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„Perfekt von der Kamera eingefangen und mit exzellenter Musik unterlegt, entsteht vor den Augen des Zuschauers ein Kunstwerk, das sich in ständiger Bewegung und Veränderung befindet,…

Von  batchUser vor 3 Monaten 0   44   
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4978
Film title_en
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Film title_de
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Original title
Patch
Long Description_en
"Perfectly captured by the camera and supported by excellent music, a work of art is created before the eyes of the spectator, which is in constant movement and change, an elegant reasoning that brings about an emergence of images and stories, a small meditation on the essence of cinema. Perfectly staged, animated and edited. A jewel of a short film." (German Film and Media Review) In his experimental animation film PATCH, Gerd Gockell uses abstract color to explore the tension of abstraction versus representation. The film starts with small, black-and-white, hand-painted tiles. The illusion of movement is created by the clever editing and placement of the tiles. Initially very abstract, the increasing number of painted tiles gradually resolves into interacting characters. The animation film concludes with an iconic scene of film history, and illustrates the path from an abstract single image to animated motion from carefully arranged pixels. PATCH won the Jury Award at the International Film Festival d'Animation d'Annecy and was also shown at Interfilm Berlin, Festival del film Locarno, Solothurner Filmtage and DOK Leipzig.
Long Description_de
„Perfekt von der Kamera eingefangen und mit exzellenter Musik unterlegt, entsteht vor den Augen des Zuschauers ein Kunstwerk, das sich in ständiger Bewegung und Veränderung befindet, ein elegantes Räsonieren über das Entstehen von Bildern und Geschichten, eine kleine Meditation über das Wesen des Kinos also, auf den Punkt inszeniert, animiert und geschnitten. Für die Jury ein Kleinod des Kurzfilms.“ (Deutsche Film- und Medienbewertung) Gerd Gockell erforscht in seinem experimentellen Animationsfilm PATCH das Spannungsfeld zwischen Abstraktion und Erkennbarkeit mit Hilfe abstrakter Farbmalerei. Zu Beginn sind kleine, schwarz-weiße, von Hand bemalte Kacheln zu sehen. Durch geschickte Platzierung der Kacheln und Bildmontage entsteht die Illusion einer Bewegung. Anfangs sehr abstrakt, zeichnen sich durch die zunehmende Zahl an bemalten Kacheln deutlicher werdend, nach und nach, Figuren und deren Interaktionen miteinander ab. Der Animationsfilm schließt mit einer ikonischen Szene der Filmgeschichte, und macht den Weg von abstrakten Einzelbild zur animierten Bewegung aus sorgfältig arrangierten Pixeln deutlich. PATCH erhielt den Jury Award beim Festival international du film d'animation d'Annecy und wurde unter anderem auf dem internationalen Kurzfilmfestival Berlin, Festival del film Locarno, Solothurner Filmtage und DOK Leipzig aufgeführt.
Year
2014
Country
Germany, Switzerland
Length
3
Age Recommendation
FSK 0
Primary Language Version
no dialogue
Featuring
Gerd Gockell
Director
Gerd Gockell
Screenplay
Gerd Gockell
Cinematography
Gerd Gockell
Editing
Gerd Gockell
Sound
Thomas Gassmann
Music
Phil McCammon
Awards
Prädikat Besonders Wertvoll; Animationsfilm Festival in Annecy - Prix du Jury
Festivals
Interfilm Berlin; Festival Del Film Locarno; Dok Leipzig; Black Night Animated Dreams Tallinn; Solothurner Filmtage; ExGround Wiesbaden
Production
Gerd Gockell
Image label
Gerd Gockell, Patch, short film animation, art film, medienkunst
full_film
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Jürgen Reble: Passion

Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs „Schmelzdahin“, untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   36   
SKU
3964
Film title_en
Jürgen Reble: Passion
Film title_de
Jürgen Reble: Passion
Original title
Passion
Long Description_en
Self-styled “film alchemist” Jürgen Reble, formerly a member of German experimental cinema collective “Schmelzdahin”, explores the material quality of celluloid film by subjecting found footage and his own footage to natural and chemical processes. The result is a film such as PASSION. Deconstruction on the organic level, the visible damage becomes uniquely beautiful when projected on the screen. “PASSION is a film diary in which Reble accompanies his unborn child through the year, following the seasons until his birth. Reble's unfamiliar chemistry generates slowly pulsating structures and colors. Micro and macroscopic imagery build a near abstract, hypnotic landscape - an intimate perception of creation.” (Light Cone Video) "The basic idea is that it is impossible to fix film. Film is something which is always in a state of flux... The images which are "real" in the beginning gradually disintegrate, and the gelatine laye, where the chemicals are lodged, dissolves. All that's left in the end is the 'raging of the elements'..." (Jürgen Reble)
Long Description_de
Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs „Schmelzdahin“, untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür Found Footage und eigene Aufnahmen natürlichen und chemischen Zersetzungsprozessen aus. Daraus resultieren Filme wie PASSION, in denen die sichtbar gemachten Schäden durch die Projektion eine einzigartige Schönheit entfalten. „In einer Art Filmtagebuch werden Ereignisse des täglichen Lebens gesammelt und in Beziehung zu archaisch-evolutionären Bildern gesetzt. Dabei verwebt sich Mikrokosmisches, speziell das Heranwachsen eines Embryos, mit Makrokosmischem. Die Grenzen verwischen durch chemische Zersetzungsprozesse in der Filmemulsion. Es kommt zu einer alchemistischen Spurensuche über die Erforschung des visuellen Ausdrucks von Film auf der Basis seines primären stofflichen Trägermaterials. Am Ende drängt es zur Geburt. Fetzen von Klang- und Melodiestücken kombiniert mit dem rhytmischen Pulsieren, Dröhnen und Sirren der Naturereignisse setzen dramatische Akzente. Es entsteht ein Spannungsgefüge zwischen Bildwelt, Chemie und Klängen.“ (Jürgen Reble)
Year
1989
Country
Germany
Length
53
Director
Jürgen Reble
Screenplay
Jürgen Reble
Image label
Jürgen Reble: Passion
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Product_creation_date
08/07/2015
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Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna

Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   141   
SKU
3965
Film title_en
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Film title_de
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Original title
Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
Long Description_en
With SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL and ZEFIRO TORNA, pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker Jonas Mekas turns his camera ton two other New York artistic luminaries: Andy Warhol and Fluxus iniatiator George Macunias. The films are less traditional documentaries than loose, impressionistic everyday portraits. Jonas Mekas is know for his rapid-fire diary films. His SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL chronicles not only the Pop Art pioneer and Factory master, but also the social and cultural excitement that swirled around him, throbbing to a hypnotic Velvet Underground beat. ZEFIRO TORNA shows “bits of Fluxus events and performances, and picnics with friends (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono, etc.), George’s wedding and footage I took of him in Boston hospital three days before he died.” (Jonas Mekas) Includes these films: Scenes From the Life of Andy Warhol, 1990, 35 min Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias, 1992, 36 min
Long Description_de
Mit SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL und ZEFIRO TORNA, richtet der bahnbrechende Filmemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas seine Kamera auf zwei illustre Kollegen der New Yorker Kunstzene der 1960er Jahre: Andy Warhol und Fluxus-Initiator George Macunias (John Lennon und Macunias'Fluxus-Kollegin Yoko Ono sind auch zu sehen). Die Filme sind weniger traditionelle Dokumentarfilme und vielmehr informelle, impressionistische filmische Portraits. Jonas Mekas ist für schnelle Tagebuchfilme bekannt. Sein SCENES FROM THE LIFE OF ANDY WARHOL ist nicht nur eine Chronik des Pop-Art-Pioniers und Factory-Meisters, sondern auch der ganzen Szene um ihn herum, von der aus aufregende kulturelle und gesellschaftliche Impulse ausgingen. Den treibenden Beat des Films liefert The Velvet Underground. ZEFIRO TORNA zeigt „Fetzen von Fluxus-Events und -Performances, Picknicks mit Freunden (Almus, Andy Warhol, John Lennon, Yoko Ono), Bilder von Georges Hochzeit und Aufnahmen, die ich drei Tage vor seinem Tod in einem Bostoner Krankenhaus gemacht habe.“ (Jonas Mekas) Beinhaltet diese Filme Scenes From the Life of Andy Warhol 1990 35 min Zefiro Torna: Scenes From the Life of George Macunias 1992 36 min
Year
1990/1992
Country
USA
Length
74
Primary Language Version
English
Featuring
Andy Warhol
George Macunias
Almus
John Lennon
Yoko Ono
Director
Jonas Mekas
Screenplay
Jonas Mekas
Music
The Velvet Underground
Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas
Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna; Scenes From The Life Of Andy Warhol: Friendships And Intersections; Zefiro Torna Or Scenes From The Life Of George Maciunas
Image label
Jonas Mekas: Scenes from the Life of Andy Warhol, Zefiro Torna
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Product_creation_date
08/07/2015
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Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune

Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   33   
SKU
3966
Film title_en
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Film title_de
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Original title
Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
Long Description_en
Jonas Mekas is a pathbreaking experimental filmmaker, artist and cultural networker. This compilation of seminal short film works brings together Jonas Mekas' many forms of expression from the 1960s to 1980s. His subjects range from the movement and color of the bigtop to the media manipulation during the Vietnam War. At times funny, subversive, provacative, ironic, and fundamentally free, this panorama also shows us the sharp eye and acerbic wit that makes Jonas Mekas more than a filmmaker: a lover of life and people that he embraces with his camera, whose montages sing of eternity. "Mr. Mekas' technique is to point his camera at whatever strikes his fancy and edit it later into a work in which certain visual motifs and moods emerge, with the formal structure kept loose and open-ended.The images fly by in a vertiginous blur until the camera stops to catch its breath and linger momentarily on a particular scene before the race resumes. These fragments have the impatient rhythm of someone trying to swallow the world in one ravenous gulp." (New York Times) Films included: Travel Songs 1967-1981, 25 min Notes on the Circus 1966 12 min Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min
Long Description_de
Der Experimentalfimemacher, Künstler und Kulturnetzwerker Jonas Mekas hat mit seinen Filmen, kuratorischen und publizistischen Tätigkeiten neue Wege beschritten. Diese Kurzfilmkompilation zeigt die Vielfalt seines filmischen Ausdruckes mit Werken aus den 60er bis 80er Jahren. Seine Sujets reichen von Farben und Bewegung beim Zirkus bis zu Medienmanipulation während des Vietnamkrieges. In allen Filmen sind ein kaustischer Witz und Mekas' scharfes Auge sichtbar. „Mr. Mekas's Technik ist wie folgt: Er richtet seine Kamera auf etwas, das ihn interessiert und montiert die Aufnahmen zu einem Werk, in dem visuelle Motive und Stimmungen zum Vorschein kommen. Dabei bleibt die Form offen. Die Bilder verschwimmen zu einem schwindelerregenden Sog, bis die Kamera sich eine Atempause gönnt und für ein paar Momente bei einer bestimmten Szene verharrt. Danach beginnt der Wettlauf von Neuem. Diese Fragmente haben einen ungeduldigen Rhythmus, als ob jemand wie ausgehungert die ganze Welt auf einmal verschlingen möchte.“ (New York Times) Das Programm einhaltet diese Filme: Travel Songs 1967-1981, 25 min Notes on the Circus 1966 12 min Time and Fortune Vietnam Newsreel 1968, 4 min
Year
1966-1981
Country
USA
Length
41
Primary Language Version
English
Director
Jonas Mekas
Screenplay
Jonas Mekas
Miscellaneous_en
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel
Miscellaneous_de
aka Short Films by Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune; Time and Fortune: Vietnam Newsreel
Image label
Jonas Mekas: Travel Songs, Notes on the Circus, Time and Fortune
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Product_creation_date
08/07/2015
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Viking Eggeling: Diagonal Symphony

Der schwedische Künstler und Animationsfilmer Viking Eggeling kam in den 1920er Jahren nach Berlin, damals ein Zentrum der Dada-Bewegung. Hier entstand seine SYMPHONIE DIAGONALE, ein stummer,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   56   
SKU
3962
Film title_en
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
Film title_de
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
Original title
Symphonie Diagonale
Long Description_en
Swedish born artist-animator Viking Eggeling moved to 1920s Berlin, which at the time was a center of Dadaism. There he created SYMPHONIE DIAGONALE, a silent, abstract animated film that nevertheless emulates music through its use of repetition, contrast, rhythm and graphic depictions of sound. Eggeling's work is a precursor to the music clip and VJing. A tilted figure, consisting largely of right angles at the beginning, grows by accretion, with the addition of short straight lines and curves which sprout from the existing design. The figure vanishes and the process begins again with a new pattern, each cycle lasting one or two seconds. The complete figures are drawn in a vaguely Art Deco style and could be said to resemble any number of things, an ear, a harp, panpipes, a grand piano with trombones, and so on, only highly stylized. The tone is playful and hypnotic.
Long Description_de
Der schwedische Künstler und Animationsfilmer Viking Eggeling kam in den 1920er Jahren nach Berlin, damals ein Zentrum der Dada-Bewegung. Hier entstand seine SYMPHONIE DIAGONALE, ein stummer, abstrakter Animationsfilm, das dennoch Musik evoziert durch den Einsatz von Wiederholung, Kontrast, Rhythmus und graphische Entsprechungen von Ton. Eggeling gilt als Wegbereiter des Musikclips und des VJing. 1923 entstand in den Universum Film (UFA)-Trickfilmateliers unter seiner Leitung das Werk Diagonal-Symphonie, ein Stummfilm in Schwarz-Weiß mit einer Länge von 7 ¾ Minuten. Hierbei benutzte er selbstentworfene Bilder als Vorlagen, die er mit schwarzem Papier abdeckte und langsam freilegte, indem er das Papier verschob oder Figuren ins Papier schnitt. Die Figuren sind im Art Déco Stil; die stilisierten Figuren erinnern an ein Ohr oder verschiedene Musikinstrumente. Der Film wurde 1924 fertiggestellt und am 3. Mai 1925 im Rahmen der Matinee, „Der absolute Film“, öffentlich aufgeführt.
Year
1924
Country
Germany
Length
7
Primary Language Version
no dialogue
Director
Viking Eggeling
Festivals
Animateka Festival; Göteborg Film Festival; Diagonale Festival of Austrian Film Graz
Miscellaneous_en
aka Diagonal-Symphonie
Miscellaneous_de
aka Diagonal-Symphonie
Image label
Viking Eggeling: Diagonal Symphony
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Product_creation_date
08/07/2015
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Jürgen Reble: Das Goldene Tor

Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs "Schmelzdahin", untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   49   
SKU
3963
Film title_en
Jürgen Reble: Das Goldene Tor
Film title_de
Jürgen Reble: Das Goldene Tor
Original title
Das Goldene Tor
Long Description_en
Self-styled “film alchemist” Jürgen Reble, formerly a member of German experimental cinema collective “Schmelzdahin”, explores the material quality of celluloid film by subjecting found footage and his own work to natural and chemical processes. This results in films like DAS GOLDENE TOR in which the visible damage becomes uniquely beautiful when projected on the screen. “The basic idea is that it is impossible to fix film. Film is something, which is always in a state of flux...The images, ‘real’ in the beginning, gradually disintegrate and the gelatine layer, where the chemicals are embedded, dissolves. All that’s left in the end is the ‘raging of the elements’” (Jürgen Reble) “Jürgen Reble’s film works are marked by layers of residue, shifting abstract surfaces, chemical traces, scratches and blotches, as though a virus has infected the image, distorting its tone and colour, imbuing it with unusual textures and a strange aura. In these films destructive processes are the creative aesthetic agent. [...] A form of myopic mythopoeia, DAS GOLDENE TOR confounds readings of interpretive “meaning”, however layered or subjective they could be; neither is it concerned with perceptual phenomena or visual processes. It is a self-contained metaphor, a self-actualising event through the experience of its passage. As it progresses its atmosphere becomes more intense, it is slower, it is hazily less distinct. Like the sympathetic layer of Thomas Koner’s soundtrack, it is 'dark ambient'”. (Steven Ball)
Long Description_de
Der „Filmalchemist“ Jürgen Reble, ehemals Mitglied des Experimentalfilmkollektivs "Schmelzdahin", untersucht die Materialität des Zelluloidfilms und setzt dafür Found Footage und eigene Aufnahmen natürlichen und chemischen Zersetzungsprozessen aus. Daraus resultieren Filme wie DAS GOLDENE TOR, in denen die sichtbar gemachten Schäden durch die Projektion eine einzigartige Schönheit entfalten. “In DAS GOLDENE TOR werden Fragmente aus Naturfilmen über Insekten und Reptilien, Bilder aus Raumfahrt und Astronomie und eigene Aufnahmen menschlichen Umtriebes aus der unmittelbaren Umgebung miteinander verwoben. Dabei werden die Erfahrungen jahrelanger Forschung der chemischen Manipulation des Bildsilbers während und nach der Entwicklung auf die Bilder angewendet. Sie erhalten eine malerische Qualität und schaffen eine Atmosphäre, die zwischen Traum und Wirklichkeit liegt. Im Verlauf des Films entfernt sich die Beobachtung zunehmend von der Wirklichkeit weg. Extreme Langzeitbelichtungen verstärken die Flüchtigkeit menschlicher Aktivität. Durch die Uberwindung der folgenden Finsternis entsteht ein inneres Licht." Das goldene Tor" ist ein Begriff aus vorchristlicher Mythologie, der eine Verinnerlichung und Erneuerung des göttlichen Feuers beim Durchgang durch die Wintersonnenwende bezeichnet. Die Musik wurde von Thomas Köner komponiert. Sie bildet eine eigene Schicht, die die Spannungen der Bildgefüge intensiviert, ohne zu untermalen. Ähnlich wie der Film ohne traditionelle Muster von Struktur und Narration verknüpft ist, verläßt auch die Musik die gewohnten Bahnen von Rhythmus und Melodie. So entsteht eine audiovisuelle Scheinwelt, die mehr durch den Bauch als durch das Gehirn wahrnehmbar ist.” (Jürgen Reble)
Year
1992
Country
Germany
Length
54
Director
Jürgen Reble
Screenplay
Jürgen Reble
Sound
Thomas Koner
Music
Thomas Koner
Image label
Jürgen Reble: Das Goldene Tor
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Product_creation_date
08/07/2015
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Michael Snow: Rameau's Nephew

Der legendäre kanadische Experimentalfilmemacher, Musiker und Künstler Michael Snow untersucht Semantik und der Nummer 24 in einer Reihe von spielerischen, innovativen Filmvignetten, mit…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   146   
SKU
3959
Film title_en
Michael Snow: Rameau's Nephew
Film title_de
Michael Snow: Rameau's Nephew
Original title
Rameau's Nephew
Long Description_en
Legendary Canadian experimental filmmaker-artist-musician Michael Snow explores the semantic and cinematic meaning of the number 24 in a series of playful, innovative film vignettes also featuring contributions from fellow artists like Nam June Paik. “RAMEAU'S NEPHEW makes me crazy, makes the top of my head go flying off. I have a need of its particular regenerative insanity at least once a month." (Amy Taubin, Film Critic) Michael Snow presents a cinematic essay on the multiples of 24. The film runs at 24 frames per second, and there are 24 individual sequences interrupted by the brief use of multi-colored flickers to break up the syntagmatic axis. As all of Michael Snow's works do, RAMEAU'S NEPHEW invites us to experience, question and contemplate representation, process and material. The film illustrates his research both in the visual arts and in sound - an authentic 'talking picture,' built from the true units of the syllable and the frame.
Long Description_de
Der legendäre kanadische Experimentalfilmemacher, Musiker und Künstler Michael Snow untersucht Semantik und der Nummer 24 in einer Reihe von spielerischen, innovativen Filmvignetten, mit Beiträgen von Künstlerkollegen wie Künstler Nam June Paik. „RAMEAU'S NEPHEW macht mich kirre, da fliegt mir die Schädeldecke weg. Ich muss mir diesen regenerativen Wahnsinn mindestens einmal im Monat geben." (Amy Taubin, Filmkritikerin) Michael Snow präsentiert einen Filmessay über die Zahl 24. Der Film läuft mit 24 Bildern pro Sekunde, und der Film besteht aus 24 Sequenzen, die durch Einzelbildern in mehreren Farben von einander getrennt werden, um die syntagmatische Achse zu durchbrechen. So wie allen Werke von Michael Snow lädt RAMEAU'S NEPHEW BY DIDEROT (THANX TO DENNIS YOUNG) BY WILMA SCHOEN dazu ein, Prozess und Materialität der Abbildung zu erfahren und hinterfragen.
Year
1970-1974
Country
Canada
Length
255
Language_code
en:ove
Featuring
Michael Snow
Jonas Mekas
Dennis Young
Nam-June Paik
P. Adams Sitney
Marie Antoinette Roy
Amy Taubin
Director
Michael Snow
Screenplay
Michael Snow
Miscellaneous_en
aka Rameau's Nephew by Diderot (Thanx to Dennis Young) by Wilma Schoen
Miscellaneous_de
aka Rameau's Nephew by Diderot (Thanx to Dennis Young) by Wilma Schoen
Image label
Michael Snow: Rameau's Nephew
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08/07/2015
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Stan VanDerBeek: Visibles

VISIBLES versammelt die wichtigsten Kurzfilme des Experimentalfilmpioniers Stan VanDerBeek. VanDerBeeks Kollagen-Stil, gespickt mit popkulturellen Referenzen, beeinflusste nachhaltig die Animationen,…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   107   
SKU
3960
Film title_en
Stan VanDerBeek: Visibles
Film title_de
Stan VanDerBeek: Visibles
Original title
Visibles
Long Description_en
VISIBLES is a collection of key short films by pioneering experimental filmmaker Stan VanDerBeek. VanDerBeek's collage-like and pop culture savvy style was inspired by Dadaism and Surrealism. His work was a major inspiration for Monty Python animator and director Terry Gilliam. "Stan VanDerBeek is one of our few genuine film artists - a poet, a clown, a laughing man of the Bomb Age." (Jonas Mekas) VanDerBeek's early collage animation was created in the spirit of the Surrealist and Dadaist work of Max Ernst, but with a wild, rough informality more akin to the expressionism of the Beat Generation. His utopian experiments in expanded cinema included building a dome theater with dozens of projectors and creating computer animated films and holographic experiments with Bell Labs. In the 1970s he designed global fax murals, steam projections, and interactive television programs. The collection includes these films: Science Friction 1959 10min A la mode 1959 7min Breathdeath 1963 15min Poemfield n°2 1971 6min Achoo Mr Kerrooschevv 1960 2min See Saw Seams 1965 9min Panels for the Walls of the World 1967 8min Oh 1968 10min Symmetricks 1971 6min
Long Description_de
VISIBLES versammelt die wichtigsten Kurzfilme des Experimentalfilmpioniers Stan VanDerBeek. VanDerBeeks Kollagen-Stil, gespickt mit popkulturellen Referenzen, beeinflusste nachhaltig die Animationen, die Regisseur Terry Gilliam für Monty Python kreiiert hat. “Stan VanDerBeek is one of our few genuine film artists - a poet, a clown, a laughing man of the Bomb Age." (Jonas Mekas) VanDerBeeks frühe animierten Kollagen sind im Geist des Dadaismus und von Surrealisten wie Max Ernst, gleichzeitig sind sie mit der rauhen, informellen, expressionistischen Poesie der Beat Generation verwandt. VanDerBeek hatte stets eine utopische Vision des Kinos, die er mit Expanded Cinema Experimenten wie eine mit dutzenden von Projektoren ausgestattete Kinokuppel sowie seine Computeranimationen und holografischen Filme, die er mit Unterstützung von Bell Labs realisierte. In den 1970er Jahren arbeitete er an Projektionen mit Dampf und interaktiven TV-Programmen. Die Kollektion umfasst diese Filme: Science Friction 1959 10min A la mode 1959 7min Breathdeath 1963 15min Poemfield n°2 1971 6min Achoo Mr Kerrooschevv 1960 2min See Saw Seams 1965 9min Panels for the Walls of the World 1967 8min Oh 1968 10min Symmetricks 1971 6min
Year
1959-1971
Country
USA
Length
100
Language_code
en:ove
Director
Stan Vanderbeek
Image label
Stan VanDerBeek: Visibles
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Product_creation_date
07/08/2015
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Michael Snow: Presents

Der strukturalistische Filmemacher Michael Snow (*Toronto, 1929) gilt als einer der einflussreichsten Experimentalfilmer der Welt und ist einer der wichtigsten Künstler Kanadas. Sein Werk wurde…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   225   
SKU
3958
Film title_en
Michael Snow: Presents
Film title_de
Michael Snow: Presents
Original title
Presents
Long Description_en
Structuralist filmmaker Michael Snow (Toronto, 1929) is considered one of the world's most influential experimental filmmakers and is the subject of retrospectives in many countries. He is considered one of Canada's most important living artists. PRESENTS is literally a film within a film. A prolific painter, photographer, sculptor, jazz musician and filmmaker, Snow invites us to contemplate between what is represented its process and material. "The apparent vertical scratch in celluloid that opens PRESENTS literally opens into a film within the film. When its figure awakens into a woman in a 'real' unreal set, the slapstick satire of structural film begins. It is not the camera that moves, but the whole set... Snow pushes us into acceptance of present moments of vision, but the single drum beat that coincides with each edit in this elegiac section announces each moment of life's irreversible disappearance." A monster of formalism. (Philip Monk, Art Express)
Long Description_de
Der strukturalistische Filmemacher Michael Snow (*Toronto, 1929) gilt als einer der einflussreichsten Experimentalfilmer der Welt und ist einer der wichtigsten Künstler Kanadas. Sein Werk wurde in vielen Ländern ausgestellt. PRESENTS ist im wahrsten Sinne des Wortes ein Film im Film. Snow, der als Maler, Fotograf, Bildhauer, Jazzmusiker und Filmemacher aktiv ist, lädt mit PRESENTS den Zuschauer dazu ein, das Verhältnis zwischen dem Dargestellten und den dahinter liegenden Prozessen und Material zu betrachten. „The apparent vertical scratch in celluloid that opens PRESENTS literally opens into a film within the film. When its figure awakens into a woman in a 'real' unreal set, the slapstick satire of structural film begins. It is not the camera that moves, but the whole set... Snow pushes us into acceptance of present moments of vision, but the single drum beat that coincides with each edit in this elegiac section announces each moment of life's irreversible disappearance. A monster of formalism.“ (Philip Monk, Art Express)
Year
1981
Country
Canada
Length
94
Subtitles
English
Director
Michael Snow
Image label
Michael Snow: Presents
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08/07/2015
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Peter Rose: Analogies

PETER ROSE: ANALOGIES ist eine Kollektion von Kurzfilmen des amerikanischen Experimentalfilmregisseurs Peter Rose. "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   160   
SKU
3956
Film title_en
Peter Rose: Analogies
Film title_de
Peter Rose: Analogies
Original title
Peter Rose: Analogies
Long Description_en
PETER ROSE ANALOGIES is a collection of short films by the American experimental film artist, Peter Rose. Films include: INCANTATION (1968-1972, 8') was shown as part of the Whitney Museum's New American Filmmakers Series. The film was shot entirely in the camera. ANALOGIES – STUDIES IN THE MOVEMENT OF TIME (1977, 14') uses a variety of multiple screen formats to create an intriguing series of visual riddles. SECONDARY CURRENTS (1983-1990, 16') is a comic opera, a dark metaphor for the order and entropy of language. SPIRIT MATTER (1991, 6') was constructed without a camera by writing directly on clear celluloid. THE MAN WHO COULD NOT SEE FAR ENOUGH (1981, 33') ranges in subject from a solar eclipse shot off the coast of Africa to a hand-held filmed ascent of the Golden Gate Bridge, and moves, in spirit, from the deeply personal to the mythic. It has won major awards of distinction at numerous festivals and is in collections at Centre Pompidou in Paris and at Image Forum in Tokyo. "I'm an escape artist. I aspire to travel in the fifth dimension, to speak unknown languages, to discover the next stage in the evolution of thought. I construct structural parables that allude to the possibility of there being more to the universe than is permitted by our explanations." (Peter Rose)
Long Description_de
PETER ROSE: ANALOGIES ist eine Kollektion von Kurzfilmen des amerikanischen Experimentalfilmregisseurs Peter Rose. "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften Dimension reisen, will unbekannte Sprachen sprechen und die nächste Stufe in der Entwicklung des Denkens entdecken". (Peter Rose) Filme in diesem Programm: INCANTATIONS (1968-1972) 8' ANALOGIES – STUDIES IN THE MOVEMENT OF TIME (1977) 14' THE MAN WHO COULD NOT SEE FAR ENOUGH (1981) 33' SECONDARY CURRENTS (1983-1990) 16' SPIRIT MATTER (1991) 6' "Ich bin ein entfesselter Künstler. Ich will in der fünften Dimension reisen, will unbekannte Sprachen sprechen und die nächste Stufe in der Entwicklung des Denkens entdecken. Ich schaffe strukturelle Parabeln, die auf die Möglichkeit hinweisen, dass das Universum mehr birgt, als was wir mit unseren Erklärungen begreifen können." (Peter Rose)
Year
1968-1991
Country
USA
Length
80
Language_code
en:ove
Director
Peter Rose
Image label
Peter Rose: Analogies
Related_film_SKUs
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08/05/2015
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Paul Sharits: Mandala Films

Der bildende Künstler und Avantgarde-Filmemacher Paul Sharits (1943-1993) gilt als einer der Meister des abstrakten "Flicker“-Films. Er entstammt der Strukturfilmbewegung und wird oft…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   64   
SKU
3957
Film title_en
Paul Sharits: Mandala Films
Film title_de
Paul Sharits: Mandala Films
Original title
Paul Sharits: Mandala Films
Long Description_en
Paul Sharits (1943-93) , a visual artist, best known for his work in avant-garde filmmaking, was a maestros of the so-called ‘flicker’ film – abstract films based on rapidly alternating frames of solid color. His work falls into the structural film movement, along with that of other artists such as Tony Conrad, Hollis Frampton, and Michael Snow. The physiological and psychological effects of flicker films can be pleasurable, even exhilarating. Sharits conceived and described his films with reference to ‘mandalas’, the geometric shapes used by followers of many religious traditions as an aid to meditation and induce trance states. The Paul Sharits MANDALA FILMS are based on intense, rapid-fire pulses of color interspersed with arresting still images: a couple making love in Peace Mandala/End War and a man cutting off his own tongue with glitter-covered scissors in T,O,U,C,H,I,N,G. Film includes: Peace Mandala/End War (1966) 5 min N:O:T:H:I:N:G (1968) 36 min T,O,U,C,H,I,N,G (1968) 12 min
Long Description_de
Der bildende Künstler und Avantgarde-Filmemacher Paul Sharits (1943-1993) gilt als einer der Meister des abstrakten "Flicker“-Films. Er entstammt der Strukturfilmbewegung und wird oft in einem Atemzug mit Künstlern wie Tony Conrad, Hollis Frampton und Michael Snow genannt. Filme in diesem Programm: PEACE MANDALA/END WAR (1966) 5 min N:O:T:H:I:N:G (1968) 36 min T,O,U,C,H,I,N,G (1968) 12 min Die physiologischen und psychologischen Auswirkungen der Flicker-Filme können angenehm, sogar berauschend sein. Paul Sharits konzipierte seine Filme wie "Mandalas", deren geometrische Formen in bestimmten religiösen Traditionen zur Meditation eingesetzt werden und ihren Anhängern helfen, in Trance zu verfallen. In PEACE MANDALA liebt sich ein Paar und in T, O, U, C, H, I, N, G. schneidet sich ein Mann die eigene Zunge mit einer glitzernden Schere ab.
Year
1966-1968
Country
USA
Length
50
Primary Language Version
English
Director
Paul Sharits
Image label
Paul Sharits: Mandala Films
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08/05/2015
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Len Lye: Rhythms

LEN LYE: RHYTHMS ist eine Kollektion der wichtigsten Werke des in Neuseeland geborenen Pioniers des Animations- und Experimentalfilms aus allen Phasen seiner Karriere. Len Lye gilt als einer der…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   39   
SKU
3953
Film title_en
Len Lye: Rhythms
Film title_de
Len Lye: Rhythms
Original title
Len Lye: Rhythms
Long Description_en
RHYTHMS is a collection of the most significant film works of the New Zealand-born animation and experimental film pioneer, LEN LYE. Len's films are held in the British Film Institute, Museum of Modern Art in New York City, and the Pacific Film Archive at University of California, Berkeley. RHYTHMS spans Lye's entire career. Len Lye (1901-1980) was a major figure in experimental filmmaking as well as leading kinetic sculptor and an innovative theorist, painter and writer. He pioneered "direct film", film made without a camera, by painting and scratching images directly onto celluloid, by reworking found footage, by casting shadows of objects onto unexposed film, and by experimenting with a number of early color techniques. The collection includes: - Kaleidoscope, 1935, 35mm, 4' - Colour Flight, 1938, 35mm, 4' - Swinging the Lambeth Walk, 1939, 35mm, 4' - Color Cry, 1953, 16mm, 3' - Rhythm, 1957, 16mm, 1' - Free Radicals, 1958/1979, 16mm, 4' - Particles in Space, 1967-1971/1979, 16mm, 4' - Tal Farlow, 1960/1980, 16mm, 2' These films are available in up-resed HD video, originating from an SD telecinema. The animated cinema of Len Lye consists of particularly difficult elements to encode digitally. Re:Voir and realeyz are aiming to find the best video solutions; for the time being, this is the best existing copy of Len Lye's films.
Long Description_de
LEN LYE: RHYTHMS ist eine Kollektion der wichtigsten Werke des in Neuseeland geborenen Pioniers des Animations- und Experimentalfilms aus allen Phasen seiner Karriere. Len Lye gilt als einer der wichtigsten Regisseure des Experimentalfilms. Len Lye (1901-1980) war ein einflussreicher Experimentalfilmemacher, Schöpfer von kinetischen Skulpturen und innovativer Theoretiker, Maler und Autor. Er war ein Pionier des "direkten Films", die er ohne Kamera erstellt hat, indem er auf den Filmstreifen malte und kratzte. Er arbeitete auch mit Found Footage Material und erprobte neue Farbverfahren. Die Kollektion umfasst folgende Titel: - Kaleidoscope, 1935, 35mm, 4' - Colour Flight, 1938, 35mm, 4' - Swinging the Lambeth Walk, 1939, 35mm, 4' - Color Cry, 1953, 16mm, 3' - Rhythm, 1957, 16mm, 1' - Free Radicals, 1958/1979, 16mm, 4' - Particles in Space, 1967-1971/1979, 16mm, 4' - Tal Farlow, 1960/1980, 16mm, 2' Diese Filme sind in HD-Versionen verfügbar, hochskaliert von SD-Filmabtastungen. Die animierten Filme von Len Lye stellten besondere Herausforderungen für die digitale Encodierung dar. Re:Voir und realeyz bieten die bestmöglichen Fassungen an.
Year
1935-1980
Country
UK
USA
New Zealand
Length
50
Age Recommendation
FSK 6
Subtitles
English
Director
Len Lye
Image label
Len Lye: Rhythms
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Product_creation_date
05/08/2015
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Hans Richter: Early Works

HANS RICHTER: EARLY WORKS ist eine Kollektion von abstrakten Animationen und experimentellen Realfilmen des deutschen Pioniers der filmischen Avantgarde, Hans Richter. Die Filme stammen aus der 20er…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   41   
SKU
3954
Film title_en
Hans Richter: Early Works
Film title_de
Hans Richter: Early Works
Original title
Hans Richter: Early Works
Long Description_en
HANS RICHTER: EARLY WORKS assembles the earliest films – abstract animation and experimental live action – by the German pioneer of avantgarde cinema. Though made in the 1920s, the films remain relevant today: whether agitprop documentaries or visual music – both genres have their roots in Richter's work. Includes interview material with Richter talking about his work. Hans Richter's position in the art world was unique. As one of the earliest exponents of Dada, he was also one of the first to recognize the new possibilities cinematography offered the artist. He participated in the first avant-garde film movement alongside Léger, Duchamp, Man Ray, Picabia, Cocteau and Dali, and later in New York his teachings would influence many of the "New American Cinema" filmmakers. "By film I mean visual rhythm... to see movement, organized movement, wakes us up, wakes up resistance, wakes up the reflexes, and perhaps wakes up our sense of enjoyment as well. This kind of film gives memory nothing to hang on. At the mercy of "feeling", reduced to going with the rhythm according to the successive rise and fall of the breath and the heartbeat, we are given a sense of what feeling and perceiving really is: a process – MOVEMENT." (Hans Richter, 1924) Films in this program: Rhythmus 21 1921 4min Rhythmus 23 1923 4min Filmstudie 1926 5min Ghosts Before Breakfast (Vormittagsspuk) 1927-28 7min Race Symphony 1928-29 7min Two Pence Magic (Zweigroschenzauber) 1928-29 2min Inflation 1927 3min Everything Turns Everything Revolves 1929 3min
Long Description_de
HANS RICHTER: EARLY WORKS ist eine Kollektion von abstrakten Animationen und experimentellen Realfilmen des deutschen Pioniers der filmischen Avantgarde, Hans Richter. Die Filme stammen aus der 20er Jahren, sind bis heute relevant: Ob Agitprop-Doku oder visuelle Musik, beides hat Wurzeln in Richters Werk. Hans Richter war einer der ersten, der die neuen Möglichkeiten der Kinematografie für seine künstlerische Arbeit erkannte und einsetzte. Er gehörte zusammen mit Léger, Duchamp, Man Ray, Picabia, Cocteau und Dali der Avantgarde-Bewegung an und lehrte später in New York. Sein Werk hatte maßgeblichen Einfluss auf die Filmemacher des “New American Cinema”. “Unter Film verstehe ich optischen Rhythmus … Bewegung sehen, organisierte Bewegung, die weckt uns auf, weckt Widerstand, weckt die Reflexe und weckt vielleicht auch unseren Sinn für Freude.” (Hans Richter) Filme in diesem Programm: RHYTHMUS 21 (1921) stumm 4’ RHYTHMUS 23 (1923) stumm 4’ FILMSTUDIE (1926) 5’ GHOSTS BEFORE BREAKFAST VORMITTAGSSPUK (1927-28) 7’ RACE SYMPHONY (1928-29) 7’ TWO PENCE MAGIC ZWEIGROSCHENZAUBER (1928-29) 2’ INFLATION (1927-28) 3’ EVERYTHING TURNS EVERYTHING REVOLVES * ALLES DREHT SICH, ALLES BEWEGT SICH (1929)
Year
1921-1929
Country
Germany
Length
58
Language_code
en
Director
Hans Richter
Music
Paul Hindemith (Vormittagsspuk)
Image label
Hans Richter: Early Works, Paul Hindemith
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08/05/2015
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Hans Richter: Give Chance a Chance

GIVE CHANCE A CHANCE ist ein Porträt des Regisseurs und Künstlers Hans Richter. In Interviewpassagen und Filmausschnitten zeigt die Doku Richters wegweisende Arbeiten in abstrakter…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   75   
SKU
3955
Film title_en
Hans Richter: Give Chance a Chance
Film title_de
Hans Richter: Give Chance a Chance
Original title
Donner une chance à la chance
Long Description_en
GIVE CHANCE A CHANCE is a scripted documentary and interview with artist-sculptor-filmmaker-surrealist Hans Richter, showing his place in history and his pioneering work in abstract animation, visual music, Surrealist, Dada, agitprop and underground cinema. Richter is cited as an inspiration of “New American Cinema”. In the film Hans Richter talks about his career, which started at the beginning of the 20th century: early experiments with the movie camera, association with the world of the Surrealists, conflict with the National Socialists in Germany, the origins of Dada, and the evolution of his own style in painting, drawing and collage. Many films clips and examples of his graphic work illustrate his themes: opposition of the Nazis, who saw that chaos in art was inimical to their own idea of a new world order; how Dada has affected Pop Art and "the new realism" in literature, music, painting, art and theater; the Bauhaus group and other contemporary artists from many fields - Jean Arp, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Darius Milhaud, Leger, Sergei Eisenstein, Man Ray. Film excerpts include the famous GHOSTS BEFORE BREAKFAST (bowler hats flying in early trick photography); INFLATION (a collage-film response to the devastating German inflation of 1921); RHYTHMUS 21 (abstract designs to music, long before Disney's "Fantasia";, "Dreams That Money Can Buy"; "Dadascope" and "8 by 8" (a chess film made with Jean Cocteau).
Long Description_de
GIVE CHANCE A CHANCE ist ein Porträt des Regisseurs und Künstlers Hans Richter. In Interviewpassagen und Filmausschnitten zeigt die Doku Richters wegweisende Arbeiten in abstrakter Animation, visueller Musik, surrealistischen sowie Dadaistischem Film, Agitprop und Underground. Richter gilt bis heute als einer der Wegbereiter des “New American Cinema”. Mit Interviews mit Richter selbst. Richter erzählt in dem Film ausführlich über seine Karriere, die Anfang des 20. Jahrhunderts begann: frühe kinematografische Experimente, die Ursprünge des Dadaismus, Kollaborationen mit den Surrealisten, Konflikte mit den Nationalsozialisten und die Entwicklung seiner Anwendung von künstlerischen Ausdrucksformen wie Malerei, Zeichnung und Collage. Viele Beispiele vMany on Richters filmischen und grafischen Arbeiten illustrieren die wichtigsten roten Fäden in seinem Werk: Opposition gegen die Nazis, der Einfluss v Dada has affected Pop Art and "the new realism" in literature, music,on Dadaismus auf Pop Art auf den „neuen Realismus“ in Kunst und Theater; die Begegnungen mit der Bauhaus Gruppe und anderen Künstler vieler Disziplinen wie Jean Arp, Tristan Tzara, Marcel Duchamp, Darius Milhaud, Leger, Sergei Eisenstein, Man Ray. Mit Filmausschnitten aus: VORMITTAGSSPUK (fliegende Melonenhüte durch Filmtrick), INFLATION (1921), RHYTHMUS 21 (abstract designs to music, long before Disney's "Fantasia"), "Dreams That Money Can Buy", "Dadascope" und "8 by 8" (ein Schachfilm, den Richter mit Jean Cocteau gemacht hat).
Year
1973
Country
USA
France
Length
28
Language_code
en:ove
Director
John Musilli
Screenplay
Stephan Chodorov
Cinematography
Michael Livesey
Editing
Robert Forte
Miscellaneous_en
aka Give Chance a Chance - Un portrait de Hans Richter
Miscellaneous_de
aka Give Chance a Chance - Un portrait de Hans Richter
Image label
Hans Richter: Give Chance a Chance, John Musilli
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Product_creation_date
08/05/2015
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Tony Conrad: DreaMinimalist

Marie Losier, selbst renommierte Experimentalfilmemacherin, setzt ihre Reihe von Porträts von Avantgarde-Persönlichkeiten wie die Kuchar Brüder und Genesis Breyer P-Orridge fort mit…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   117   
SKU
3950
Film title_en
Tony Conrad: DreaMinimalist
Film title_de
Tony Conrad: DreaMinimalist
Original title
Tony Conrad, DreaMinimalist
Long Description_en
An acclaimed experimental filmmaker in her own right, Marie Losier continues her portrait series of avantgarde figures such as the Kuchar Brothers, Richard Foreman, Guy Maddin and Genesis Breyer P-Orridge & Lady Jaye Breyer with TONY CONRAD, DREAMINIMALIST. The pathbreaking minimalist artist-filmmaker-musician reminisces playfully about the 1960s New York underground scene, specifically his encounters with Jack Smith. “In her very first film, [Marie Losier] slipped completely into the role of Joan of Arc, becoming one with her. Today she develops a razor sharp overlapping of the language of those portrayed with her own, which consists of uncompromising empathy and joy in the research. Marie Losier has managed to make the history of the underground alive again for her audience. Drawing on Brion Gysin’s Dream Machine, DREAMINIMALIST portrays an artist that always stages the boundaries of the medium – and they appear most perceptibly in low budget dreams.” (Stefanie Schulte Strathaus)
Long Description_de
Marie Losier, selbst renommierte Experimentalfilmemacherin, setzt ihre Reihe von Porträts von Avantgarde-Persönlichkeiten wie die Kuchar Brüder und Genesis Breyer P-Orridge fort mit TONY CONRAD, DREAMINIMALIST. Der bahnbrechende Minimalist Musiker-Künstler-Filmemacher erinnert sich spielerisch an den New Yorker Underground 60er Jahre, insbesondere seine Begegnungen mit Jack Smith. „In ihrem allerersten Film ist [Marie Losier] vollständig in die Rolle der Jeanne d'Arc geschlüpft, so dass Losier mit der Figur eins wurde. Heute dagegen überlappt ihre Sprache scharfsinnig mit der der Porträtierten; die kompromisslose Empathie und Freude an der Recherche werden dabei spürbar. Marie Losier ist es gelungen, die Geschichte des Undergrounds für ihr Publikum wieder lebendig zu machen. Beeinflusst von Brion Gysins Dream Machine zeigt DREAMINIMALIST einen Künstler, der immer die Grenzen des Mediums inszeniert – und diese sind in Low Budget Träumen am sichtbarsten.” (Stefanie Schulte Strathaus)
Year
2008
Country
USA
France
Length
25
Language_code
en:ove
Featuring
Tony Conrad
Director
Marie Losier
Screenplay
Marie Losier
Cinematography
Marie Losier
Editing
Marie Losier
Music
Tony Conrad
Festivals
Berlinale; CPH:DOX Copenhagen; Buenos Aires Independent Film Festival
Image label
Tony Conrad: DreaMinimalist, Marie Losier
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Product_creation_date
05/08/2015
URL_key
tony-conrad-dreaminimalist
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full_film
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Tony Conrad: The Flicker

In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   173   
SKU
3949
Film title_en
Tony Conrad: The Flicker
Film title_de
Tony Conrad: The Flicker
Original title
The Flicker
Long Description_en
In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score that evokes the sound of a projector was composed and performed by Conrad on a self-built electronic musical instrument. “The ultimate to date in the nonobjective film is Tony Conrad's THE FLICKER. It has only black and white frames... and the resulting strobe effect can cause the illusion of colour, of a spreading of light, and of lacy patterns. Seeing THE FLICKER will cause one person in every fifteen thousand to have an epileptic seizure.” (Sheldon Reynon, An Introduction To The American Underground Film) “What?! THE FLICKER on video?!??! Tony says he likes it better...!“ (Re-Voir Blog)
Long Description_de
In the seminal structural film THE FLICKER, musician, artist and filmmaker Tony Conrad alternates black and white film frames to explore cinema's primal opposition of light and dark. The score that evokes the sound of a projector was composed and performed by Conrad on a self-built electronic musical instrument. “The ultimate to date in the nonobjective film is Tony Conrad's THE FLICKER. It has only black and white frames... and the resulting strobe effect can cause the illusion of colour, of a spreading of light, and of lacy patterns. Seeing THE FLICKER will cause one person in every fifteen thousand to have an epileptic seizure.” (Sheldon Reynon, An Introduction To The American Underground Film) “What?! THE FLICKER on video?!??! Tony says he likes it better...!“ (Re-Voir Blog)
Year
1965
Country
USA
Length
30
Primary Language Version
English
Director
Tony Conrad
Cinematography
Tony Conrad
Editing
Tony Conrad
Music
Tony Conrad
Festivals
Whitney Biennial; Harvard Film Archive; Tate Modern; Seattle Art Museum
Image label
Tony Conrad: The Flicker
Related_film_SKUs
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Product_creation_date
05/08/2015
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Night Fishing

NIGHT FISHING ist ein halbstündiger Kurzfilm von „Oldboy“-Regisseur Park Chan-wook und der erste Kinofilm, der ausschließlich mit dem iPhone gedreht wurde! Wieder einmal…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   229   
SKU
3935
Film title_en
Night Fishing
Film title_de
Night Fishing
Original title
Paranmanjang
Long Description_en
The first ever theatrical release shot entirely on the iPhone4, NIGHT FISHING is a horror-fantasy short by Korean cinema giant Park Chan-wook and his brother, media artist Park chan-kyong (under the name PARKing CHANce). Featuring K-Pop star Lee Jung-hyun in the female lead, NIGHT FISHING netted the Berlinale Golden Bear for Best Short. “We were interested in making an interesting mixture of modern and traditional images.” (PARKing CHANce) Deep in the woods, cutting through the fog, a man walks carrying a fishing bag. He arrives at the edge of a river. The man leisurely goes about setting up his fishing rods and starts fishing. Hours later, night has fallen on the quiet riverside. The man hasn’t caught much fish and just sits, waiting. Just then, something big is caught on the fishing rod. It’s not something he can put on his dinner plate, but a mysterious young woman in white funeral dress crying in a little girl’s voice, call him “daddy”... (Berlinale)
Long Description_de
NIGHT FISHING ist ein halbstündiger Kurzfilm von „Oldboy“-Regisseur Park Chan-wook und der erste Kinofilm, der ausschließlich mit dem iPhone gedreht wurde! Wieder einmal erweist sich der Südkoreaner als herausragender Erzähler – hier nimmt er den Zuschauer mit auf einen mysteriösen, verstörenden und spirituellen Trip. Hochverdient wurde diese Arbeit auf der Berlinale 2011 mit einem Goldenen Bären für den besten Kurzfilm ausgezeichnet. “We were interested in making an interesting mixture of modern and traditional images.” (PARKing CHANce) Ein Fischer läuft durch einen vernebelten Wald. Er kommt zu einem Fluss und beginnt in aller Ruhe seine Angeln aufzubauen. Viel später, es ist bereits dunkle Nacht: Der Mann hat nicht viel gefangen, da beginnt etwas Großes, Schweres an seiner Angelschnur zu ziehen, und es ist kein Fisch. Park Chan-wook zählt seit einigen Jahren zu den beliebtesten und erfolgreichsten Regisseuren Südkoreas. Durch zahlreiche internationale Filmpreise geadelt, ist PARK vor allem für seine gefühlvolle Erzählweise und seine intensiven und sensationellen Bilder bekannt. Seine Meilensteine sind seine Rache-Trilogie um „Oldboy“ und „I'm a Cyborg but that's OK“. Hinter dem Regie-Alias PARKing CHANce verbergen sich PARK Chan-wook und sein Bruder PARK Chan-kyong. NIGHT FISHING ist die erste Zusammenarbeit mit seinem Bruder, einem Medienkünstler, und der erste Film, der komplett auf dem iPhone gedreht wurde.
Year
2011
Country
South Korea
Length
33
Age Recommendation
FSK 12
Primary Language Version
Korean
Subtitles
German
Featuring
Lee Jung-hyun
Oh Kwang-rok
Lee Yong-nyeo
Director
Park Chan-wook
Park Chan-kyong
Screenplay
Park Chan-wook
Park Chan-kyong
Editing
Park Chan-wook
Park Chan-kyong
Music
Jang Young-kyoo
Awards
Berlinale: Golden Bear Best Short Film
Festivals
Berlinale
Miscellaneous_en
aka Nachtangeln
Miscellaneous_de
aka Nachtangeln
Image label
Night Fishing, Park Chan-wook, Park Chan-kyong
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Product_creation_date
18/09/2015
URL_key
night-fishing
URL_path
night-fishing.html
full_film
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Björk - Biophilia Live

Der britische Regisseur Peter Strickland dokumentiert meisterhaft die einzigartige „Biophilia“ Liveshow der Ausnahmemusikerin und -künstlerein Björk als multimediales…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   84   
SKU
3840
Film title_en
Björk - Biophilia Live
Film title_de
Björk - Biophilia Live
Original title
Björk - Biophilia Live
Long Description_en
British director Peter Strickland masterfully transfers the unique “Biophilia“ live show by singer-songwriter extraordinaire and multimedia artist Björk to home viewing. “Part Space Odyssey-style psychedelic mindf*ck...as a one-off big-screen experience, it's definitely a trip.” (Concrete Playground) Between “Berberian Sound Studio“, his acclaimed homage to the Italian horror film subgenre “giallo“, and his recent art house hit and cult classic in the making “The Duke of Burgundy“, Peter Strickland applied his innovative use of sound and image to capture Björk's “Biophilia“ tour on film, together with co-director and editor Nick Fenton. Released in 2011, Björk's “Biophilia” album was one of the first works of popular music to be made available as an interactive app. Recorded live at Björk's show at London's Alexandra Palace in 2013, the film features Björk and her band performing every song on “Biophilia” and more using a broad variety of instruments - some digital, some traditional and some completely unclassifiable. The visuals, which explore the relationship between natural and digital worlds, are based upon the app, while Strickland's and Fenton's directorial and montage skills are showcased in their own right. And Björk can reassert her enormous charisma as a performer, which was somewhat obscured by the controversy surrounding her recent MoMA retrospective. “A must for [not only] fans of the avant-garde pixie.” (Los Angeles Times)
Long Description_de
Der britische Regisseur Peter Strickland dokumentiert meisterhaft die einzigartige „Biophilia“ Liveshow der Ausnahmemusikerin und -künstlerein Björk als multimediales Heimkinoerlebnis. “Ein einmaliges Kinoerlebnis wie seinerzeit „2001“. Ein Trip.” (Concrete Playground) Zwischen „Berberian Sound Studio“, seiner gefeierten Hommage an den italienischen „Giallo“-Horrorfilm und dem Arthouse-Hit und Kultklassiker „The Duke of Burgundy“, hat Peter Strickland seine besondere Affinität und seinen Einfallsreichtum im Bereich des Filmtons in den Dienst der isländischen Diva und Gesamtkunstwerks Björk gestellt. Zusammen mit Cutter Nick Fenton hat Strickland das letzte Konzert von Björks „Biophilia“ Tournee im Londoner Alexandra Palace 2013 festgehalten. Das Album „Biophilia“ (2011) war eine der ersten Pop-Platten mit dazugehöriger interaktiver App. Im Film spielen Björk und Band jeden Song von „Biophilia“ sowie auch ältere Stücke, auf digitalen und traditionellen Instrumenten. Die Visuals, die das Verhältnis zwischen natürlichen und digitalen Welten ausloten, basieren auf Motiven der App. Björk kann aus dem Schatten der kontroversen MoMA-Retrospektive treten und ihr außergewöhnliches Charisma als Performerin bestätigen. “Ein Muß [nicht nur] für Fans der Avantgarde-Fee.” (Los Angeles Times)
Year
2014
Country
UK
Length
96
Primary Language Version
English
Featuring
Björk
Manu Delago
David Attenborough
Director
Peter Strickland
Nick Kenton
Cinematography
Brett Turnbull
Editing
Nick Fenton
Music
Björk
Festivals
Tribeca Film Festival; Karlovy Vary IFF; New Horizons Film Festival Wroclaw; BFI London Film Festival; CPH:DOX Copenhagen; Venice International Film Festival; Rio de Janeiro IFF
Image label
Björk - Biophilia Live
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Product_creation_date
02/07/2015
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51 Paintings

Gedreht in drei Ländern über sechs Jahre, 51 PAINTINGS ist ein einzigartiges Filmerlebnis, das Figuren aus deutschen Gemälden des Mittelalters zum Leben erweckt. “Experimental…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   35   
SKU
3837
Film title_en
51 Paintings
Film title_de
51 Paintings
Original title
51 Paintings
Long Description_en
Spanning 6 years and 3 countries, 51 PAINTINGS brings to life an original and extraordinary cinematic experience based on characters in German medieval paintings. “Experimental expression” (FilmInk Magazine) 51 PAINTINGS is the first of 5 experimental art films shot between 2006-2013 in Germany, England and Australia. After visiting the German medieval church of St Michael's in Schwäbisch Hall, Australian director Shaun Wilson recreated 51 characters found in the displayed religious paintings into other places of historical note with actors, friends and other film makers playing out an idea of creating a 'memory' of each painting through video. There are no words spoken, only moving paintings and is meant to be experienced, not understood. This experimental, non-narrative film plays out the notions of slowness as a means of cinematic device by exploring the poetic links between memory, art and time.
Long Description_de
Gedreht in drei Ländern über sechs Jahre, 51 PAINTINGS ist ein einzigartiges Filmerlebnis, das Figuren aus deutschen Gemälden des Mittelalters zum Leben erweckt. “Experimental expression” (FilmInk Magazine) 51 PAINTINGS ist das erste von fünf experimentellen Werken an der Schnittstelle zwischen Film und Kunst. Der Film wurde 2006-2013 in Deutschland, England und Australien gedreht. Ein Besuch der mitteralterlichen Michaelskirche in Schwäbisch Hall inspirierte den australischen Regisseur Shaun Wilson zu diesem Projekt. Er inszenierte 51 Figuren der dort ausgestellten religiösen Gemälde in anderen historisch bedeutenden Orten. Schauspieler, andere Filmemacher und Freunde spielten die Figuren und schufen „Erinnerungsbilder“ der Gemälde durch Video. Es wird kein Wort gesprochen, stattdessen sollen die bewegten Malereien mehr sinnlich erfahren als intellektuell begriffen werden. Dieser nicht-narrative Film setzt Langsamkeit als kinematographisches Mittel ein, um die poetischen Verbindungen zwischen Erinnerung, Kunst und Zeit zu untersuchen.
Year
2013
Country
Australia
Length
71
Language_code
en
Featuring
Scott Knight
Shaun Wilson
Phil Edwards
Andrew Harrison
Martin Koeppl
Ian London
Michelle McNamara
Jenna Ng
Jacqueline Nguyen
Kristine Ostern
Gemma Sylvester
Tung Tuong
Tammy Honey
Carolin Zisch
Zozie Brown
Beth Clarke
Kim Collmer
Amber Connor
Jacqueline Connor
Lily Connor
Domenico De Rosa
Director
Shaun Wilson
Screenplay
Shaun Wilson
Cinematography
Shaun Wilson
Andrew Harrison
Editing
Tammy Honey
Music
Tom Fahey
Zozie Brown
AREMESTAR
Festivals
Director's Lounge Berlin; International Image Festival
Image label
51 Paintings, Shaun Wilson
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02/07/2015
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Valie Export – 3 Experimental Short Films

VALIE EXPORT ist eine der herausragenden Künstlerinnen Österreichs und eine der einflussreichsten Frauen der internationalen Avantgarde. Dieses Programm präsentiert drei experimentelle…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   160   
SKU
3718
Film title_en
Valie Export – 3 Experimental Short Films
Film title_de
Valie Export – 3 Experimental Short Films
Original title
Valie Export– 3 Experimental Short Films
Long Description_en
Austrian feminist avantgarde filmmaker and artist VALIE EXPORT is one of the most influential and provocative figures on the international art scene. This program presents three experimental works from 1970 to 1984 that deal with female body images, sexuality and gender. “MAN & WOMAN & ANIMAL (1970) shows a woman finding pleasure in herself, the whole film an assertion and affirmation of female sexuality and its independence from male values and pleasures. Thinking about my “quite erotic” tag of that film I realize as a viewer I am experiencing a sexuality like that of childhood – one motivated by curiosity, a prosaic pleasure in looking, but free from fantasy. It is quite unlike the experience of ordinary pornography which is invested with the erotic almost exclusively through its symbolization of power.” (Joanna Kiernan) ...REMOTE...REMOTE (1973) shows VALIE EXPORT grooming herself in a way that harmlessly goes beyond the familiar sight of a woman “harmlessly” doing herself up. Instead, EXPORT explores the boundaries to self-mutilation behind the facade of normalcy. To this day, the film evokes defensive reactions among (female) viewers. SYNTAGMA (1984) breaks away from any notion of unity -body, space or time – into a fragmented world of doubling and difference that is caught in representation. The “body” and its metaphors – mattresses, book-texts, printed photographic paper, tv monitors etc. - are al shown in the film as “speaking”; however, “body speech” does not issue from a place of cohesion, but as a selected movement, like circuitry within a system. EXPORT seems critical of the opposition of the metaphysics of the body and the body of the 21st century which is functionally equivalent of a machine that produces meaning.” (Valerie Manentil)
Long Description_de
VALIE EXPORT ist eine der herausragenden Künstlerinnen Österreichs und eine der einflussreichsten Frauen der internationalen Avantgarde. Dieses Programm präsentiert drei experimentelle Filme von 1970 bis 1984 weibliche Körperbilder, Sexualität und Gender. “MANN & FRAU & ANIMAL (1970): Statt der Heiligen Dreifaltigkeit: Vater Sohn Heiliger Geist, statt der profanen Dreifaltigkeit: Mutter Familie Staat, statt der sozialen Dreifaltigkeit: Vater Mutter Kind, behandelt der Film die wirkliche Trilogie in drei Abschnitten. Was den Mann und die Frau vereint (sicherlich nicht ausschließlich, was aber verheimlicht wird), das ist die Geschichte der Natur. Was mir bei diesem Film wichtig war, ist das Nebeneinander von Orgasmus - Menstruation - Sperma. Daß man als Frau einerseits Sperma aufnimmt, aufnehmen muss und andererseits menstruiert, eben um fruchtbar zu sein. Ich wollte es loslösen voneinander. (VALIE EXPORT) ...REMOTE...REMOTE (1973): Sprache des Schmerzes. Was Kinderaugen sehen und leiden, was der Zuschauer, die Zuschauerin sieht an Leiden, dieser Weg vom Sehen zum Sprechen ist die Brücke für die Sprache des Schmerzes" (= die Aktion) (VALIE EXPORT) SYNTAGMA (1984): VALIE EXPORT bearbeitet in ihrem Film in knapp siebzehn Minuten (konträre) Frauenbilder. Schwarz bestrümpfte Beine in Pumps überlagern sich mit nackten Frauenfüßen, Abbildungen ergänzen sich mit Darstellungen, Spiegelungen werden zur Klärung von Befindlichkeiten herangezogen. Die Privatheit isolierten Seins findet sich in der Übertragung des Fernsehapparates bloßgestellt und der kontrollierende Blick der Öffentlichkeit steht gegen die Intimität der Selbstbeobachtung. „SYNTAGMA ist wie ein starrer Blick, den jemand mit sich selber wechselt, als ob er / sie zwei Menschen wäre.” (VALIE EXPORT)
Year
1970-1984
Country
Austria
Length
35
Age Recommendation
FSK 18
Language_code
de:ove
Featuring
Valie Export
Irmilin Hofer
Director
Valie Export
Screenplay
Valie Export
Cinematography
Peter Weibel
Didi
Fritz Köberl
Sound
Hermann Hendrich
Music
Hans Hartel ("Syntagma")
Festivals
(selection) Rotterdam - Int. Filmfestival; Wroclaw - WRO-International Media Art Biennale; Oberhausen - Int. Kurzfilmtage; Tampere Film Festival; Jihlava Documentary Film Festival
Image label
Valie Export – 3 Experimental Short Films
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16/03/2015
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Peter Tscherkassky – Films From A Dark Room

Der österreichische Found-Footage-Pionier Peter Tscherkassky bearbeitet Filmmaterial an der optischen Bank, um verborgene Bedeutungen zu bergen. Die Filme der Kollektion FILMS FROM A DARK ROOM…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   82   
SKU
3713
Film title_en
Peter Tscherkassky – Films From A Dark Room
Film title_de
Peter Tscherkassky – Films From A Dark Room
Original title
Peter Tscherkassky – Films From A Dark Room
Long Description_en
Austrian found footage film pioneer Peter Tscherkassky processes film clips with the optical printer to unearths their hidden meanings. The films assembled in FILMS FROM A DARK ROOM sample the Brothers Lumière and Science Fiction flicks. FILMS FROM A DARK ROOM compiles six short films by Peter Tscherkassky, including his internationally acclaimed found footage trilogy - L'ARRIVÉE, OUTER SPACE, DREAM WORK. “A confrontation with the codes of narrative-representational cinema is one of Peter Tscherkassky´s constant concerns. If one attempts to distill a constant from his films, then this must surely be the oscillation between the abstract and the concrete, between the dry and the sensual, which is the source of energy of his work. The question of belly or brain is one which Tscherkassky stopped asking long ago - for ultimately sobriety is the route to ecstasy.” (Gabriele Jutz) Films: L´arrivée Outer Space Dream Work Manufraktur Motion Picture (La Sortie Des Ouvriers de l´usine Lumière à Lyon) Get Ready
Long Description_de
Der österreichische Found-Footage-Pionier Peter Tscherkassky bearbeitet Filmmaterial an der optischen Bank, um verborgene Bedeutungen zu bergen. Die Filme der Kollektion FILMS FROM A DARK ROOM sampeln u.a. von den Gebrüdern Lumière und Science Fiction Streifen. FILMS FROM A DARK ROOM ist eine Kompilation von sechs Kurzfilmen von Peter Tscherkassky, darunter sein die international gefeierte Found-Footage-Trilogie - L'ARRIVÉE, OUTER SPACE, DREAM WORK. „Tscherkassky legt in quasi musikalischer Montage die schwarzweißen Bilder übereinander und gegeneinander, spielt mit trügerischer Ruhe und ekstatischer Entladung, konstruiert Motivwiederholungen und -variationen ­ und bezieht dabei die äußeren Ränder des Materials, etwa die Tonspur und die Perforation des Filmstreifens, in seine Komposition mit ein. Der outer space des Kinos beginnt an den Kanten seiner Bilder.” (Stefan Grissemann) Filme: L´arrivée Outer Space Dream Work Manufraktur Motion Picture (La Sortie Des Ouvriers de l´usine Lumière à Lyon) Get Ready
Year
1983-2002
Country
Austria
Length
30
Primary Language Version
German
Director
Peter Tscherkassky
Screenplay
Peter Tscherkassky
Awards
Für "Outer Space": DOK Leipzig: Special Mention for Innovation; San Francisco - Golden Gate Award Int. Film Festival: Best Short & Golden Spire New Visions; Split - Festival of New Film and Video: Grand Prize
Festivals
Cannes Official Selection; Sundance; Max Ophüls Preis; DOK Leipzig; International Film Festival Rotterdam; Clermont-Ferrand Festival de Court Metrage; Hamburg International Short Film Festival; Osnabrück - European Media Art Festival; Stuttgart - Filmwinter Expanded Media Festival; Diagonale Festival of Austrian Film Graz; Winterthur Kurzfilmtage; Viennale; New York Film Festival; BFI London Film Festival; Internationale Kurzfilmtage Oberhausen; Dresden Film Festival
Image label
Peter Tscherkassky – Films From A Dark Room
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Product_creation_date
16/03/2015
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Kurt Kren – Structural Films

Der Strukturalist Kurt Kren gehört zu den einflussreichsten Filmkünstlern der europäischen Nachkriegsavantgarde. STRUCTURAL FILMS versammelt Krens frühe Arbeiten von den 50ern bis…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   105   
SKU
3714
Film title_en
Kurt Kren – Structural Films
Film title_de
Kurt Kren – Structural Films
Original title
Kurt Kren – Structural Films
Long Description_en
Structuralist filmmaker Kurt Kren was one of the most influential audiovisual artists of the post war avantgarde. STRUCTURAL FILMS compiles Kren's early works from the late 1950s to 1970s in which he explores the formal properties of the moving image medium. The minimalist, often abstract works sometimes follow mathematical rules and principles while still creating an aesthetic effect. “Kurt Kren’s achievements with regard to the montage of short cuts in his early works was many years ahead of the rest of the (film-)world, in both form and content. Kurt Kren was a pioneer: an avant-gardist in the classic and best sense of the word. A filmmaker who knows how to thnk in images like few other in his trade, and who realized these images in films that are among the „most beautiful“ and – if it’s important – „most important“ in cinematic history. ” (Peter Tscherkassky) Films: 1/57 Versuch mit synthetischem Ton 2/60 48 Köpfe aus dem Szondi-Test 3/60 Bäume im Herbst 4/61 Mauern Pos.–Neg. und weg 5/62 Fenstergucker, Abfall etc. 11/65 Bild Helga Philipp 15/67 TV 17/68 Grün-Rot 20/68 Schatzi 28/73 Zeitaufnahme(n) 31/75 Asyl 32/76 An W+B 36/78 Rischart 37/78 Tree Again 38/79 Sentimental Punk 49/95 Tausendjahrekino
Long Description_de
Der Strukturalist Kurt Kren gehört zu den einflussreichsten Filmkünstlern der europäischen Nachkriegsavantgarde. STRUCTURAL FILMS versammelt Krens frühe Arbeiten von den 50ern bis 70ern, in denen er die formalen Möglichkeiten des Mediums Film auslotet. Die minimalistischen, mitunter abstrakte Arbeiten folgen oft mathematischen Regeln und Gesetzmäßigkeiten, ohne auf eine sinnliche Wirkung zu verzichten. „Was Kurt Kren in seiner ersten Werkperiode in der Kurzschnitt Montage geleistet hat, war dem Rest der (Film-)Welt formal wie inhaltlich viele Jahre voraus. Kurt Kren war Pionier: Avantgardist im klassischen und besten Sinn des Wortes. Ein Filmemacher, der wie wenige dieses Metiers in Bildern zu denken versteht und der diese Bilder in Filme umsetzte, die zu den „schönsten“ und – wenn das wichtig ist – „wichtigsten“ der Filmgeschichte gehören.“ (Peter Tscherkassky) Filme: 1/57 Versuch mit synthetischem Ton 2/60 48 Köpfe aus dem Szondi-Test 3/60 Bäume im Herbst 4/61 Mauern Pos.–Neg. und weg 5/62 Fenstergucker, Abfall etc. 11/65 Bild Helga Philipp 15/67 TV 17/68 Grün-Rot 20/68 Schatzi 28/73 Zeitaufnahme(n) 31/75 Asyl 32/76 An W+B 36/78 Rischart 37/78 Tree Again 38/79 Sentimental Punk 49/95 Tausendjahrekino
Year
1957-1995
Country
Austria
Length
67
Age Recommendation
FSK 16
Language_code
de
Featuring
Kurt Kren
Director
Kurt Kren
Screenplay
Kurt Kren
Cinematography
Kurt Kren
Festivals
(selection) Berlinale; Locarno - Festival Int. De la Video et Arts Electroniques; Diagonale Graz:; Oberhausen - Int. Kurzfilmtage; Tampere Film Festival; Viennale; New York Film Festival; Hamburg International Film Festival; European Media Art Festival (EMAF) Osnabrück; Rotterdam IFF; Stuttgart - Filmwinter, Expanded Media Festival
Image label
Kurt Kren – Structural Films
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16/03/2015
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Kurt Kren – Which Way To CA?

Der strukturalistische Filmemacher Kurt Kren war einer der einflussreichsten audiovisuellen Künstler der Nachkriegs-Avantgarde. Die Kompilation WHICH WAY TO CA versammelt seine späteren…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   45   
SKU
3716
Film title_en
Kurt Kren – Which Way To CA?
Film title_de
Kurt Kren – Which Way To CA?
Original title
Kurt Kren – Which Way To CA?
Long Description_en
Structuralist filmmaker Kurt Kren was one of the most influential audiovisual artists of the post war avantgarde. WHICH WAY TO CA compiles Kren's later works which display documentary elements. Including a documentary short about Kren by film scholar Hans Scheugl. “What does it mean to recognize a documentary gesture in Kren´s films? What is being documented? The documentary images that Kren uses in his works do not arise out of a plan, but instead, come from the right moment, a coincidence, a momentary observation, or a seized opportunity..” (Michael Palm) Films: 18/68 Venecia Kaputt 1968, 0:20 Min, 22/69 Happy-End 1969, 4:02 Min, 23/69 Underground Explosion 1969, 5:07 Min, 24/70 Western 1970, 2:54 Min, 26/71 Zeichenfilm Balzac Und Das Auge Gottes 1971, 0:31 Min, 27/71 Auf der Pfaueninsel 1971, 1:21 Min, 29/73 Ready-Made 1973, 12:20 Min, 30/73 Coop Cinema Amsterdam 1973, 3 Min, 33/77 Keine Donau 1977, 8:16 Min, 34/77 Tschibo 1977, 1:58 Min, 39/81 Which Way To CA? 1981, 3:18 Min, 40/81 Breakfast im Grauen 1981, 3:13 Min, 41/82 Getting Warm 1982, 3:22 Min, 42/83 No Film 1983, 0:03 Min, 43/84 1984 1984, 1:43 Min, 44/85 Foot–Age Shoot–Out 1985, 3:03 Min, 46/90 Falter 2 1990, 0:30 Min, 50/96 Snapspots (for Bruce) 1996, 4:12 Min, Special Feature: Hans Scheugl: Keine Donau - Kurt Kren und seine Filme 1988, 55 Min
Long Description_de
Der strukturalistische Filmemacher Kurt Kren war einer der einflussreichsten audiovisuellen Künstler der Nachkriegs-Avantgarde. Die Kompilation WHICH WAY TO CA versammelt seine späteren Werke, die auch dokumentarische Momente aufweisen. Darunter ist auch eine kurze Doku über Kren von Hans Scheugl. Kren unterwegs von Vermont nach Kalifornien. Seine verschiedenen Autos, sagt Kren, sind der rote Faden, der durch die Geschichte läuft. Der Anfang des Films fehlt, denn Kren brauchte Geld und wollte die Kamera in San Francisco bei einem Pfandleiher versetzen; bei dem Versuch, die Funktionstüchtigkeit der Kamera zu demonstrieren, kam Licht auf den Film. Kren nennt den Film ein "bad home movie", weil Amateure an ihren Filmen viel mehr herumtüfteln, wohingegen er alles nahm, wie es kam, ohne nachträglich etwas wegzuschneiden. (Hans Scheugl: Die Filme, Eine kommentierte Filmographie, in: Scheugl, Hans (Hrsg.), Ex Underground Kurt Kren, Seine Filme) Filme: 18/68 Venecia Kaputt 1968, 0:20 Min, 22/69 Happy-End 1969, 4:02 Min, 23/69 Underground Explosion 1969, 5:07 Min, 24/70 Western 1970, 2:54 Min, 26/71 Zeichenfilm Balzac Und Das Auge Gottes 1971, 0:31 Min, 27/71 Auf der Pfaueninsel 1971, 1:21 Min, 29/73 Ready-Made 1973, 12:20 Min, 30/73 Coop Cinema Amsterdam 1973, 3 Min, 33/77 Keine Donau 1977, 8:16 Min, 34/77 Tschibo 1977, 1:58 Min, 39/81 Which Way To CA? 1981, 3:18 Min, 40/81 Breakfast im Grauen 1981, 3:13 Min, 41/82 Getting Warm 1982, 3:22 Min, 42/83 No Film 1983, 0:03 Min, 43/84 1984 1984, 1:43 Min, 44/85 Foot–Age Shoot–Out 1985, 3:03 Min, 46/90 Falter 2 1990, 0:30 Min, 50/96 Snapspots (for Bruce) 1996, 4:12 Min, Special Feature: Hans Scheugl: Keine Donau – Kurt Kren und seine Filme 1988, 55 Min
Year
1968-1996
Country
Austria
Length
130
Language_code
de:ove
Featuring
Kurt Kren
Otto Mühl
Director
Kurt Kren
Screenplay
Kurt Kren
Cinematography
Kurt Kren
Festivals
Rotterdam International Film Festival; Zürich - VIDEOEXperimental Video & Film Festival; Oberhausen - Int. Kurzfilmtage; Toronto - IMAGES - Independent Film & Video Festival
Image label
Kurt Kren, Which Way To CA?
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Peter Tscherkassky – Attractions, Instructions And Other Romances

Der österreichische Found-Footage-Pionier Peter Tscherkassky zählt zu den bedeutendsten Vertretern des gegenwärtigen Avantgardefilms. ATTRACTIONS, INSTRUCTIONS, ROMANCE ist eine…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   64   
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3712
Film title_en
Peter Tscherkassky – Attractions, Instructions And Other Romances
Film title_de
Peter Tscherkassky – Attractions, Instructions And Other Romances
Original title
Peter Tscherkassky – Attractions, Instructions And Other Romance
Long Description_en
Austrian found footage film pioneer Peter Tscherkassky processes film clips with the optical printer to unearths their hidden meanings. The films assembled in ATTRACTIONS, INSTRUCTIONS AND OTHER ROMANCES sample from home movies and classic Italo Westerns. ATTRACTIONS, INSTRUCTIONS AND OTHER ROMANCES compiles eight short films by Peter Tscherkassky, including multi-awarded breathtaking INSTRUCTIONS FOR A LIGHT AND SOUND MACHINE, which features Eli Wallach, star of Sergio Leone's “The Good, The Bad and The Ugly” in mortal combat with Tscherkassky's optical printer and Tscherkassky's most recent film COMING ATTRACTIONS which deconstructs the commercial. Films: Parallel Space: Inter-view, 18 min. Erotique, 2 min. Happy-end, 11 min. Shot Countershot, 22 sec. achtstück (nocturne), 1 min. Coming Attractions, 25 min. Instructions For A Light And Sound Machine, 17 min.
Long Description_de
Der österreichische Found-Footage-Pionier Peter Tscherkassky zählt zu den bedeutendsten Vertretern des gegenwärtigen Avantgardefilms. ATTRACTIONS, INSTRUCTIONS, ROMANCE ist eine Kompilation von acht seiner Filme. Er bearbeitet Filmmaterial an der optischen Bank, um verborgene Bedeutungen zu bergen und sampelt dabei Familienfilme und Italo-Western. Die Kompilation bietet einen aufregenden Einblick in das radikale Kino des Peter Tscherkassky. Darunter ist sein preisgekrönter, atemberaubender Kurzfilm INSTRUCTIONS FOR A LIGHT AND SOUND MACHINE, in dem Eli Wallach, einer der Hauptdarsteller von Sergio Leones „Zwei glorreiche Halunken”, erbittert gegen Tscherkasskys optische Bank kämpft. COMING ATTRACTIONS ist eine Dekonstruktion des Reklamefilms. Aus eigentlich zur Vernichtung bestimmten Probeaufnahmen für Reklamefilme Tscherkassky die Titel gebenden kommenden Attraktionen in Dunkelkammer-Detailarbeit komponiert, frönt dabei in den verschiedenen Kapiteln unterschiedlichsten Zugängen (und schwelgt verständlicherweise in der Absurdität des Ausgangsmaterials). PARALLEL SPACE: INTER-VIEW wiederum wurde mit dem Fotoapparat hergestellt: in der Projektion entspricht die Größe eines Fotos der Größe zweier Filmkader. SHOT-COUNTERSHOT:„Keine Regieanweisung, sondern höchste Konkretion verbirgt sich hinter der technischen Vokabel, die etwas von der Sehnsucht nach einem intelligenten und spielerischen Umgang mit dem Medium Kurzfilm verrät.“(Marli Feldvoss) Alle Filme: 01 – PARALLEL SPACE: INTER-VIEW, 18 min, 02 – EROTIQUE, 2 min, 03 – HAPPY-END, 11 min, 04 – SHOT COUNTERSHOT, 22 sec, 05 – NACHTSTÜCK (NOCTURNE), 1 min, 06 – COMING ATTRACTIONS, 25 min, 07 – INSTRUCTIONS FOR A LIGHT AND SOUND MACHINE, 17 min
Year
1982-2005
Country
Austria
Length
72
Language_code
de:ove
Director
Peter Tscherkassky
Screenplay
Peter Tscherkassky
Awards
Venice: ORIZZONTI AWARD Shorts (for "Coming Atttractions"); All for "Instructions for A Sound and Light Machine": Vila do Conde - Festival Internacional de Curtas-Metragens: Grande Premio Experimental ; Zagreb 25fps Film & Video Festival: Main Award; Clermont-Ferrand Festival de Court Metrage: Special Mention; Utrecht Holland Animation Film Festival: Grand Prize
Festivals
(selection) Cannes; Venice; Toronto IFF; London BFI International Film Festival; Viennale; Hamburg International Short Film Festival; Winterthur Kurzfilmtage; Stuttgart - Filmwinter, Expanded Media Festival; Luzern: VIPER - Int. Film-, Video-& Multimedia-Festival; Rotterdam - Int. Filmfestival; New York Film Festival; Locarno: Festival Int. De la Video et Arts Electroniques; VIS Vienna Independent Shorts; Clermont-Ferrand International Short Film Festival; Jihlava Documentary Film Festival; Sitges Barcelona; Diagonale Graz
Image label
Attractions, Instructions And Other Romances, Peter Tscherkassky
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Product_creation_date
16/03/2015
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Wie ich lernte, die Zahlen zu lieben

An einem manisches Verhältnis zu Zahlen leidet der Regisseur Oliver Sechting. Seine Zwangserkrankung wird zum Thema der Doku WIE ICH LERNTE, DIE ZAHLEN ZU LIEBEN, bei dem er mit Ko-Regisseur Max…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   607   
SKU
3596
Film title_en
How I Learned to Love the Numbers
Film title_de
Wie ich lernte, die Zahlen zu lieben
Original title
Wie ich lernte, die Zahlen zu lieben
Long Description_en
Oliver Sechting lives with an obsessive compulsive disorder involving colors and numbers. His affliction ended up taking over his documentary HOW I LEARNED TO LOVE NUMBERS, which was originally meant to explore NYC's underground scene with co-director Max Taubert. Featuring interviews with directors Tom Tykwer, Ira Sachs and Jonathan Caouette. This doc-fiction film was shown at “achtung berlin” festival. All day long, Berlin based director Oliver Sechting is tortured by certain combinations of numbers and certain colors. At worst, they cause serious panic attacks and even fear of death. In fact, Sechting and his fellow director Max Taubert came to New York City – with the blessing of their mentor Rosa von Praunheim – to film underground artists such as Phoebe Legere or Joey Arias. But Sechting's disorder becomes more and more predominant, causing him to withdraw from his filmmaking duties and stirring arguments with his co-director Taubert. In spite of all the difficulty, the film turns into a very personal and touching journey. Featuring interviews with directors Tom Tykwer, Ira Sachs or Jonathan Caouette.
Long Description_de
An einem manisches Verhältnis zu Zahlen leidet der Regisseur Oliver Sechting. Seine Zwangserkrankung wird zum Thema der Doku WIE ICH LERNTE, DIE ZAHLEN ZU LIEBEN, bei dem er mit Ko-Regisseur Max Taubert eigentlich die New Yorker Künstler-Szene filmen wollte. Deren Protagonisten werden Teil der Therapie-Sitzungen - aber erst Warhol-Superstar Ultra Violet kann dem Gast aus Deutschland tatsächlich eine neue Tür öffnen. Produziert wurde der Film von Rosa von Praunheim und lief bei „achtung berlin“ 2014. Oliver Sechting wird tagsüber von Zahlenkombinationen und Farben gequält, die bei ihm starke Beklemmungen bis hin zur Todesangst hervorrufen. Denn er leidet an einer psychischen Krankheit namens „Magische Zwangsvorstellung“. Eigentlich war der Berliner Filmemacher mit seinem Ko-Regisseur Max Taubert und dem Segen seines Mentors Rosa von Praunheim nach New New York aufgebrochen, um die Szene dortiger Underground-Künstler wie Phoebe Legere oder Joey Arias zu beleuchten. Doch die Leiden von Sechting nehmen Überhand und werden nun vorrangig in dieser kurzweiligen Doku thematisiert. Auch die Regisseure Tom Tykwer, Ira Sachs oder Jonathan Caouette kommen darin zu Wort.
Year
2014
Country
Germany
Length
88
Age Recommendation
FSK 12
Primary Language Version
German
Featuring
Rosa von Praunheim
Joey Arias
Anna Steegman
Claudia Steinberg
Tom Tykwer
Ira Sachs
Yony Leyser
Phoebe Legere
Jonathan Caouette
Ultra Violet
Director
Oliver Sechting
Max Taubert
Screenplay
Oliver Sechting
Max Taubert
Cinematography
Max Taubert
Oliver Sechting
Wayne Xavier
Editing
André Krummel
Sound
Oliver Sechting
Music
Andreas Wolter
Maike Rosa Vogel
Festivals
achtung berlin new berlin film award; Max-Ophüls-Preis - Saarbrücken; Exground Filmfstival Wiesbaden; Pink Apple LGBT Film Festival
Image label
Wie ich lernte, die Zahlen zu lieben,Oliver Sechting, Max Taubert, Rosa von Praunheim, Joey Arias, Anna Steegman, Claudia Steinberg, Tom Tykwer, Ira Sachs, Yony Leyser, Phoebe Legere, Jonathan Caouette, Ultra Violet
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Product_creation_date
15/12/2014
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Art Girls

ART GIRLS von Robert Bramkamp ist ein faszinierender Science Fiction Film, in dem Kunst die Welt verändert. Inga Busch, Peter Lohmeyer, Megan Gay und Jana Schulz spielen die Hauptrollen in einem…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   1,070   
SKU
3536
Film title_en
Art Girls
Film title_de
Art Girls
Original title
Art Girls
Long Description_en
ART GIRLS by Robert Bramkamp is a romantic science fiction film set in Hamburg and Berlin in the netherworld between science and art. Starring Inga Busch Peter Lohmeyer, Megan Gay and Jana Schulz and feature artworks by Susanne Weirich, Paul McCarthy, Martin Kippenberger, Joseph Beuys et al. "Clearly a global cultural signpost for the art of the 21st century." (Huffington Post) What's reality and what's art? What happens when the tables are turned, and art no longer imitates nature but things go the other way round? ART GIRLS by Robert Bramkamp asks just these questions, as a satire of the art world in a science fiction format - or is it the other way around? Three Berlin artists, Nikita Neufeld (Inga Busch), Una Queens (Megan Gay) and Fiona da Vinci (Jana Schulz) have been commissioned to present works at the "Art Gate" exhibition, sponsored by the biotech corporation Morphocraft and headed by the Maturana brothers (Peter Lohmeyer in a double role). It soon becomes clear that the art show is just a cover for questionable human experiments. With far-reaching consequences: the lines between utopia and catastrophe as well as art and reality become increasingly blurred. A collective WE-intelligence begins to emerge...
Long Description_de
ART GIRLS von Robert Bramkamp ist ein faszinierender Science Fiction Film, in dem Kunst die Welt verändert. Inga Busch, Peter Lohmeyer, Megan Gay und Jana Schulz spielen die Hauptrollen in einem phantastischen Berliner Alltag. Mit Kunst von Susanne Weirich, Paul McCarthy, Martin Kippenberger, Joseph Beuys u.v.a. "Für Liebhaber von Genrefilmen wie für Kunst-Interessierte ein kleiner Leckerbissen, der seinesgleichen sucht.” (kino.de) “ART GIRLS gehört für mich zu den beglückendsten Erfahrungen, die man mit Film machen kann.” (Georg Seeßlen, Filmkritiker und Autor) Was ist Realität und was ist Kunst? Was passiert, wenn der Spieß sich umdreht und plötzlich nicht mehr die Kunst die Natur imitiert, sondern umgekehrt? ART GIRLS von Robert Bramkamp geht diesen Fragen nach, als Satire der Kunstwelt im Science-Fiction-Format - oder umgekehrt? Die Berliner Künstlerinnen Nikita Neufeld (Inga Busch), Una Queens (Megan Gay) und Fiona da Vinci (Jana Schulz) sollen auf der "Art Gate" ausstellen, welche von einem Biotech-Konzern unter der Leitung der Maturana-Brüder (Peter Lohmeyer in einer Doppelrolle) gesponsert wird. Bald wird jedoch klar, dass die Ausstellung nur den Rahmen für fragwürdige Experimente darstellt. Mit weitreichenden Auswirkungen: Zwischen Utopie und Katastrophe beginnen Kunst und Realität miteinander zu verschmelzen und eine kollektive WIR-Intelligenz ist im Entstehen begriffen.
Year
2014
Country
Germany
Length
120
Age Recommendation
FSK 12
Primary Language Version
German
Subtitles
Chinese
English
French
Indonesian
Russian
Spanish
Featuring
Inga Busch; Peter Lohmeyer; Megan Gay; Jana Schulz; Gabriele Gysi; Isabelle Höpfner; Klara Herbel; Herbert Schöberl; Saralisa Volm; Christian Steyer; Tomek Nowicki
Director
Robert Bramkamp
Screenplay
Robert Bramkamp
Art Director: Susanne Weirich
Cinematography
Sebastian Egert
Tim Liebe
Editing
Andreas Zitzmann
Sound
Hubertus Müll
Silvio Naumann
Festivals
Home of Films - Internationale Hofer Filmtage; achtung berlin new berlin film award; Moscow International Film Festival
Production
IFF - Institut Forschender Film Hamburg GmbH
Supported by
MFG Baden-Württemberg
FFHSH - Filmförderung Hamburg Schleswig
nordmedia
Miscellaneous_en
Featuring art by: Susanne Weirich, Maren Strack, Paul McCarthy, Öyvind Fahlström, Joseph Beuys, Christo und Jeanne Claude, Claire Langan, Martin Kippenberger, Jonathan Meese, Werner Büttner, Julia Oschatz, Astrid Nippoldt, Dirk Meinzer, Victor Alimpiev, Bruno Peinado, Weirich/Bramkamp, Alexej Tchernyi, . Educational rights available.
Miscellaneous_de
Kunstwerke von: Susanne Weirich, Maren Strack, Paul McCarthy, Öyvind Fahlström, Joseph Beuys, Christo und Jeanne Claude, Claire Langan, Martin Kippenberger, Jonathan Meese, Werner Büttner, Julia Oschatz, Astrid Nippoldt, Dirk Meinzer, Victor Alimpiev, Bruno Peinado, Weirich/Bramkamp, Alexej Tchernyi, . Bildungsrechte verfügbar.
Image label
Art Girls, Robert Bramkamp, Inga Busch, Peter Lohmeyer, Megan Gay, Jana Schulz
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Product_creation_date
28/10/2014
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full_film
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Stilleben

In seiner Doku STILLEBEN stellt Medienkünstler und Regisseur Harun Farocki die gewagte These auf, dass Werbefotografen von heute und niederländisch-flämische Maler des 16. Jahrhunderts…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   402   
SKU
2962
Film title_en
Still Life
Film title_de
Stilleben
Original title
Stilleben
Long Description_en
Are today's advertising photographers continuing in the tradition of 17th century Flemish painters? This is one theory director Harun Farocki poses in his documentary STILL LIFE. According to Harun Farocki, today's photographers also depict objects from everyday life – the "still life". The filmmaker illustrates this intriguing hypothesis with three documentary sequences showing photographers at work creating a contemporary STILL LIFE: a cheese-board, beer glasses and an expensive watch.
Long Description_de
In seiner Doku STILLEBEN stellt Medienkünstler und Regisseur Harun Farocki die gewagte These auf, dass Werbefotografen von heute und niederländisch-flämische Maler des 16. Jahrhunderts viele Gemeinsamkeiten hätten. „So wie die Malerei des 17. Jahrhunderts Dinge des Alltagslebens Speisen, Getränke, Tafelschmuck im Stilleben abgebildet hat, so werden heute in der Werbeindustrie mit einem großen Aufwand und hohen Grad an Spezialisierung Fotos von Waren produziert. Harun Farocki hat Fotografen in Frankreich, den USA und Deutschland in ihren Studios aufgesucht und sie tagelang mit der Kamera bei der Arbeit beobachtet. Es sind drei dokumentarische Sequenzen über das Arrangement einer Käseplatte, von gefüllten Biergläsern und einer wertvollen Armbanduhr entstanden. Dem gegenüber stellt der Autor in vier Blöcken einen essayistischen Text über die klassische niederländisch-flämische Stilleben-Malerei und verschiedene Beispiele aus europäischen Museen.“ (Zeughaus-Kino, 1998)
Year
1997
Country
Germany
Length
56
Language_code
de;en
Featuring
Hanns Zischler (German narrator)
Kaja Silverman (English narrator)
Director
Harun Farocki
Screenplay
Harun Farocki
Cinematography
Ingo Kratisch
Editing
Irina Hoppe
Rosa Mercedes
Jan Ralske
Sound
Ludger Blanke
Jason Lopez
Hugues Peyret
Festivals
documenta X Kassel
Production
Harun Farocki Filmproduktion
Berlin; Movimento Production; ZDF/ 3sat
RTBF-Carré Noir; Latitudes Production; ORF; NOS TV The Netherlands Programme Service; Planète Cable
Supported by
Centre National de la Cinématographie
France; documenta X
Miscellaneous_en
collaboration/Mitarbeit: Jörg Becker, Dina Ciraulo. Educational rights available.
Miscellaneous_de
collaboration/Mitarbeit: Jörg Becker, Dina Ciraulo. Bildungsrechte verfügbar.
Image label
Stilleben, Harun Farocki
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Product_creation_date
21/07/2014
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stilleben
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Nicht ohne Risiko

Was Venture Capital, kurz VC, zu Deutsch Risiko-Kapital ist, erklärt die Doku NICHT OHNE RISIKO von Harun Farocki. Banken geben Geld nur gegen Sicherheiten. Wer die nicht hat, zahlt an…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   229   
SKU
2960
Film title_en
Nicht ohne Risiko
Film title_de
Nicht ohne Risiko
Original title
Nicht ohne Risiko
Long Description_en
In his examination of venture capital, NOTHING VENTURES, director Harun Farocki shows two days of tough negotiations between entrepreneurs and bankers, and reveals some of the pressures manufacturers are facing to stay innovative and competitive. "What venture capital, or VC for short, actually means is explained in the film itself. Banks lend money only against collateral. Those who have none have to turn to VC companies and pay interest of 40%. Scenes were filmed at a wide range of companies: VC companies discussing projects; entrepreneurs seeking to give shape to their ideas; consultants rehearsing their presentation. In the end we restricted ourselves to just one set of negotiations and used the material shot over two days. What tipped the balance for me was hearing the lawyer for NCTE, the company seeking capital say, "We are a little disappointed by the offer". I felt myself transported into a Coen Brothers film. The protagonists in our story film are sharp-witted and filled with a desire to present themselves. (…) (Harun Farocki)
Long Description_de
Was Venture Capital, kurz VC, zu Deutsch Risiko-Kapital ist, erklärt die Doku NICHT OHNE RISIKO von Harun Farocki. Banken geben Geld nur gegen Sicherheiten. Wer die nicht hat, zahlt an VC-Gesellschaften 40% Zinsen. „Mindestens. Wir hatten bei den verschiedensten Firmen Aufnahmen gemacht, bei VC-Gesellschaften, die Projekte diskutieren, bei Unternehmern, die eine Idee in Form bringen wollen, bei Beratern, die die Präsentation einüben. Dann aber beschränkten wir uns auf eine einzige Verhandlung an nur zwei Tagen. Als ich den Anwalt der kapitalsuchenden NCTE sagen hörte: "Wir sind ein bisschen enttäuscht über das Angebot", fühlte ich mich in einen Coen-Brothers-Film versetzt. Die Akteure in unserem Storyfilm sind geistesgegenwärtig und voller Darstellungslust. Nachdem sie sich zunächst nicht einigen können, weichen sie auf ein allgemeines Gespräch über strategische issues aus.“ (...) (Harun Farocki)
Year
2004
Country
Germany
Length
52
Language_code
de:ove
Director
Harun Farocki
Screenplay
Harun Farocki
Matthias Rajmann
Cinematography
Ingo Kratisch
Editing
Max Reimann
Sound
Matthias Rajmann
Awards
Herbert-Quandt-Medien-Preis
Festivals
Viennale; Duisburger Dokumentarfilmwoche
Production
Harun Farocki Filmproduktion
WDR
Miscellaneous_en
Educational rights available.
Miscellaneous_de
Bildungsrechte verfügbar.
Image label
Nicht ohne Risiko, Harun Farocki
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Product_creation_date
21/07/2014
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Schnittstelle

In seinem dokumentarischen Kurzfilm SCHNITTSTELLE reflektiert Medienkünstler Harun Farocki seine eigene dokumentarische Arbeit und geht der Frage nach, was es bedeutet, mit schon vorhandenen…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   267   
SKU
2961
Film title_en
Interface
Film title_de
Schnittstelle
Original title
Schnittstelle
Long Description_en
In the documentary INTERFACE media artist and director Harun Farocki examines his own media work and explores what it means to work with existing imagery rather than producing one's own, new images. Harun Farocki was commissioned by the Lille Museum of Modern Art in France to produce a video "about his work". His creation was an installation for two screens that was presented within the scope for the 1995 exhibition "The World of Photography". The film INTERFACE developed out of that installation. The German title of the film is SCHNITTSTELLE and it plays on the double meaning of "Schnitt" (cut), referring both to Farocki's workplace, the editing table, as well as the "human-machine interface", where a person operates a computer using a keyboard and a mouse. (3sat, September 1995)
Long Description_de
In seinem dokumentarischen Kurzfilm SCHNITTSTELLE reflektiert Medienkünstler Harun Farocki seine eigene dokumentarische Arbeit und geht der Frage nach, was es bedeutet, mit schon vorhandenen Bildern zu arbeiten, statt stets wieder neue, eigene herzustellen. „Vom "Musée d'art moderne" in Lille beauftragt, ein Video 'über seine Arbeit' herzustellen, hat Harun Farocki eine Installation für zwei Monitore geschaffen, die während der Ausstellung "Die Welt nach der Photographie" 1995 zu sehen war. Daraus ist der Film SCHNITTSTELLE entstanden. Der Titel spielt mit der doppelten Bedeutung des Wortes "Schnitt" und bezieht sich dabei sowohl auf den Arbeitsplatz des Filmemachers Farocki, den Schneidetisch, als auch auf den Ort, an dem ein Mensch mittels Tastatur und Maus einen Computer bedient, die "Mensch-Maschine-SCHNITTSTELLE".“ (3sat, September 1995)
Year
1995
Country
Germany
Length
24
Language_code
de
Featuring
Harun Farocki
Director
Harun Farocki
Screenplay
Harun Farocki
Cinematography
Ingo Kratisch
Leo Borchard
Editing
Max Reimann
Sound
Klaus Klingler
Festivals
Duisburger Dokumentarfilmwoche
Production
Musée Moderne d'art de Villeneuve d' Ascq
Harun Farocki Filmproduktion
Berlin
Miscellaneous_en
Educational rights available.
Miscellaneous_de
Bildungsrechte verfügbar.
Image label
Schnittstelle, Harun Farocki
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Product_creation_date
21/07/2014
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Nicht löschbares Feuer

In seiner epochalen Doku NICHT LÖSCHBARES FEUER, den Klaus Kreimeier den „wichtigsten Agitprop-Film der Vietnam-Bewegung" genannt hat, erklärt Regisseur Harun Farocki die…

Von  anglade@eyzmedia.de vor einem Jahr 0   203   
SKU
2959
Film title_en
Inextinguishable Fire
Film title_de
Nicht löschbares Feuer
Original title
Nicht löschbares Feuer
Long Description_en
In his influential documentary essay INEXTINGUISHABLE FIRE, the "most important agitprop film of the Vietnam movement," director Harun Farocki reflects on weapons of mass destruction and illustrates the devastating effect of napalm by putting a cigarette out on his hand. ""When we show you pictures of napalm victims, you'll shut your eyes. You'll close your eyes to the pictures. Then you'll close them to the memory. And then you'll close your eyes to the facts." These words are spoken at the beginning of the agit prop film INEXTINGUISHABLE FIRE that can be viewed as a unique and remarkable development. Farocki refrains from making any sort of emotional appeal. His point of departure is the following: "When napalm is burning, it is too late to extinguish it. You have to fight napalm where it is produced: in the factories." Resolutely, Farocki names names: the manufacturer is Dow Chemical, based in Midland, Michigan in the United States. Against backdrops suggesting the laboratories and offices of this corporation, the film then proceeds to educate us with an austerity reminiscent of Jean Marie Straub." (Hans Stempel, Frankfurter Rundschau, 1969)
Long Description_de
In seiner epochalen Doku NICHT LÖSCHBARES FEUER, den Klaus Kreimeier den „wichtigsten Agitprop-Film der Vietnam-Bewegung" genannt hat, erklärt Regisseur Harun Farocki die verheerende Wirkung von Napalm, indem er auf seiner Hand eine Zigarette ausdrückt. „1968 flog Farocki mit siebzehn weiteren Studenten wegen rebellischer Umtriebe von der Berliner Filmakademie; ein Jahr später entstand NICHT LÖSCHBARES FEUER. Ein Traktat über Napalm-Produktion, Arbeitsteilung und fremdbestimmtes Bewusstsein von brechtischer Kargheit, lehrhaft im Stil, schneidend in der Diktion: heute ein Dokument für den pädagogischen Rigorismus der 68er, aber auch für ihr Vermögen, komplizierte Zusammenhänge so zu erhellen, dass Kapieren und Agieren für viele der Generation zu einer selbstverständlichen Einheit wurden.“ (Klaus Kreimeier, Die Zeit, 3.12. 1993)
Year
1969
Country
Federal Republic of Germany
Length
22
Language_code
de:en
Featuring
Harun Farocki
Hanspeter Krüger
Eckart Kammer
Caroline Gremm
Gerd Volker Bussäus
Ingrid Oppermann
Director
Harun Farocki
Screenplay
Harun Farocki
Cinematography
Gerd Conradt
Editing
Harun Farocki
Sound
Ulrich Knaudt
Awards
German Film Critics Association Awards (Verband der deutschen Filmkritik): Best Short Film
Production
Harun Farocki Filmproduktion for WDR
Miscellaneous_en
Educational rights available.
Miscellaneous_de
Bildungsrechte verfügbar.
Image label
Nicht löschbares Feuer, Harun Farocki
Related_film_SKUs
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2960
Product_creation_date
21/07/2014
URL_key
nicht-loschbares-feuer
URL_path
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