, this documentary presents Kertész in his own words, explaining his pictures and sharing his memories – provincial life in Hungary, Central Europe during the First World War, famous friends like Colette, Eisenstein, Chagall and Mondrian, architectural details of the poetry of human life. Kertész takes us through his archives, and out on the streets of New York to watch him shoot in his beloved Washington Square and the medieval environment of the Cloisters.
Long Description_de
ANDRÉ KERTÉSZ - MASTERS OF PHOTOGRAPHY ist ein Porträt des weltberühmten und innovativen Fotografen in seinen eigenen Worten und Bildern. Regie führte Cornell Capa, ebenfalls renommierter Fotograf. André Kertész, „der Vater der 35mm-Fotografie,“ wurde 1894 in Ungarn geboren. In den 20er und 30er Jahren des 20. Jahrhunderts lebte er in Paris, kurz vor Ausbruch des 2. Weltkriegs emigrierte er dann in die USA. Lange bevor es in jedem Haushalt eine Kamera gab, nahm das Werk von Kertész das vorweg, was wir heute unter Schnappschüssen verstehen: persönlich, mobil und ungestellt. "Wir alle verdanken ihm sehr viel,“ sagte Henri Cartier-Bresson. Heute gilt Kertész als einer der einflussreichsten Fotografen des 20. Jahrhunderts dank seines journalistischen Auges und innovativen Bildkompositionen. Dieser Dokumentarfilm zeigt die gesamte Bandbreite seines Lebenswerkes und lässt Kertész selbst zu Wort kommen über seine Arbeitsweise und Erinnerungen. Über seine Jugend in der ungarischen Provinz, seine Erlebnisse im 1. Weltkrieg, berühmte Freunde wie Colette, Eisenstein, Chagall und Mondrian, und die architektonischen Details der Poesie des menschlichen Daseins. Kertész gibt Zuschauer Einblick in seine Archive und lässt sie an einem Fotoshooting im Mittelaltermuseum The Cloisters am Washington Square in New York teilhaben.
Year
1989
Country
USA
Length
28
Language_code
en:ove
Featuring
André Kertesz
Director
Cornell Capa
Miscellaneous_en
aka A Profile of André Kertesz
Miscellaneous_de
aka A Profile of André Kertesz
Image label
André Kertész - Masters of Photography, documentary, Cornell Capa
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
05/08/2015
URL_key
andre-kertesz-masters-of-photography
URL_path
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full_film
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Tony Conrad: The Flicker

In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 138  
SKU
3949
Film title_en
Tony Conrad: The Flicker
Film title_de
Tony Conrad: The Flicker
Original title
The Flicker
Long Description_en
In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score that evokes the sound of a projector was composed and performed by Conrad on a self-built electronic musical instrument. “The ultimate to date in the nonobjective film is Tony Conrad's THE FLICKER. It has only black and white frames... and the resulting strobe effect can cause the illusion of colour, of a spreading of light, and of lacy patterns. Seeing THE FLICKER will cause one person in every fifteen thousand to have an epileptic seizure.” (Sheldon Reynon, An Introduction To The American Underground Film) “What?! THE FLICKER on video?!??! Tony says he likes it better...!“ (Re-Voir Blog)
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In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score that evokes the sound of a projector was composed and performed by Conrad on a self-built electronic musical instrument. “The ultimate to date in the nonobjective film is Tony Conrad's THE FLICKER. It has only black and white frames... and the resulting strobe effect can cause the illusion of colour, of a spreading of light, and of lacy patterns. Seeing THE FLICKER will cause one person in every fifteen thousand to have an epileptic seizure.” (Sheldon Reynon, An Introduction To The American Underground Film) “What?! THE FLICKER on video?!??! Tony says he likes it better...!“ (Re-Voir Blog)
Year
1965
Country
USA
Length
30
Language_code
en
Director
Tony Conrad
Music
Tony Conrad
Festivals
Whitney Biennial
Image label
Tony Conrad: The Flicker
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Product_creation_date
05/08/2015
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full_film
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Björk - Biophilia Live

Der britische Regisseur Peter Strickland dokumentiert meisterhaft die einzigartige „Biophilia“ Liveshow der Ausnahmemusikerin und -künstlerein Björk als multimediales…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 59  
SKU
3840
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Björk - Biophilia Live
Film title_de
Björk - Biophilia Live
Original title
Björk - Biophilia Live
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British director Peter Strickland masterfully transfers the unique “Biophilia“ live show by singer-songwriter extraordinaire and multimedia artist Björk to home viewing. “Part Space Odyssey-style psychedelic mindf*ck...as a one-off big-screen experience, it's definitely a trip.” (Concrete Playground) Between “Berberian Sound Studio“, his acclaimed homage to the Italian horror film subgenre “giallo“, and his recent art house hit and cult classic in the making “The Duke of Burgundy“, Peter Strickland applied his innovative use of sound and image to capture Björk's “Biophilia“ tour on film, together with co-director and editor Nick Fenton. Released in 2011, Björk's “Biophilia” album was one of the first works of popular music to be made available as an interactive app. Recorded live at Björk's show at London's Alexandra Palace in 2013, the film features Björk and her band performing every song on “Biophilia” and more using a broad variety of instruments - some digital, some traditional and some completely unclassifiable. The visuals, which explore the relationship between natural and digital worlds, are based upon the app, while Strickland's and Fenton's directorial and montage skills are showcased in their own right. And Björk can reassert her enormous charisma as a performer, which was somewhat obscured by the controversy surrounding her recent MoMA retrospective. “A must for [not only] fans of the avant-garde pixie.” (Los Angeles Times)
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Der britische Regisseur Peter Strickland dokumentiert meisterhaft die einzigartige „Biophilia“ Liveshow der Ausnahmemusikerin und -künstlerein Björk als multimediales Heimkinoerlebnis. “Ein einmaliges Kinoerlebnis wie seinerzeit „2001“. Ein Trip.” (Concrete Playground) Zwischen „Berberian Sound Studio“, seiner gefeierten Hommage an den italienischen „Giallo“-Horrorfilm und dem Arthouse-Hit und Kultklassiker „The Duke of Burgundy“, hat Peter Strickland seine besondere Affinität und seinen Einfallsreichtum im Bereich des Filmtons in den Dienst der isländischen Diva und Gesamtkunstwerks Björk gestellt. Zusammen mit Cutter Nick Fenton hat Strickland das letzte Konzert von Björks „Biophilia“ Tournee im Londoner Alexandra Palace 2013 festgehalten. Das Album „Biophilia“ (2011) war eine der ersten Pop-Platten mit dazugehöriger interaktiver App. Im Film spielen Björk und Band jeden Song von „Biophilia“ sowie auch ältere Stücke, auf digitalen und traditionellen Instrumenten. Die Visuals, die das Verhältnis zwischen natürlichen und digitalen Welten ausloten, basieren auf Motiven der App. Björk kann aus dem Schatten der kontroversen MoMA-Retrospektive treten und ihr außergewöhnliches Charisma als Performerin bestätigen. “Ein Muß [nicht nur] für Fans der Avantgarde-Fee.” (Los Angeles Times)
Year
2014
Country
UK
Length
96
Primary Language Version
English
Featuring
Björk
Manu Delago
David Attenborough
Director
Peter Strickland
Nick Kenton
Cinematography
Brett Turnbull
Editing
Nick Fenton
Music
Björk
Festivals
Tribeca Film Festival; Karlovy Vary IFF; New Horizons Film Festival Wroclaw; BFI London Film Festival; CPH:DOX Copenhagen; Venice International Film Festival; Rio de Janeiro IFF
Image label
Björk - Biophilia Live
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2925
Product_creation_date
02/07/2015
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bjork-biophilia-live
URL_path
bjork-biophilia-live.html
full_film
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Blood And Ink

Der Dokumentarfilm BLOOD AND INK von Amanda D. Fornal untersucht die tiefen kulturgeschichtlichen Wurzeln des Tattoos und die bisher unbekannte Rolle von Frauen. Menschen auf der nahezu ganzen Welt…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0    | 13  
SKU
3841
Film title_en
Blood And Ink
Film title_de
Blood And Ink
Original title
Blood And Ink
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The documentary BLOOD AND INK by Amanda D. Fornal investigates the deep historical and cultural roots of tattoos and takes a rare look at the role of women in the history of tattooing. Tattoos can be found on people in almost every country in the world. Some people wear these permanent markings to demonstrate style, membership, or identification while others for remembrance or just outright eccentricity. Few however can tell you the history behind this ancient form of body modification. A part of this tale traveled on the arms of sailors from the magical islands of the South Pacific to Europe and beyond. The story of tattoo abolishment and resurgence in this captivating area of the world has many nuances such as cultural identity, religious affiliation, women’s rights and more. A part of this tale traveled on the arms of sailors from the magical islands of the South Pacific to Europe and beyond.
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Der Dokumentarfilm BLOOD AND INK von Amanda D. Fornal untersucht die tiefen kulturgeschichtlichen Wurzeln des Tattoos und die bisher unbekannte Rolle von Frauen. Menschen auf der nahezu ganzen Welt haben Tätowierungen. Bei manchen sind diese dauerhaften Körpermarkierungen Ausdruck von Mode, Gruppenzugehörigkeit oder Kennzeichnung, bei anderen dient die Tätowierung der Erinnerung oder ist einfach ein Zeichen von exzentrischer Eigenständigkeit. Wenige kennen allerdings die Geschichte dieser archaischen Form der Körpermodifizierung. Ein Teil dieser Geschichte lässt sich auf den Armen von Matrosen ablesen, die von den verzauberten Südinseln nach Europa und darüber hinaus gesegelt sind. Die Geschichte des Verbots und Wiedereinführung der Tätowierung in Ozeanien beinhaltet Aspekte wie kulturelle Identität, religiöse Zugehörigkeit und Frauenrechte.
Year
2012
Country
USA
Length
62
Language_code
en:ove
Director
Amanda D. Fornal
Screenplay
Amanda D. Fornal
Image label
Blood And Ink, Amanda D. Fornal
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Product_creation_date
07/02/2015
URL_key
blood-and-ink
URL_path
blood-and-ink.html
full_film
1_s1o00ygq